LA IMAGEN PRESUNTA

 ¿Qué queda de una persona cuando solo queda su fotografía? La imagen presunta, de Adriana Garibaldi, parte de esa pregunta para construir una pieza que recupera la fotografía analógica como objeto material, pero también como territorio de memoria, deseo y especulación. La luz y el tiempo, esas dos materias que John Berger señalaba como esenciales de la fotografía, se convierten aquí en materia teatral.

Organizada en un prólogo y tres episodios —llorar, reír y pensar—, la obra cambia de registro sin perder su núcleo. En el primero, la fotografía aparece como sustituto afectivo de quien ya no está; en el segundo, el humor y el absurdo irrumpen alrededor de un estudio fotográfico donde un ladrón, una familia y un retrato aparentemente convencional terminan componiendo una situación desopilante. El tercero es quizá el más inquietante: cuatro mujeres encuentran fotografías abandonadas en la calle e intentan reconstruir, a partir de esas imágenes anónimas, las vidas que alguna vez estuvieron detrás de ellas.

Es allí donde La imagen presunta encuentra su dimensión más interesante. ¿Una fotografía registra la realidad o construye una versión de ella? ¿Qué información queda fuera del encuadre? Las mujeres inventan historias para esos rostros desconocidos y, al hacerlo, ponen en evidencia que toda imagen necesita de alguien que la mire, la interprete y complete aquello que no puede mostrar.

La puesta de Garibaldi trabaja con una diversidad de recursos —objetos, visuales, música, iluminación y una cuidada composición escénica— que dialogan con el universo fotográfico sin convertirlo en una simple ilustración. Los ocho intérpretes encarnan catorce personajes y sostienen una teatralidad que puede pasar de lo emotivo a lo grotesco, de la intimidad al humor, sin perder fluidez.

La imagen presunta propone finalmente un juego entre lo que vemos y lo que imaginamos. Porque una fotografía puede conservar un instante, pero nunca una vida completa. Tal vez por eso esas imágenes abandonadas resultan tan poderosas: frente a ellas, mirar también significa inventar y, de algún modo, rescatar del olvido aquello que ya no podemos conocer.

Ficha técnico artística

Autoría:

Adriana Garibaldi

Actúan:

Leticia Barbitta, Marcela Bea, Claudio Beltrán, Constanza Cilifrese, Lucía Correa Vazquez, Cecilia Labourt, José Toccalino, Maria Nydia Ursi-Ducó

Vestuario:

Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi

Escenografía:

Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi

Diseño sonoro:

Gustavo Popi Spatooco

Realización de objetos:

Sanchezplastik, Gota Converso

Violín:

Dante Spatocco

Visuales:

Leticia Barbitta

Música original:

Gustavo Popi Spatooco

Diseño De Iluminación:

Adriana Garibaldi, Carolina Oliva

Fotografía:

Leandro Ibáñez

Asistencia De Producción:

Nani Lopez

Asistencia de dirección:

Leticia Barbitta

Prensa:

Giacani- Lauro Comunicación

Puesta en escena:

Adriana Garibaldi

Co-producción:

Felisberto Teatro

Dirección:

Adriana Garibaldi

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

FELISBERTO
Yatay 112 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 1154738431 / 1165823993
Web: https://www.instagram.com/felisbertoteatro/
Sábado - 21:00 hs - Hasta el 31/10/2026

LA ESCRIBA

En La escriba, Sandra Franzen y Anahí Gadda parten de una figura que escribe para preguntarse qué sucede cuando una mujer decide dejar de ser personaje y convertirse en autora de su propia historia. El litoral argentino funciona menos como paisaje que como territorio mítico: allí se cruzan memoria, violencia, relatos silenciados y figuras femeninas condenadas a permanecer en los márgenes.

La dramaturgia de Franzen no busca construir una narración lineal. Es, más bien, un tejido de imágenes, voces y transformaciones en el que Escriba, Mujer y Yarará se desdoblan y vuelven a encontrarse. Esa estructura puede resultar deliberadamente fragmentaria, pero encuentra su mayor potencia cuando abandona la explicación y deja que el cuerpo de Gadda sea quien articule los distintos estados de la protagonista.

