domingo, 6 de septiembre de 2026

Sweeney Todd: la oscuridad también canta

Hay obras que imponen un desafío desde el primer acorde. Sweeney Todd, el cruel barbero de Fleet Street, de Stephen Sondheim, pertenece sin dudas a esa categoría. Su partitura exige precisión, potencia vocal y una particular capacidad para sostener una atmósfera en la que el horror convive con el humor negro, el deseo y la tragedia. Llevarla a escena desde una producción independiente implica, además, asumir un riesgo que merece ser reconocido.

La puesta de Marcelo Rosa encuentra una manera de transitar ese universo sombrío sin convertirlo en un ejercicio meramente lúgubre. La Londres victoriana de Sondheim aparece atravesada por la miseria, la violencia y la obsesión, pero también por momentos de ironía que permiten respirar antes de volver a hundirse en la tragedia. El resultado es una propuesta de gran exigencia, que sostiene su extensión sin perder tensión dramática.

En el centro está Emmanuel Degracia, que asume a Sweeney Todd con una interpretación intensa y físicamente comprometida. El personaje demanda mucho más que una buena voz: necesita transmitir una furia que nunca termina de apagarse. A su lado, Anabella Boron compone una Mrs. Lovett de fuerte presencia escénica, aportando humor, movimiento y una química que resulta fundamental para el funcionamiento de la historia.

El elenco encuentra otros momentos destacados en Agustín Iannone como Pirelli y Tomás Vila como Anthony Hope, ambos con una sólida resolución vocal. La dirección musical y vocal de César Tello resulta fundamental para atravesar una partitura de enorme complejidad, mientras la coreografía de Pamela Peker aporta dinamismo al conjunto.

Más allá de sus posibles desniveles —inevitables en una producción de semejante magnitud—, hay en este Sweeney Todd una voluntad artística que se sostiene de principio a fin. No se trata solamente de llevar a escena un título prestigioso: se trata de asumir el riesgo de hacerlo con recursos independientes y con un elenco dispuesto a enfrentarse a una obra que no concede facilidades. Y ese riesgo, en tiempos donde muchas veces se apuesta a lo seguro, también forma parte del valor de la propuesta.


La ficha técnica completa de la puesta de Sweeney Todd en el Teatro Santa María (Montevideo 842, CABA) incluye al equipo creativo y al elenco principal de esta producción del musical de Stephen Sondheim. [1, 2, 3]
Elenco Principal
  • Sweeney Todd: Emmanuel Degracia
  • Mrs. Lovett: Anabella Boron
  • Anthony Hope: Tomás Vila
  • Johanna Barker: Lucia Louzan
  • Juez Turpin: Alfredo Alesandro
  • Beadle Bamford: Mario Angelome
  • Adolfo Pirelli: Agustín Iannone
  • Tobias Ragg: Nacho Batti
  • Lucy Barker / Mendiga: Aimara Vázquez [1]
Ensamble
  • Marian Lorena Vázquez
  • José Fiz
  • Lucia Ingol
  • Chiara Rodó
  • Hernán Cáceres
  • Camila Schuale
  • Santiago Sastre [1]
Equipo Creativo y Técnico
  • Música y Letras: Stephen Sondheim
  • Libro: Hugh Wheeler (sobre una adaptación de Christopher Bond)
  • Dirección General y Puesta en Escena: Marcelo Rosa
  • Dirección Musical y Vocal: César Tello
  • Coreografía: Pamela Peker
  • Diseño de Vestuario, Escenografía e Iluminación: Sabrina Fuentes
  • Producción General: Velka Producciones [1, 2, 3]

Como un aire de ilusión: el circo como herencia

 Hay algo de sueño suspendido en Como un aire de ilusión, una obra que encuentra en el universo del circo un territorio para hablar también de la familia, de los deseos y de aquello que se transmite de una generación a otra. El escenario se transforma en un paisaje donde la fantasía y la memoria se mezclan con las dificultades de sostener una pasión.

Fabián Guzmán y Mónica Stricker construyen una relación atravesada por afectos, desencuentros y complicidades. Entre ambos aparece un mundo en el que el circo no es solamente un espectáculo: es una forma de vida, una elección y, también, una herencia cargada de sueños y sacrificios.

La puesta de Fernando Zabala apuesta por una atmósfera que recupera el encanto de ese universo sin abandonar su dimensión humana. Vestuario, escenografía e iluminación colaboran para crear un espacio de evocación, mientras la actuación sostiene el tono íntimo de la propuesta.

Como un aire de ilusión habla, en definitiva, de la necesidad de conservar aquello que alguna vez nos hizo soñar. Entre la familia y el circo, la obra rescata una pregunta sencilla pero persistente: ¿qué estamos dispuestos a hacer para que una ilusión no desaparezca?


ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Sábado - 17:30 hs - Del 05/09/2026 al 31/10/2026

ALGO MUY MÍO EN EL MAR

 En Algo muy mío en el mar, Victoria Bertone se sumerge en su propia historia para preguntarse quiénes somos cuando intentamos reconstruir aquello que fuimos. En escena, la Joven y la Adulta se encuentran, dialogan y recorren episodios de una vida que aparece fragmentada entre recuerdos, preguntas, humor y cierta nostalgia.

La autoficción permite que lo íntimo se vuelva materia teatral sin perder ligereza. Las dos intérpretes construyen un vínculo que oscila entre la complicidad y el contrapunto, mientras el pasado deja de ser algo cerrado para convertirse en un territorio que todavía puede ser revisitado y resignificado.

El mar, presente como metáfora y horizonte imaginario, condensa buena parte de la propuesta: es profundidad, movimiento, incertidumbre y también posibilidad de libertad. Como las aguas, la memoria nunca permanece quieta; cambia de forma, devuelve imágenes y arrastra aquello que creíamos olvidado.

