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viernes, 8 de diciembre de 2017

CEMENTO - EL documental

 Cemento vivió durante diecinueve años que se extendieron a lo largo de tres décadas claves para la historia democrática de este país. Es difícil de estimar cuánto de relevancia tiene el rock en esta aventura de vivir en democracia verdadera pero el rock denunció, fue contención y motivo de orgullo. El rock es cultura y tuvo una casa donde se desarrolló: CEMENTO. 

ESTRENO: jueves 7 de diciembre 18.50 y 20.50
Y continúa en cartel con dos funciones diarias

Documental declarado de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Con más de 1.000 espectadores en Plaza Francia y otros 1.000 en el templo, nada más ni nada menos que en Cemento, Estados Unidos 1234.

miércoles, 22 de noviembre de 2017

15 AÑOS DEL CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

El miércoles 22 de noviembre a las 19 hs. el
Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini
Festejará sus primeros quince años de historia // Abrirán el acontecimiento Virginia Innocenti Débora Infante con un espectáculo musical en vivo // La celebración contará con la presencia de muchos de los artistas, intelectuales, investigadores y profesionales que fueron y son parte de la vida de este espacio dedicado a las artes, las letras y las ciencias sociales
En la Sala Solidaridad del CCC, Av. Corrientes 1543// Tel. – Informes: 5077-8000
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

“El avance hacia la utopía requiere de muchas batallas pero, sin duda, la primera es la batalla cultural” (Floreal Gorini)

HIJA DE PAPÁ

Nos encontramos frente a una propuesta en la que la protagonista a raíz de una desilusión amorosa decide consultar a una vidente. Allí se le plantean una serie de interrogantes que la llevan a cuestionarse distintos motivos de cuestionamientos sobre su vida y sobre su identidad. Los actores que construyen esta historia, llevan una notable historia llena de emociones profundas. Ella, la protagonista lleva a cabo la notable intención de la búsqueda permanente de su verdad y es acompañada por un grupo de amigos, con los que pasa momentos de inigualable recelo para lograr su cometido. En medio de la historia  todo parece indicar cuánto habrá de verdad y cuánto de ficción en lo que se pretende mostrar. El enfrentamiento de los personajes entre sí, hacen que nos sometamos más profundamente a lo que se quiere narrar en esta historia. Existe a la vez un lenguaje corporal que acompaña a la historia para no dejar de lado la expresión de todos y cada uno de los personajes.


Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Luz Moreira
Actúan:
Gabriel CarassoEmilia RebottaroStefano SanguinettiJorge VilarAndrea Villagrán
Vestuario:
Roberto Mancilla Cruz
Escenografía:
Claus Da Silva
Diseño de luces:
José Binetti
Diseño De Sonido:
José Binetti
Teaser:
Juan Esteban Montoya Rivera
Fotografía:
Guido BarracoAlejandro Chaskielberg
Asistencia de dirección:
Virginia Curet
Prensa:
CorreyDile Prensa
Dirección:
Luz Moreira

El Estepario Teatro
Medrano 484


martes, 21 de noviembre de 2017

LOS PACIENTES

Esta es una puesta en la que lo corporal trasciende más allá de las palabras. Los cuerpos dejan en el escenario un verdadero trasfondo de lo trágico frente a la enfermedad. Un grupo de personas representa a enfermos de hospital y nos desgarran por su contenido dramático que dejan traslucir al expresarse. Todo lo que teñido de dolor a través que pasa la obra y nos deja un sabor amargo mientras se expresan. Es notable la actividad que llevan estos cuerpos para transmitir algo que está lleno de dolor. Mientras tanto, nos sorprendemos por las expresiones que llevan los actores en cada momento y todo con una escenografía que va de acuerdo a lo que se quiere expresar. ¿Cuánto hay de dolor mientras ellos se expresan? Esto no es más que un interrogante,  como una pauta a la que se quiere llegar, mientras se transmiten las escenas.

