LAS GRATITUDES: CUANDO LAS PALABRAS TODAVÍA PUEDEN SALVARNOS

En Las gratitudes, una mujer empieza a perder las palabras. No es solamente un deterioro de la memoria: es también la amenaza de perder aquello que nos permite nombrar a los otros, reconstruir nuestra historia y decir lo que todavía necesitamos decir. Michka está internada en un geriátrico y, junto a Marie y Jerónimo, emprende un recorrido por recuerdos, silencios y deudas afectivas.

La adaptación de Juan Tupac Soler y Federico Martínez, basada en la novela de Delphine de Vigan, elige la contención antes que el golpe efectista. La historia avanza a través de las voces y de los vínculos, y encuentra en esa aparente sencillez su mayor potencia. El pasado de Michka, marcado por la guerra y por quienes alguna vez la protegieron, se entrelaza con el presente de dos jóvenes que intentan acompañarla y, al mismo tiempo, comprender qué significa agradecer.

Beatriz Spelzini compone una Michka vulnerable sin convertirla en una figura de compasión. Su pérdida de palabras se vuelve progresivamente también una lucha corporal: pausas, gestos, miradas y silencios empiezan a decir aquello que el lenguaje ya no consigue. Javier Lorenzo y Antonia Bengoechea construyen con ella una relación que se transforma de la asistencia al afecto, hasta configurar una familia elegida.

La puesta sostiene esa intimidad sin sobrecargarla. El espacio y la actuación privilegian el encuentro y permiten que el espectador complete aquello que queda fuera de escena. La dirección entiende que el verdadero conflicto no está en lo que sucede, sino en aquello que corre el riesgo de no llegar a ser dicho.

Las gratitudes habla de la memoria y del olvido, pero sobre todo de la necesidad de reconocer a quienes, en algún momento, nos ayudaron a seguir viviendo. Y deja una pregunta sencilla y perturbadora: ¿cuántas palabras importantes postergamos hasta que puede ser demasiado tarde para pronunciarlas? 

FICHA TÉCNICA

LAS GRATITUDES de Delphin de Vigan.

Adaptación y dirección: Juan Tupac Soler y Federico Martínez

Actúan: Beatriz Spelzini, Javier Lorenzo y Antonia Bengoechea

Escenografía: Santiago Badillo

Iluminación: Diego Becker

Vestuario: Paola Delgado

Música original Ismael Pinkler

Fotografía: Nacho Lunadei

Gráfica Martín Gorricho

Comunicación en redes: Bushi contenidos

Prensa: SMW

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Producción general: Sebastián Blutrach

TEATRO PICADERO

 Teatro Picadero. Pasaje Santos Discépolo 1857. CABA

Jueves 20 hs y viernes 22 hs

Entradas en www.plateanet.com o en boletería del teatro

TODO ARDER : IMAGINAR LA REVOLUCIÓN

 En Todo arder, Nicolás Goldschmidt plantea una pregunta que excede la anécdota de un grupo revolucionario dispuesto a destruir los centros de comunicación tecnológica: ¿qué ocurre cuando la voluntad de transformar el mundo deja de pertenecer a quienes la iniciaron?

La obra construye una ficción política atravesada por la tecnología y por la necesidad de imaginar otras formas de organización social. El ataque a los satélites funciona como punto de partida para poner en tensión comunicación, poder y control, pero también para cuestionar la posibilidad de sostener una revolución cuando las ideas comienzan a circular por fuera de sus propios protagonistas.

La puesta trabaja con distintos lenguajes y suma la presencia del video, la cámara y la música en escena. Estos recursos no aparecen solamente como apoyos visuales, sino que forman parte de una dramaturgia que interroga aquello mismo que la obra pone en discusión: cómo nos comunicamos, qué imágenes producimos y quién controla esas imágenes.

El elenco sostiene una dinámica coral, necesaria para una historia donde lo colectivo ocupa el centro. Hay en las actuaciones una energía que alterna entre la acción directa, el discurso y momentos de mayor introspección, mientras la iluminación y el vestuario contribuyen a construir un universo reconocible pero deliberadamente desplazado de la realidad cotidiana.