La música es uno de los hallazgos de la puesta. Gadda no solo actúa: también interpreta instrumentos y convierte el sonido en una extensión de la escena. Hay momentos en que la música funciona como paisaje, pero también como una herida que irrumpe y modifica el sentido de lo que sucede. El trabajo corporal, la iluminación y una escenografía de fuerte carácter simbólico completan una teatralidad que apuesta más a la sugerencia que al realismo.

Gadda sostiene el unipersonal con una presencia que exige transitar distintos registros sin perder el eje. Su personaje se desplaza entre la vulnerabilidad, la sensualidad, la furia y una creciente conciencia política. La transformación no aparece como un discurso cerrado, sino como un proceso físico que se va haciendo visible ante el espectador.

La escriba tiene su mayor interés cuando entiende la escritura como un acto de insubordinación. Su verdadera revolución no consiste solamente en contar otras historias, sino en disputar quién tiene derecho a narrarlas. Allí la mujer romántica queda atrás y aparece otra figura: una mujer que ya no acepta ser escrita por otros. 

Ficha técnico artística

Idea:

Sandra Franzen, Anahí Gadda

Dramaturgia:

Sandra Franzen

Actúan:

Anahí Gadda

Músicos:

Anahí Gadda

Creación:

Sandra Franzen, Anahí Gadda

Luthier:

Kumba Macaco, Junche Solo

Vestuario:

Paula Molina

Escenografía:

Micaela Sleigh

Caracterización:

Cassandra Chelini Vega

Maquillaje:

Cassandra Chelini Vega

Redes Sociales:

Paula Vautier

Música original:

Anahí Gadda, Gabo Illanes

Diseño De Iluminación:

Fabricio Ballarati

Fotografía:

Julián Athos Caggiano, Gustavo Gorrini

Diseño gráfico:

Andrés Mendilaharzu

Asesoramiento Actoral:

Tony Lestingi

Asesoramiento coreográfico:

Charlie Díaz Schillaci

Asesoramiento Corporal:

Doris Petroni

Asesoramiento Instrumental:

Inés López

Asistencia de dirección:

Cassandra Chelini Vega, Simón Vintrob

Prensa:

Natalia Bocca

Producción:

Compañía Anfysa

Dirección:

Sandra Franzen

Agradecimientos:

Apdea, El Mundo De Las Pelucas, Páramo Cultural, Ingrid Pelicori, Mercedes Torre

Web: http://anahigadda.com

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Sábado - 18:00 hs - Hasta el 31/10/2026

TRAICIÓN

 En Traición, Harold Pinter construye una historia de amor, deseo y engaño donde lo importante no está tanto en lo que los personajes dicen como en aquello que prefieren callar. La obra comienza en 1977 y retrocede hasta 1968 para reconstruir, a través de encuentros fragmentarios, los siete años de una relación clandestina entre Emma y Jerry, el mejor amigo de su marido Robert.

La cronología invertida no es un simple recurso formal. Cada escena modifica el sentido de la anterior y obliga al espectador a mirar nuevamente aquello que creía comprender. Lo que primero aparece como una relación agotada va revelando, hacia atrás, el momento en que nació el deseo y las expectativas que acompañaron a ese vínculo. En el universo de Pinter, la verdad nunca se entrega de manera directa: se filtra entre silencios, pausas, frases aparentemente triviales y gestos que terminan diciendo más que las palabras.

La puesta de Héctor Levy-Daniel respeta esa economía característica del dramaturgo británico y encuentra en la escena un espacio para que las tensiones respiren. La escenografía y el vestuario de Jorgelina Herrero Pons, junto con la iluminación de Ricardo Sica, acompañan los cambios temporales sin sobrecargar la acción. El espacio se convierte así en un territorio de encuentros donde cada objeto, cada distancia y cada silencio parecen guardar una parte de la historia.

El elenco sostiene con precisión esa trama de afectos cruzados. Ernesto Falcke, Natalia Pascale, Pablo Shinji y Matías Turina construyen personajes atravesados por el deseo, los celos, la culpa y, sobre todo, por la imposibilidad de decir completamente aquello que sienten.

Traición no es solamente una obra sobre una infidelidad. Es una indagación sobre el tiempo y sobre cómo las relaciones se transforman mientras creemos que permanecen intactas. Pinter demuestra que, muchas veces, la verdadera traición no ocurre cuando se rompe una promesa, sino mucho antes: cuando empezamos a construir otra vida mientras todavía seguimos habitando la anterior.