Autoría: Ana Rocio Jouli
Actúan: Vanesa González, Roberto Dimitrievich, Stella Maris Isoldi, Jorgelina Martínez D'Ors, Liza Rule Larrea, Pablo Emilio Bidegain, Angelina Casco Guiñazú, Mr. Miguelius, y la voz en off de Horacio Peña.
Diseño gráfico: Pablo Gonzalez
Producción: Camila Castro
Vestuario: Laura Staffolani
Asistencia de dirección: Daniela García Dorato
Dramaturgia y dirección: Laura Conde
Caracterización : Laura Barracchia, Agustina Tagle y Paula Conde
Diseño sonoro: Miguel Rausch y Mr. Miguelius
Asistente de producción : Ana Paula Figuerero
Fotografía : Daniela García Dorato y Wily Poch
Diseño de Escenografía : Magali Acha
Escenografia: Los Escuderos y Federico Conde
Coreografía : Eleonora Comelli, en colaboración con los intérpretes
Direccion : Laura Conde

El Portón de Sanchez. Estreno: 07/10/2017
Sánchez de Bustamante 1034
 Función: sábados 23 hs.
ntando acreditación)

viernes, 17 de noviembre de 2017

ARDE BRILLANTE EN LOS BOSQUES DE LA NOCHE

Tomando como referencia el aniversario de la Revolución Rusa (1.917) y una importante representante del feminismo soviético Alexandra Kollantar, nos encontramos frente a tres mujeres que van narrando su historia en distintos momentos y en distintos espacios. Primero frente a un grupo de marionetas, las que están vestidas igual que los personaje y que nos hace seguirlas por lo que quieren expresar. Luego los personajes deciden contar la historia yendo al teatro y ahí nos ubicamos también en otro espacio escénico. Por último se deciden en concurrir al cine y allí se relata una vez más todo lo que quieren acercarnos, todo con un nivel importante de contradicciones que enfrenta en la sociedad la conciencia soviética. Puesta altamente creativa por los conceptos de marionetas teatro y cine, juega con las expresiones de la revolución y que nos deja al día de hoy. Con impactantes escenas de desnudos nos acerca un juego con los cuerpos que dedican a un espectacular nota poética.
 Ficha técnico artística
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO SARMIENTO
Av. Sarmiento 2715 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4808-9479
Web: http://www.complejoteatral.gob.ar
Entrada: $ 140,00 - Domingo, Viernes y Sábado - 20:30 hs - Hasta el 01/12/2017
Entrada: $ 70,00 - Jueves - 20:30 hs - Hasta el 01/12/2017

lunes, 13 de noviembre de 2017

TODO LO QUE NADIE VE

La puesta está encarnado por dos personajes. Ellos son la madre y el hijo, que después de la muerte del padre se encuentran unidos por el sufrir de la madre. El hijo cree que la sobre protección de la madre a modo de cuidado es lo mejor. Ella en cambio, no se resigna a esto y reclama a cada momento otra salida que no sea esa. Se da un juego que aparece en cierta forma como diabólico en el que ellos dos parecen simpatizados pero a la vez no quieren dejarse estar por esta situación y se da una serie de enfrentamientos en los que no se reconoce una verdadera unión. Así es como surge la rebeldía de la madre en todo momento. Un texto de un gran rigor dramático que nos lleva a reflexionar por el sentido de la pérdida. Mientras tanto el rigor de los cuerpos expresan una importante imagen que trasciende la actuación.

Duración: 50 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
VERA VERA TEATRO
Vera 108 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4854-3655
Web: http://www.veraverateatro.blogspot.com
Viernes - 21:00 hs - Hasta el 24/11/2017 