Como parte del díptico que completa 1%, Todo arder propone una mirada sobre la persistencia de las luchas y sobre el deseo —siempre incómodo— de imaginar que el mundo podría organizarse de otra manera. Más que ofrecer respuestas, la obra instala una pregunta política y teatral: qué estamos dispuestos a hacer cuando aquello que parecía inevitable deja de serlo.

Ficha técnico artística

Idea:

Nicolas Goldschmidt

Actúan:

Ana Cecilia Arcuri, Pía Chianea, Lucia Hochstetter, Helena Pascual Tubert, Rocío Passarelli, Rosa Rivoira

Actuación en video:

Maria Pia Ferreyra, Ernesto Luis Frias, Nicole Kaplan Amaral, Beto Novellis

Diseño de vestuario:

Cecilia Turnes

Músico En Escena:

Pía Chianea

Cámara:

Tomas Pedersen

Diseño De Iluminación:

Facundo David

Asistencia de vestuario:

Tamara Kaztman

Asistencia de dirección:

Daniela Alas

Producción general:

Nicolas Goldschmidt, Micaela Irina Zaninovich

Dirección:

Nicolas Goldschmidt

Participaciones

• Este espectáculo forma parte del evento: Díptico

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Jueves - 20:00 hs - Hasta el 15/10/2026

9

LAS ADORO: UNA MEMORIA QUE VUELVE A ESCENA

 José y Herminia Adoro tienen más de ochenta años y una vida entera dedicada al teatro. Convocados a una última audición para una película, comienzan a ensayar y a recuperar escenas de un pasado que, poco a poco, se mezcla con el presente. Un llamado desde su pueblo natal, con un pedido de socorro, interrumpe ese juego de recuerdos y abre otra dimensión de la historia.

En Las Adoro, Juanse Rausch construye una ficción que dialoga con la tradición de las grandes duplas de hermanos de la escena argentina, entre ellas Aída y Jorge Luz, sin intentar reconstruir sus vidas. El homenaje aparece más bien en el vínculo entre los personajes, en el oficio compartido, en las canciones y en esa manera de hacer del escenario un lugar donde la memoria todavía puede cobrar cuerpo.

Lucía Adúriz y Mariano Saborido sostienen la obra con actuaciones precisas, atravesadas por el humor, la ternura y cierta melancolía. Sus cuerpos envejecidos no aparecen como una limitación, sino como parte esencial de la dramaturgia: cada gesto, cada pausa y cada canción parecen contener una historia anterior.

La escenografía, el vestuario, las pelucas, la iluminación y el sonido acompañan los desplazamientos entre ensayo, recuerdo y representación. Así, Las Adoro propone una reflexión sobre el paso del tiempo y sobre un oficio que se resiste a desaparecer. La última audición termina siendo, en realidad, otra oportunidad para volver a escena y entregarse, una vez más, al público.

ENTRADAS: https://www.plateanet.com/obra/35240?obra=LAS-ADORO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Juanse Rausch

Actúan:

Lucía Adúriz, Mariano Saborido

Diseño de maquillaje:

Adam Efron

Diseño de pelucas:

Alejo Moises

Diseño de vestuario:

La Polilla

Diseño de escenografía:

Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño De Sonido:

Teodoro Gryner

Redes Sociales:

BORIA AUDIOVISUAL

Música:

Teodoro Gryner

Diseño De Iluminación:

Facundo David

Fotografía:

Irish Suarez

Diseño gráfico:

Karina Hernandez

Asistencia De Producción:

Ayelen Ahumads, José Frezzini

Asistencia de dirección:

Lola López Menalled

Prensa:

Varas & Otero

Producción:

Alejandra Menalled

Producción general:

Nünproduce, Maru Belli, Karina Hernandez, Sandra Srolovich

Dirección:

Juanse Rausch

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL GALPÓN DE GUEVARA
Guevara 326 (mapa)
Chacarita - CABA - Argentina
Web: http://www.galpondeguevara.com
Lunes - 19:00 hs y 21:30 hs - Del 05/10/2026 al 26/10/2026, Del 02/11/2026 al 30/11/2026 y 07/12/2026
Sábado - 16:00 hs - Del 24/10/2026 al 31/10/2026
Domingo - 16:00 hs - Del 25/10/2026 al 01/11/2026