Ficha técnico artística

Traducción:

Laura Cristal

Actúan:

Ernesto Falcke, Natalia Pascale, Pablo Shinji, Matías Turina

Vestuario:

Jorgelina Herrero Pons

Diseño de escenografía:

Jorgelina Herrero Pons

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Fotografía:

Camila Levy-Daniel

Diseño gráfico:

Camila Levy-Daniel

Diseño de imagen:

Ro Larroca

Asistencia de dirección:

Owen Toledo

Producción ejecutiva:

Gisella Sirera

Dirección general:

Héctor Levy-Daniel

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 23/10/2026 y Del 13/11/2026 al 27/11/2026

S.E.R. Sólo Escenas Random

 Una habitación cerrada, tres sillas y tres seres recién llegados de una vida que ya terminó. No hay espejos: solo los ojos de los otros. A partir de esta imagen, S.E.R. (Solo Escenas Random) toma A puerta cerrada, de Jean-Paul Sartre, como disparador para construir una pieza donde la pregunta por el ser se vuelve experiencia física, visual y sonora.

La propuesta de Liliana Tasso se mueve deliberadamente en una zona incierta entre teatro, danza, performance y experimento. Garcin, Inés y Estelle permanecen atrapados en un espacio casi onírico, sometidos a una mirada que funciona como espejo y también como condena. El cuerpo adquiere entonces un papel central: movimientos fragmentados, gestos repetidos y desplazamientos limitados revelan la imposibilidad de escapar de aquello que los otros ven.

La aparición de la camarera introduce otra dimensión. Es a la vez controladora y bailarina, figura de autoridad y pieza de un mecanismo que tampoco parece comprender. Su cuerpo fragmentado, con ecos del glamour francés de los años cincuenta, conecta el encierro de los personajes con las huellas de una época atravesada por la guerra y la violencia. Las imágenes históricas que aparecen en el televisor, junto con el material audiovisual en vivo, amplían ese universo y convierten la habitación en un espacio vigilado.

La tecnología no funciona solamente como recurso estético. Las cámaras, las transmisiones en vivo y el procesamiento de imágenes multiplican las miradas y hacen que el espectador también quede involucrado. La narradora rompe la distancia y lo convoca a respirar, percibir y pensar, convirtiéndolo en parte de ese particular experimento.

Con una duración de 60 minutos, S.E.R. propone una experiencia sensorial que no busca actualizar a Sartre de manera literal, sino abrir sus preguntas hacia el presente. ¿Quiénes somos cuando no podemos vernos más que a través de los demás? ¿Cuánto de nuestra identidad depende de esa mirada? En esa habitación sin espejos, la obra encuentra su territorio más inquietante: el lugar donde existir también significa ser observado.

Idea y dirección: Liliana Tasso

Diseño sonoro  y composición de música original: Fabián Kesler

Dramaturgia y coreografía: Liliana Tasso

Intérpretes: Mónica Ayala, Luz Lassalle, Paula Muller, Elisa Delgado, Manuela Caviglia

Programación y manejo de software ISADORA y tecnología multimedia: Federico Videla

Gestión: Elisa Delgado y Maria Luz Lassalle

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Duración: 60 minutos

¡ÚNICAS FUNCIONES!

JUEVES 17 Y 24 DE SEPTIEMBRE A LAS 20:30 HORAS.

Centro Cultural de la Cooperación - Av. Corrientes 1543

Entrada general: $20.000

A la venta en Alternativa Teatral

TRES ADIOSES

En Tres adioses, Isabel Coixet convierte una separación aparentemente insignificante en el punto de partida de una historia sobre el deseo, el cuerpo y la fragilidad de las certezas. Marta y Antonio se separan después de una discusión menor, pero aquello que parece una ruptura más entre tantas termina abriendo una grieta mucho más profunda. Ella se repliega; él se refugia en la cocina. Ambos intentan seguir adelante, aunque ninguno consigue desprenderse del otro.

La falta de apetito de Marta funciona primero como una manifestación del dolor amoroso, hasta que una noticia médica modifica por completo el sentido de lo que está viviendo. A partir de entonces, la película desplaza su mirada: comer, escuchar música, sentir deseo o simplemente tomar una decisión dejan de ser actos cotidianos para convertirse en experiencias atravesadas por la conciencia de la propia fragilidad.