Con dirección de Judit Gutiérrez, música original y músicos en vivo, la puesta acompaña ese recorrido sin sobrecargarlo. Algo muy mío en el mar encuentra su fuerza en la sencillez de una búsqueda: mirar hacia atrás para reconocerse, aceptar las contradicciones y encontrar, en aquello que parecía perdido, una forma posible de libertad.


EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 28.000,00 / $ 19.500,00 - Domingo - 17:00 hs - 06/09/2026

sábado, 5 de septiembre de 2026

LA MESA O LA FORMA QUE TOMA EL AMOR : lo que queda sin enterrar

La mesa o las formas que toma el amor: lo que queda sin enterrar

El cuerpo del padre permanece sobre la mesa. Afuera, la casa ya fue vaciada; adentro, siete hermanos quedan atrapados en un pasado que vuelve como un laberinto. Marianela, la madre, los observa mientras ellos se enfrentan, se reprochan y vuelven a comportarse como aquellos chicos que alguna vez fueron. Nadie parece verla. Nadie parece escucharla.

La mesa o las formas que toma el amor, de Andrea Ojeda, construye una escena familiar atravesada por el duelo, pero también por aquello que durante años quedó sin resolver. El cuerpo muerto funciona como una presencia incómoda, casi un objeto que nadie sabe dónde colocar, mientras las palabras recuperan antiguas heridas y la familia que alguna vez estuvo unida aparece ahora definitivamente desmembrada.

La puesta de Diego Cazabat apuesta por un espacio cargado de significaciones. La mesa se convierte en centro y frontera: alrededor de ella se acumulan recuerdos, enfrentamientos y silencios. La iluminación y el diseño sonoro contribuyen a crear una atmósfera entre lo real y lo perturbador, donde el tiempo parece detenido.

Con un elenco que trabaja sobre la tensión grupal y los vínculos quebrados, la obra encuentra su mayor potencia cuando deja que los conflictos aparezcan sin respuestas tranquilizadoras. Porque aquí la muerte del padre no clausura nada: por el contrario, abre la pregunta sobre qué hacer con aquello que una familia nunca pudo enterrar. 


CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 6091-7000 int. 8313
Web: http://www.centrocultural.coop
Entrada: $ 20.000,00 - Jueves - 20:00 hs - Hasta el 29/10/2026

EL MAL

 Guadalupe parece tenerlo todo bajo control: una hija que creció, un matrimonio que continúa, un trabajo que sostiene y una vida ordenada con esfuerzo. Pero esa aparente estabilidad comienza a resquebrajarse cuando una antigua amiga adolescente reaparece inesperadamente. Lo que empieza como un encuentro para ponerse al día se transforma, poco a poco, en un viaje incómodo hacia zonas del pasado que Guadalupe preferiría mantener cerradas.

En El mal, Lautaro Vilo construye un unipersonal que avanza entre la confesión, el humor y una creciente sensación de peligro. La escritura evita las explicaciones fáciles y deja que aquello que permanece oculto se filtre a través de las palabras, los silencios y los cambios de registro de Verónica Pelaccini.

Pelaccini sostiene con precisión a una mujer que pasa de la seguridad al desconcierto, de la ironía a la angustia. Su cuerpo y su voz acompañan las sucesivas transformaciones de Guadalupe, mientras la dirección de Vilo administra con sutileza la tensión y convierte el espacio escénico en un territorio cada vez menos confiable.

El mal habla, en definitiva, de esas vidas que parecen firmes hasta que una imagen del pasado las pone en movimiento. Y de la inquietante posibilidad de que aquello que creemos superado nunca haya desaparecido del todo.


CARAS Y CARETAS 2037
Sarmiento 2037 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Entrada: $ 35.000,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 25/09/2026

RETRATO ELOGIO A UN DUELO. CUANDO LA AUSENCIA OCUPA LA CASA.

 Retrato. Elogio a un duelo: cuando la ausencia ocupa la casa

Después de la muerte de su padre, Alejandra se instala en la casa familiar mientras espera que termine el trámite de la sucesión. Pero aquello que parecía una estadía transitoria se convierte en un viaje hacia la memoria. Las fotografías, los objetos y los espacios domésticos comienzan a poblarse de voces y presencias, mezclando la vigilia con los sueños.

En Retrato. Elogio a un duelo, Rodrigo Martini construye un relato íntimo sobre la pérdida y la dificultad de despedirse. Alejandra dialoga con personajes reales, familiares muertos y figuras surgidas de su propio inconsciente, en un territorio donde los límites entre pasado y presente se vuelven cada vez más difusos. El duelo no aparece como un proceso lineal, sino como un estado de suspensión en el que los recuerdos regresan de manera fragmentaria y caprichosa.

La película tiene además un origen profundamente personal: concebida a partir de la experiencia del propio realizador tras la muerte de su padre en 2020, nace como un ejercicio catártico y colectivo. Su carácter independiente se refleja en una realización cooperativa que reúne a estudiantes y graduados de distintas instituciones cinematográficas y universitarias.

El montaje y la construcción sonora contribuyen a esa atmósfera de extrañamiento, mientras las apariciones y los diálogos imaginarios convierten la casa en una suerte de mapa emocional. El espacio deja de ser simplemente el escenario del duelo para transformarse en su expresión.

Retrato. Elogio a un duelo es una película sobre la ausencia, pero también sobre la necesidad de mantener un diálogo con aquello que ya no está. Un retrato sensible y experimental que entiende el cine como una forma posible de atravesar el dolor y, lentamente, comenzar a despedirse.


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