298Opiniones del público

LA SEÑORA MACBETH

 Griselda Gambaro toma el mito de Lady Macbeth y desplaza el centro del conflicto: ya no es solamente la ambición de poder la que mueve a la protagonista, sino un amor llevado hasta sus últimas consecuencias. En esta versión, Macbeth está ausente y, sin embargo, ocupa todo el espacio. Es una presencia construida por las palabras de ella, por su deseo y por la necesidad de justificar aquello que resulta cada vez más difícil de sostener.

La obra se mueve en una zona inquietante donde razón, culpa y conveniencia se confunden. La protagonista intenta reconstruir una realidad que se desarma frente a sus ojos y termina siendo, al mismo tiempo, víctima y cómplice de un discurso que la domina. Gambaro convierte así la tragedia en una reflexión sobre la identidad y sobre los mecanismos mediante los cuales el poder puede instalarse también en los vínculos íntimos.

La puesta de Jorge Sánchez Mon apuesta por una atmósfera contenida, casi claustrofóbica. El espacio escénico y el vestuario contribuyen a crear un universo despojado, mientras la iluminación de Fernando Díaz y el diseño sonoro y la música original de Fede Corna acompañan las zonas más oscuras del relato.

El elenco construye un trabajo coral en el que los cuerpos y los desplazamientos tienen un peso particular. El diseño de movimientos de Florencia Laval permite que la tensión no dependa exclusivamente de la palabra: también está en las miradas, las pausas, las aproximaciones y las distancias.

La señora Macbeth no busca repetir a Shakespeare, sino discutirlo desde otro lugar. En la escritura de Gambaro, el amor puede ser una forma de sometimiento y la identidad, algo que se pierde lentamente cuando se vive a través de otro. Una obra que, bajo la apariencia de una tragedia íntima, vuelve a interrogar la relación entre deseo, poder y responsabilidad.

Ficha técnico artística

Actúan:

Maru Andrada, Florencia Laval, Solana Pastorino, Eduardo Pérez Bordalejo, Erica Sposito

Vestuario:

Jorge Sánchez Mon

Espacio escénico:

Jorge Sánchez Mon

Diseño De Sonido:

Fede Corna

Redes Sociales:

Melanie Groisman

Música original:

Fede Corna

Operación de luces:

Ariel Irratti

Operación de sonido:

Gabriela Arata

Diseño De Iluminación:

Fernando Díaz

Fotografía:

Melanie Groisman

Asistencia de dirección:

Gabriela Arata

Producción:

Marcelo Franceschini

Diseño de movimientos:

Florencia Laval

Dirección:

Jorge Sánchez Mon

Agradecimientos:

Clara Pizarro

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

PATIO DE ACTORES
Lerma 568 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 4772-9732
Web: http://www.patiodeactores.com
Entrada: $ 22.000,00 - Domingo - 20:30 hs - Hasta el 11/10/2026

12

HOTEL JULIO CÉSAR

En un hotel de la Costa Atlántica, Julio vive junto a su madre Carmen, atrapado en una rutina construida a lo largo de toda una vida. La llegada del Carnaval, unos familiares que hacía tiempo no veía y una mujer desconocida alteran esa aparente calma y hacen regresar recuerdos que habían permanecido ocultos.

Laura Otermin construye una obra sobre la memoria, el deseo y los vínculos familiares, donde el hotel funciona como un espacio cerrado, cargado de secretos. Carmen, con su excesivo afán de protección, ha moldeado la vida de su hijo hasta convertir el amor en una forma de control. Julio deberá entonces enfrentarse no solo con aquello que había olvidado, sino también con una identidad construida a partir de las expectativas ajenas.

El Carnaval funciona como contrapunto de ese mundo opresivo. La fiesta, el cuerpo y la posibilidad de transgredir amenazan el orden establecido por Carmen y permiten que aquello silenciado comience a emerger.