MIRJANA

Se trata de un episodio en la vida de Mirjana, personaje central de la pieza. Dicho episodio comienza el día que la protagonista recibe la visita de su madre. Pareciera que esta visita operase como la lente de aumento que le permitirá a Mirjana revisar todas las circunstancias que atraviesan su vida. Circunstancias encarnadas en una cantidad de seres que la rodean y determinan su actual condición. Presa de aquellos que la determinan debe afrontar las decisiones que la vida le invita a tomar.
La puesta resulta de un excelente nivel interpretativo, en la que los personajes se relacionan entre sí de modo alternativo, y construyen en un espacio escénico en el que se van forjando diversos niveles por la ubicación en la que se encuentran en el escenario. A la vez existe un trabajo que reacciona con los cuerpos que no dejan de expresarse con gestos que iluminan las actuaciones. No hay nada que esté fuera de lugar para llegar así al público que recibe todas las expresiones que se presentan.
Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: (+54 11) 5199 5793
Web: http://www.teatropicadero.com.ar/
Entradas desde: $ 300,00 - Sábado - 15:30 hs - Hasta el 25/11/2017
Entradas desde: $ 300,00 - Domingo - 15:30 hs - Hasta el 26/11/2017 

ABANDONEMOS TODA ESPERANZA

Abandonemos toda esperanza
De Alfredo Martín
A partir de la obra En familia de Florencio Sánchez
En Andamio 90. Paraná 660. Domingos 20 hs.
Por María Inés Grimoldi
Es difícil abordar un clásico como es el caso de esta pieza de Florencio Sánchez.
En un momento en que se buscan nuevas propuestas, temas acordes con la época, esta puesta nos hace pensar definitivamente en la actualidad de los clásicos.
La familia es la célula inicial de la sociedad y una refleja lo que pasa en la otra y viceversa.
¿Cómo puede el dinero destruir familias, relaciones, trabajo, amor?
¿Cómo las decisiones de un padre de familia, sumido en el juego, puede destruir a los miembros de la misma y hasta llevar al suicido de un hijo sin que pueda reflexionar en ningún momento y tener un pensamiento crítico?
¿Cómo se puede vivir en un estado de negligencia y frivolidad total como es el caso de las hermanas?
¿Cómo se le puede pedir dinero a la sirvienta a la que no se le ha pagado el salario en seis meses?
Es algo parecido a la locura, a la negligencia, a la decadencia que lleva a devorarse unos a otros.
Todo es una montaña rusa que termina mal.
No es sólo el tema de la apariencia y el consumismo que  es  menor, sino las mentiras, la estafa, el robo, la prostitución, la degradación de una familia que no tiene ni para comer y sigue mintiendo y haciendo juegos sucios como metáfora social.
Ni siquiera aprovecha la ayuda bien intencionada del hijo mayor y su esposa que quieren restablecer de alguna manera el orden familiar.

Estafadores y estafados en una misma familia.
Todo esto con humor, ironía, con lenguaje tragicómico, con sentido existencialista  y con un ritmo ligero y muy bien llevado por la dirección.
Los actores impecables. Notable el padre, Marcelo Bucossi.
El vestuario excelente. Acompañan bien la escenografía y la iluminación, que están a tono con la propuesta escénica..

jueves, 9 de noviembre de 2017

EL INSPECTOR

En un lejano pueblo del interior de Rusia, un grupo de funcionarios reciben la noticia de la inminente visita de un inspector proveniente de la capital. El temor a perder sus privilegios como administradores del Estado los empuja a un servilismo casi absurdo, situación que sirve a Gógol para desarrollar una sátira dramática con mecanismos y comportamientos reconocibles. Publicada y estrenada en 1836, El inspector refleja de manera virtuosa, y sobre todo actual, el desatino que provoca el miedo liberado a los vaivenes del entramado social.

UNA RISA CORROSIVA
Parece que no hay ser vivo que no sienta miedo. Pero el hombre es el único que a veces ríe ante algo que, quizás, debería darle miedo. “Lo cómico se produce en la falla, en lo accidental”, dice Henri Bergson. Un paso va detrás del otro, aparece la piedra que produce el error en la maquinaria y pronto la recaída en la risa: la posible catástrofe (porque si se insiste sobre esa falla, ese accidente cómico devendrá en drama). Así expone Gógol, en esta sátira iridiscente, a personajes fallidos, tambaleantes, en pleno tropezar. Desde el comienzo, la obra revela el derrumbe del entramado social de un pueblo en el interior de Rusia. El temido estallido de lo establecido. El miedo supremo de siempre a perder lo que, según algunos, debería estar estable, en armonía. Claro que ni el miedo ni los tropiezos cómicos son propios de una geografía, sino que lo son de la condición humana. Así pensamos al traer esta obra, escrita hace ciento ochenta años, desde el otro lado del mundo hasta nuestros días. Ojalá sus risas y luego, quizás, sus reflexiones, lleguen también a nosotros.

