TRES ADIOSES

En Tres adioses, Isabel Coixet convierte una separación aparentemente insignificante en el punto de partida de una historia sobre el deseo, el cuerpo y la fragilidad de las certezas. Marta y Antonio se separan después de una discusión menor, pero aquello que parece una ruptura más entre tantas termina abriendo una grieta mucho más profunda. Ella se repliega; él se refugia en la cocina. Ambos intentan seguir adelante, aunque ninguno consigue desprenderse del otro.

La falta de apetito de Marta funciona primero como una manifestación del dolor amoroso, hasta que una noticia médica modifica por completo el sentido de lo que está viviendo. A partir de entonces, la película desplaza su mirada: comer, escuchar música, sentir deseo o simplemente tomar una decisión dejan de ser actos cotidianos para convertirse en experiencias atravesadas por la conciencia de la propia fragilidad.

Coixet construye el relato desde una sensibilidad íntima, apoyándose en los silencios, las miradas y los pequeños gestos más que en grandes golpes dramáticos. La fotografía de Guido Michelotti acompaña ese registro cercano y permite que los espacios, especialmente aquellos vinculados con la comida, adquieran una dimensión sensorial. La cocina de Antonio se transforma así en un territorio donde el placer, la memoria y la ausencia se mezclan.

Alba Rohrwacher compone una Marta contenida, vulnerable sin caer en el sentimentalismo, mientras Elio Germano encuentra en Antonio las contradicciones de un hombre que eligió marcharse pero no sabe realmente cómo irse. Entre ambos, la película evita convertir la historia de amor en una simple reconciliación o en una condena de las decisiones tomadas.

Basada en Tre ciotole, de Michela Murgia, Tres adioses habla, finalmente, de aprender a mirar de otra manera aquello que creíamos conocido. Porque cuando el cuerpo obliga a detenerse, también cambia la percepción del mundo: el amor, el deseo, la comida y hasta una despedida pueden adquirir un sabor completamente distinto.

SALAS: 13
ATLAS PATIO BULLRICH 
ATLAS NORDELTA 
ATLAS CABALLITO 
CINEMARK PALERMO 
BELGRANO MULTIPLEX 
CINÉPOLIS RECOLETA 
SHOWCASE BELGRANO 
SHOWCASE NORTE 
CINE LORCA 
CINE ARTE CACODELPHIA 
CINE AMÉRICA DE SANTA FE 
CINE ARTE CORDOBA 
CINEMA PARADISO LA PLATA 

CALIFICACIÓN:
SP
(Supervisión Parental Sugerida)


PREMIOS Y FESTIVALES

Festival de Cine de Toronto (2025)
Selección Oficial
Festival de Valladolid - Seminci (2025) 
Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro
Premios David di Donatello (Italia, 2025) 
Nominada a Mejor actriz secundaria
Semana del Cine Italiano (Argentina, 2026)

                                  FICHA ARTISTICA

ALBA ROHRWACHER (Marta)

ELIO GERMANO (Antonio)

SILVIA D’AMICO (Elisa)

GALATEA BELLUGI (Silvia)

FRANCESCO CARRIL (Agostini)

SARITA CHOUDHURY (Dra. Benati)

FICHA TÉCNICA

Dirección: ISABEL COIXET

Guion: ENRICO AUDENINO, ISABEL COIXET

Producción: CATTLEYA (RICCARDO TOZZI, GIOVANNI STABILINI, FRANCESCA LONGARDI), RUVIDO PRODUZIONI (CARLO GAVAUDAN, MARCO MIANA), BARTLEBYFILM (MASSIMO DI ROCCO, LUIGI NAPOLEONE), VISION DISTRIBUTION, BUENA PINTA MEDIA, BTEAM PRODS, PERDICIÓN FILMS, APACHES ENTERTAINMENT, TRES CUENCOS AIE

Producción Ejecutiva: SANDRA BONACCHI, NICOLETTA CHINNI

Dirección de Fotografía: GUIDO MICHELOTTI

Montaje: JORDI AZATEGUI

Postproducción: SIMONA DE LAURENTIIS

Música: ALFONSO DE VILLALLONGA
 Basada en “Tre Ciotole” de Michela Murgia, publicada por Mondadori