Coixet construye el relato desde una sensibilidad íntima, apoyándose en los silencios, las miradas y los pequeños gestos más que en grandes golpes dramáticos. La fotografía de Guido Michelotti acompaña ese registro cercano y permite que los espacios, especialmente aquellos vinculados con la comida, adquieran una dimensión sensorial. La cocina de Antonio se transforma así en un territorio donde el placer, la memoria y la ausencia se mezclan.

Alba Rohrwacher compone una Marta contenida, vulnerable sin caer en el sentimentalismo, mientras Elio Germano encuentra en Antonio las contradicciones de un hombre que eligió marcharse pero no sabe realmente cómo irse. Entre ambos, la película evita convertir la historia de amor en una simple reconciliación o en una condena de las decisiones tomadas.

Basada en Tre ciotole, de Michela Murgia, Tres adioses habla, finalmente, de aprender a mirar de otra manera aquello que creíamos conocido. Porque cuando el cuerpo obliga a detenerse, también cambia la percepción del mundo: el amor, el deseo, la comida y hasta una despedida pueden adquirir un sabor completamente distinto.

SALAS: 13
ATLAS PATIO BULLRICH 
ATLAS NORDELTA 
ATLAS CABALLITO 
CINEMARK PALERMO 
BELGRANO MULTIPLEX 
CINÉPOLIS RECOLETA 
SHOWCASE BELGRANO 
SHOWCASE NORTE 
CINE LORCA 
CINE ARTE CACODELPHIA 
CINE AMÉRICA DE SANTA FE 
CINE ARTE CORDOBA 
CINEMA PARADISO LA PLATA 

CALIFICACIÓN:
SP
(Supervisión Parental Sugerida)


PREMIOS Y FESTIVALES

Festival de Cine de Toronto (2025)
Selección Oficial
Festival de Valladolid - Seminci (2025) 
Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro
Premios David di Donatello (Italia, 2025) 
Nominada a Mejor actriz secundaria
Semana del Cine Italiano (Argentina, 2026)

                                  FICHA ARTISTICA

ALBA ROHRWACHER (Marta)

ELIO GERMANO (Antonio)

SILVIA D’AMICO (Elisa)

GALATEA BELLUGI (Silvia)

FRANCESCO CARRIL (Agostini)

SARITA CHOUDHURY (Dra. Benati)

FICHA TÉCNICA

Dirección: ISABEL COIXET

Guion: ENRICO AUDENINO, ISABEL COIXET

Producción: CATTLEYA (RICCARDO TOZZI, GIOVANNI STABILINI, FRANCESCA LONGARDI), RUVIDO PRODUZIONI (CARLO GAVAUDAN, MARCO MIANA), BARTLEBYFILM (MASSIMO DI ROCCO, LUIGI NAPOLEONE), VISION DISTRIBUTION, BUENA PINTA MEDIA, BTEAM PRODS, PERDICIÓN FILMS, APACHES ENTERTAINMENT, TRES CUENCOS AIE

Producción Ejecutiva: SANDRA BONACCHI, NICOLETTA CHINNI

Dirección de Fotografía: GUIDO MICHELOTTI

Montaje: JORDI AZATEGUI

Postproducción: SIMONA DE LAURENTIIS

Música: ALFONSO DE VILLALLONGA
 Basada en “Tre Ciotole” de Michela Murgia, publicada por Mondadori

DATOS TÉCNICOS

Título original: TRE CIOTOLE

Título en español: TRES ADIOSES

Título internacional: THREE GOODBYES

Año: 2025

País: ITALIA, ESPAÑA

Idioma: ITALIANO

Duración: 120 MINUTOS

EL HOMBRE QUE SE DESVANECE

Kurt aparece en la puerta de Hanne después de treinta años de ausencia. Es su exmarido, pero ya no recuerda que están divorciados. El Alzheimer borró parte de su pasado y, al mismo tiempo, devuelve a la casa una presencia que Hanne creía definitivamente fuera de su vida. Junto a Bernd, su actual marido, decide recibirlo temporalmente. Lo que sigue es una convivencia tan incómoda como reveladora.

En El hombre que se desvanece, Welf Reinhart construye su ópera prima desde una mirada cinematográfica contenida, atenta a los gestos y a las pequeñas alteraciones de la vida cotidiana. La casa se convierte en el principal escenario del conflicto: un espacio conocido que, con la llegada de Kurt, cambia de significado y obliga a los personajes a convivir con un pasado que regresa de manera inesperada.