Fuente: Alternativa teatral


Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO SAN MARTIN
Av. Corrientes 1530 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 0800-333-5254
Web: http://complejoteatral.gob.ar/
Entrada: $ 190,00 / $ 140,00 - Domingo, Viernes y Sábado - 20:30 hs
Entrada: $ 95,00 - Miércoles y Jueves - 20:30 hs 

martes, 31 de octubre de 2017

ENAMORARSE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO

Inmejorable puesta en la que dos personas se encuentran por casualidad en el banco de una plaza. Ella una chica de ciudad y él un hombre de campo. Comienzan un diálogo y de a poco a medida que se van conociendo se van acercando. Esto es también de modo literal, ya que en un comienzo se encuentran distantes en el banco y a mediada que avanza el diálogo se van acercando. Es algo mágico como van presentando las sensaciones de cada uno de ellos y resulta conmovedor las expresiones con las que se muestran. Los cuerpos se llenan de sinceridad en sus gestos, para lograr así un acto de mayor conmoción. ¿Cuánto hay para dejarnos sentir en la mirada de los personajes? Todo resulta, se podría decir, de un modo incandescente en el que la propuesta deja traslucir una verdadera historia amorosa. 

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4854-2107 / 1541753079
Web: http://www.nunteatrobar.com.ar
Entrada: $ 200,00 / $ 170,00 - Jueves - 21:00 hs - Hasta el 09/11/2017

BA-TA-CLAN de Jacques Offenbach - Por María Inés Grimaoldi

Buenos Aires Lírica presenta
BA-TA-CLAN de  Jacques Offenbach
Chinoiserie musicale en un acto
En el Teatro Picadero

Una vez más la ópera sale de sus espacios tradicionales y apropiados para su género y visita al Teatro Picadero. No es la primera vez que lo hace. Este año, en junio, se presentó en este mismo teatro La scala di seta de Rossini. La propuesta vuelve a ser un éxito. En estos espacios más pequeños, la ópera recupera su intimidad y su cercanía con el público y pierde su majestuosidad.
Ba-ta-clan definió el rumbo del estilo de Offenbach (Colonia, 1819-París, 1880).
Para la ocasión Ludovic Halévy firmó el libreto con su verdadero nombre y el éxito descomunal superó al de Les deux aveugles, su pieza anterior.
La acción transcurre en un reino imaginario llamado Che-i-noor, al que rápidamente el espectador identifica con la China. Es que Ba-ta-clan coincide con una época de expansión del imperialismo francés, en la que el Emperador Napoleón III emulaba al imperio británico con la mirada puesta en el continente asiático, además de mantener la supremacía conquistada en Argelia y Senegal. Tanto los recursos naturales de las colonias como los mercados que estas podían representar para el comercio, sumada la supremacía territorial en tierras lejanas, eran el interés del Segundo Imperio, cuya empresa colonizadora alcanzó el punto máximo con la apropiación de Indochina (1862).
Ba-ta-clan es una mirada satírica hacia la empresa imperialista de Napoleón III, donde la política colonial y lo exótico son puestos en ridículo. El emperador también es ridiculizado. Es a su vez una burla hacia esa curiosidad combinada con esnobismo e interés estético por los países de Asia. “Bataclán”, palabra que en su onomatopéyica sonoridad puede remitir a “lo chino”, tiene una caricaturesca afinidad con la comedia que la lleva de título. No es de fácil traducción: si se dice “e tout le bataclan”, se puede traducir como “y todo eso”. También puede hacer referencia a los bártulos que forman el equipaje, a una parafernalia de objetos o simplemente a una situación confusa y desordenada (eso que los porteños llamamos “despelote”).
El éxito de Ba-ta-clan se trasladó de París a ciudades como Londres y Nueva York, donde se mantuvo en cartel durante años. Más tarde Offenbach presentó una segunda versión, que incluye gran orquesta y coro. BAL la ofrece conforme a un criterio de reconstrucción que va detrás de la huella del original con agregados de otras partituras de Offenbach.
Tan persistente fue el éxito de Ba-ta-clan que el 3 de febrero de 1865 se inauguró en París un teatro que lleva su nombre, y cuya fachada parodia a la arquitectura china.
Sede de espectáculos de entretenimientos variados, entre las atracciones principales contaba con sus famosas bailarinas llamadas “bataclanas”. Palabra hoy de raro uso, se empleaba para criticar a alguna mujer, joven y atractiva,  perteneciente al mundo del espectáculo. (En 1941 hubo una película emblemática del cine argentino protagonizada por Niní Marshal, Yo quiero ser bataclana.)
El 13 de noviembre de 2015 el Bataclan (en la actualidad se escribe sin guiones) acaparó la atención del mundo, al ser objeto de un atentado del ISIS que dejó un saldo de varios muertos.
Con dirección musical de Juan Casasbellas,  puesta en escena de Ignacio González Cano y un talentoso reparto, presenta una versión fresca y renovada de un clásico que se burla del imperio con calidad y belleza.
Nada más actual.