Ana María Castel construye una Carmen dominante e inquietante, mientras Guido D’Albo transmite la fragilidad de un hombre que intenta recuperar su propia voz. La dirección de Patricio Azor, junto con la escenografía y vestuario de Alejandro Mateo y la iluminación de Lucas Orchessi, acentúa el clima claustrofóbico del hotel.

Hotel Julio César encuentra su mayor fuerza en mostrar cómo un amor llevado al extremo puede terminar anulando al otro. Y mientras afuera el Carnaval libera cuerpos y deseos, puertas adentro Julio comienza, finalmente, a recuperar su propia identidad.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Laura Otermin

Actúan: Ana María Castel, Guido D’Albo, Sebastián Dartayete, Laura Otermin, Alcira Serna

Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Lucas Orchessi

Realización de escenografía: Omar Paez

Diseño gráfico: Patricio Azor

Fotografía: Martín Siccardi

Edición de sonido: Sergio Gomez

Asistente de escenario: Emiliano Rasumoff

Prensa: Natalia Bocca

Producción: Claudia Quinteros

Asistente de dirección: Talia Acosta

Dirección: Patricio Azor

“HOTEL JULIO CESAR” de Laura Otermin

DESDE EL 12 DE SEPTIEMBRE!

 

SABADOS A LAS 17:00hs.

 

El Método Kairós

El Salvador 4530. CABA

Entrada general: $26.000

 

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 90 minutos

ABRAZO DE FRÍO AZULEJO

 Hay recuerdos que no desaparecen: se instalan en el cuerpo y vuelven, una y otra vez, como una piedra que alguien debe cargar. Abrazo de frío azulejo, la piedra que siempre vuelve, de Fernando Alegre, toma el mito de Sísifo como punto de partida para construir un unipersonal sobre la memoria, la vulnerabilidad masculina y la necesidad de enfrentarse con aquello que durante demasiado tiempo permaneció silenciado.

Daniel Dibiase pone el cuerpo a un personaje que atraviesa una deconstrucción íntima y fragmentaria. No se trata solamente de contar una historia, sino de hacer visible aquello que permanece enquistado. El cuerpo se convierte así en territorio de memoria: guarda, resiste, repite y finalmente intenta transformar lo que lleva dentro.

La condición de artista plástico del personaje no es un dato accesorio. Las herramientas del arte se convierten en instrumentos para explorar una identidad que se desarma frente al espectador. La escena funciona como taller, espacio de exposición y territorio de búsqueda, mientras distintos lenguajes se entrecruzan para construir una experiencia que excede la palabra.

La escenografía y las luces, diseñadas por Alegre, adquieren especial importancia en esta propuesta. Los objetos, las texturas y el espacio no funcionan únicamente como marco, sino como prolongaciones del conflicto interno. El diseño sonoro de Manuel Pérez Vizán completa una atmósfera que por momentos se vuelve opresiva y por otros profundamente contemplativa.

La dirección de Fernando Alegre y Stella Matute acompaña ese recorrido sin apresurarlo. Hay una apuesta por el silencio, por las pausas y por aquello que se expresa cuando las palabras resultan insuficientes. Esa decisión permite que la vulnerabilidad masculina aparezca sin discursos explicativos, encarnada en un cuerpo que intenta recuperar aquello que alguna vez debió callar.

La referencia a Sísifo encuentra entonces una nueva dimensión: la roca no es únicamente el peso de un destino inevitable, sino también aquello que el artista intenta modificar. El arte aparece como posibilidad de transformación, aunque nunca como solución definitiva.

Abrazo de frío azulejo propone una experiencia íntima, de una intensidad que no depende del exceso sino de la capacidad de hacer visible lo que suele permanecer oculto. Una obra sobre la memoria, pero también sobre el difícil acto de mirarla de frente. Porque quizá transformar la piedra no significa dejar de cargarla, sino encontrar otra manera de llevarla.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Fernando Alegre

Actúan:

Daniel Dibiase

Vestuario:

Titi Suárez

Escenografía:

Fernando Alegre

Diseño De Sonido:

MANUEL PÉREZ VIZÁN

Luces:

Fernando Alegre

Comunicación visual:

Pablo Hulgich

Producción ejecutiva:

Dalevamos, Sergio Rower

Dirección:

Fernando Alegre, Stella Matute

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Viernes - 20:00 hs - Del 02/10/2026 al 16/10/2026

RETRATO DE UN PIANISTA , la música como forma de memoria

 Hay películas que se acercan a un artista para registrar su obra y otras que intentan descubrir qué hay detrás de ella. Retrato de un pianista, de José Luis Nacci y Elena Konieczny, elige este segundo camino. El protagonista es Antonio Formaro, pero el verdadero tema del documental parece ser aquello que sostiene su vínculo con la música: el tiempo, la memoria, los afectos y una búsqueda que excede el escenario.

La cámara acompaña al pianista en una cotidianeidad que alterna ensayos, clases, programas radiales, encuentros familiares y conciertos. Entre esas actividades aparece una dimensión más íntima: sus caminatas frente al mar, momentos de pausa que contrastan con la concentración exigida por la interpretación. El paisaje funciona entonces como contrapunto de la música y como espacio de reflexión.

Uno de los aspectos más interesantes del documental es la búsqueda de pianos perdidos en distintos pueblos. El recorrido hasta el Teatro Brazzola de Chascomús permite que el instrumento deje de ser simplemente un objeto musical para convertirse en depositario de historias. Algo similar sucede durante su viaje a Chile, cuando Formaro visita el Museo Claudio Arrau y rinde homenaje al célebre pianista. El documental establece así una cadena de maestros, instrumentos y memorias que conecta distintas generaciones.

La película encuentra su mayor potencia cuando observa esos momentos sin apresurarse a explicarlos. Los ensayos, las manos sobre el teclado, los silencios antes de un concierto y la relación física del intérprete con el instrumento adquieren una dimensión casi contemplativa. La música de Formaro, además, no aparece como simple banda sonora: forma parte de la estructura narrativa y acompaña el recorrido del protagonista.

El concierto en el Teatro Argentino de La Plata junto a la Orquesta Estable funciona como uno de los puntos culminantes del relato. Después de acompañar durante buena parte del film la preparación y el esfuerzo que preceden a la escena, la presentación permite comprender la dimensión pública de una pasión que, hasta entonces, habíamos observado fundamentalmente en su intimidad.

Nacci y Konieczny construyen un retrato afectivo, más interesado en acompañar que en explicar. En ese sentido, Retrato de un pianista evita convertirse en una biografía convencional y propone algo más cercano a un viaje: el de un músico que se desplaza entre ciudades, teatros, pianos y recuerdos, siempre detrás de aquello que la música todavía puede revelar.

Y cuando, después del concierto, Formaro regresa nuevamente al mar, el gesto adquiere un sentido circular. La búsqueda no termina con el aplauso. El próximo desafío, como la música, vuelve a comenzar.

PROTAGONISTAS
Antonio Formaro
Elena Konieczny (En off)
Eduardo Chino Orueta
Maximiliano Coria
Eduardo Gato Peña
José Luis Nacci (En off)
Javier Soto Persus Nibaes
José Miguel Ramos Fuentes (En off)
Gladys Pierpauli
Maestro Marcelo Balat
Marisa Formaro
Eduardo Formaro
Santiago Espíndola
Orquesta Estable del Teatro Argentino
Lucía Zikos

FICHA TÉCNICA
Dirección, Guion y Producción: José Luis Nacci ,Elena Konieczny
Dirección de Fotografía: Florencia Velozo, Luciano Nacci 
Cámara: Luciano Nacci, Florencia Velozo,
Santiago Fernández Grassi, Luciano Romano
Diseño de arte: Santiago Cánepa
Sonido: Lucho Corti
Montaje: Luciano Nacci
Música: Antonio Formaro
 
 Año: 2025
Duración: 68 min.
Género: Documental
País: Argentina
Formato de Rodaje: 4k
Formato de exhibición: Digital Cinema 2K (2048 horiz. por 1556 vert. Pixeles)
Sonido: (Stereo, Mono, Dolby digital 5.1) Dolby digital 5.1
Relación de aspecto: Real

Distribuye: Km Sur Distribución