La cámara observa sin forzar el sentimentalismo. El director encuentra el humor en situaciones incómodas y, al mismo tiempo, deja que la tristeza aparezca de manera gradual. El ritmo pausado acompaña el deterioro de la memoria sin convertirlo en un recurso efectista. Son las miradas, los silencios, las repeticiones y las reacciones de los personajes las que van construyendo el drama.

Dagmar Manzel, August Zirner y Harald Krassnitzer sostienen con precisión este delicado triángulo afectivo. Kurt no queda reducido a la enfermedad: conserva deseos, impulsos y una inesperada vitalidad. Hanne debe enfrentarse a la mujer que fue, mientras Bernd descubre que una historia aparentemente cerrada puede volver a irrumpir en el presente.

Con sus 102 minutos, El hombre que se desvanece evita las respuestas fáciles y encuentra su mayor virtud en la observación. Reinhart habla del Alzheimer, pero también del amor, los celos, el envejecimiento y la posibilidad de comenzar nuevamente. Una película donde olvidar no significa necesariamente desaparecer: a veces, el pasado vuelve justamente cuando creemos haberlo dejado atrás. 

*Lunes 14/9: EL HOMBRES QUE SE DESVANECE

(DER VERLORENE MANN)
Año: 2026, duración 102 min.
Dirección: Welf Reinhart
Intérpretes: Dagmar Manzel, August Zirner, Harald Krassnitzer.

26º FESTIVAL DE CINE ALEMÁN

Del 17 al 23 de Septiembre

en Cinépolis Recoleta

LA INTÉRPRETE

Antonia está maldita. Se lo anunció su madre cuando era apenas una niña y, muchos años después, esa frase parece adquirir un nuevo sentido. Está encerrada en un país remoto, acusada de haber asesinado al presidente. Pero ella insiste: no hizo más que amar y traducir. Entre esas dos afirmaciones se despliega La intérprete, un inquietante unipersonal de Francisco Lumerman.

La obra construye un territorio donde realidad, memoria y delirio se mezclan. Antonia intenta reconstruir qué ocurrió mientras las palabras, que deberían ser su herramienta de trabajo, comienzan a convertirse también en una trampa. Traducir implica pasar de una lengua a otra, pero también interpretar gestos, silencios, intenciones. Y en ese desplazamiento aparece la pregunta central: ¿quién decide finalmente cuál es la verdad?

Eleonora Wexler asume el desafío de sostener sola la escena y lo hace desde una actuación de enorme intensidad. Su cuerpo atraviesa diferentes estados y su voz cambia de registro para construir un mundo en el que nunca estamos completamente seguros de qué sucedió. Hay momentos de fragilidad, humor, desesperación y lucidez que permiten descubrir, detrás de la acusación política, a una mujer intentando comprender su propia historia.

La dirección de Lumerman apuesta por una puesta precisa, donde escenografía, iluminación y sonido no funcionan como mero acompañamiento sino como extensiones del estado mental de Antonia. El espacio se transforma a medida que avanza el relato y la música original de Guadalupe Otheguy contribuye a crear una atmósfera de creciente extrañeza.

La intérprete es, en definitiva, una obra sobre el lenguaje y sus límites, pero también sobre la identidad y la imposibilidad de permanecer neutral frente a aquello que nos atraviesa. Antonia traduce para otros mientras intenta, desesperadamente, encontrar las palabras para traducirse a sí misma. 

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Francisco Lumerman

Actúan:

Eleonora Wexler

Diseño de vestuario:

Paola Delgado

Diseño de escenografía:

Rodrigo González Garillo

Diseño sonoro:

Guadalupe Otheguy

Música original:

Guadalupe Otheguy

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Fotografía:

Alejandra Lopez

Comunicación:

Den Kemelmajer

Diseño gráfico:

Sergio Calvo

Asistencia de dirección:

Fabiana Ferrada

Prensa:

Carolina Alfonso

Producción ejecutiva:

Romina Ciera

Dirección de Producción:

Romina Chepe

Dirección:

Francisco Lumerman

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 1144244618
Web: http://www.moscuteatro.com.ar
Miércoles - 20:30 hs - Del 16/09/2026 al 25/11/2026

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