Chapeau!


lunes, 30 de octubre de 2017

MUESTRA DE ANDREA OSTERA

1) ¿Cuál es el motivo de inspiración para esta muestra?
Esta muestra es el resultado de la intención de mostrar algunas series de mi producción reciente puestas en conversación. Todas las obras son meditaciones sobre diferentes cuestiones que tienen que ver con la práctica de la fotografía: algunas se detienen en la materialidad de la fotografía analógica, como los Repliegues y lasInmersiones. En las primerasla imagen se arma a partir de la incidencia directa de la luz sobre el papel fotográfico; en las otras, es una mancha química la que hace aparecer la imagen. Otras investigan el nuevo paradigma fotográfico: de allí la presencia de las pantalla del monitor (Josefina y Joy). En este grupo también están Capturas de pantalla -impresiones que se logran apoyando el celular sobre papel sensible- y ST, la grilla de colores que resulta de registrar el momento en que Google hace una búsqueda de imágenes. Las Marinasson obras híbridas, en las que se combina un papel sensible sin estabilizar (eso quiero decir que está continuamente cambiando de color), con una fotografía color. La proporción de este conjunto hace  referencia al formato en que miramos fotografías en el teléfono celular. 
2) ¿Qué tecnica usás para la reproducción de imágenes?
Para hacer mis imágenes, uso la herramienta que me convenga en el momento. A veces son cámaras analógicas, a veces, digitales. A veces hago fotos sin cámara. Y también uso mucho el celular. No tengo conflicto con ningún aparato.
3) ¿Cómo llegás a construir esta exposición?
Surge de una invitación que me hizo Rossana Schoijett, la curadora invitada en la Fotogalería del Rojas. Hice una propuesta de obras posibles y a partir de allí trabajamos juntas en la selección y edición del trabajo
4) ¿Existe algún criterio de selección de lo que exponés?
Si, siempre. En este caso, el recorte estuvo dado por las obras que reflexionan sobre este momento de la fotografía, en el que conviven distintos paradigmas. Elementos de diversas épocas en historia de la fotografía puestos a dialogar.
 5) ¿Cuánto tiempo te llevó preparar esta presentación?
Empezamos a trabajar en la curaduría de esta muestra en abril de este año. Hay tres piezas que son 2017, que no existían en el momento en que comenzamos, y el resto son casi todas obras 2015/2016.




Affaire. Fotografías de Andrea Ostera
Inauguración: 19 de octubre a las 19 hs
Hasta el 30 de noviembre

 Centro Cultural Ricardo Rojas - Corrientes 2038 - Tel: 5285-4800
Fotogalería
Entrada gratuita

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