DATOS TÉCNICOS

Título original: TRE CIOTOLE

Título en español: TRES ADIOSES

Título internacional: THREE GOODBYES

Año: 2025

País: ITALIA, ESPAÑA

Idioma: ITALIANO

Duración: 120 MINUTOS

EL HOMBRE QUE SE DESVANECE

Kurt aparece en la puerta de Hanne después de treinta años de ausencia. Es su exmarido, pero ya no recuerda que están divorciados. El Alzheimer borró parte de su pasado y, al mismo tiempo, devuelve a la casa una presencia que Hanne creía definitivamente fuera de su vida. Junto a Bernd, su actual marido, decide recibirlo temporalmente. Lo que sigue es una convivencia tan incómoda como reveladora.

En El hombre que se desvanece, Welf Reinhart construye su ópera prima desde una mirada cinematográfica contenida, atenta a los gestos y a las pequeñas alteraciones de la vida cotidiana. La casa se convierte en el principal escenario del conflicto: un espacio conocido que, con la llegada de Kurt, cambia de significado y obliga a los personajes a convivir con un pasado que regresa de manera inesperada.

La cámara observa sin forzar el sentimentalismo. El director encuentra el humor en situaciones incómodas y, al mismo tiempo, deja que la tristeza aparezca de manera gradual. El ritmo pausado acompaña el deterioro de la memoria sin convertirlo en un recurso efectista. Son las miradas, los silencios, las repeticiones y las reacciones de los personajes las que van construyendo el drama.

Dagmar Manzel, August Zirner y Harald Krassnitzer sostienen con precisión este delicado triángulo afectivo. Kurt no queda reducido a la enfermedad: conserva deseos, impulsos y una inesperada vitalidad. Hanne debe enfrentarse a la mujer que fue, mientras Bernd descubre que una historia aparentemente cerrada puede volver a irrumpir en el presente.

Con sus 102 minutos, El hombre que se desvanece evita las respuestas fáciles y encuentra su mayor virtud en la observación. Reinhart habla del Alzheimer, pero también del amor, los celos, el envejecimiento y la posibilidad de comenzar nuevamente. Una película donde olvidar no significa necesariamente desaparecer: a veces, el pasado vuelve justamente cuando creemos haberlo dejado atrás. 

*Lunes 14/9: EL HOMBRES QUE SE DESVANECE

(DER VERLORENE MANN)
Año: 2026, duración 102 min.
Dirección: Welf Reinhart
Intérpretes: Dagmar Manzel, August Zirner, Harald Krassnitzer.

26º FESTIVAL DE CINE ALEMÁN

Del 17 al 23 de Septiembre

en Cinépolis Recoleta

LA INTÉRPRETE

Antonia está maldita. Se lo anunció su madre cuando era apenas una niña y, muchos años después, esa frase parece adquirir un nuevo sentido. Está encerrada en un país remoto, acusada de haber asesinado al presidente. Pero ella insiste: no hizo más que amar y traducir. Entre esas dos afirmaciones se despliega La intérprete, un inquietante unipersonal de Francisco Lumerman.

La obra construye un territorio donde realidad, memoria y delirio se mezclan. Antonia intenta reconstruir qué ocurrió mientras las palabras, que deberían ser su herramienta de trabajo, comienzan a convertirse también en una trampa. Traducir implica pasar de una lengua a otra, pero también interpretar gestos, silencios, intenciones. Y en ese desplazamiento aparece la pregunta central: ¿quién decide finalmente cuál es la verdad?

Eleonora Wexler asume el desafío de sostener sola la escena y lo hace desde una actuación de enorme intensidad. Su cuerpo atraviesa diferentes estados y su voz cambia de registro para construir un mundo en el que nunca estamos completamente seguros de qué sucedió. Hay momentos de fragilidad, humor, desesperación y lucidez que permiten descubrir, detrás de la acusación política, a una mujer intentando comprender su propia historia.

La dirección de Lumerman apuesta por una puesta precisa, donde escenografía, iluminación y sonido no funcionan como mero acompañamiento sino como extensiones del estado mental de Antonia. El espacio se transforma a medida que avanza el relato y la música original de Guadalupe Otheguy contribuye a crear una atmósfera de creciente extrañeza.

La intérprete es, en definitiva, una obra sobre el lenguaje y sus límites, pero también sobre la identidad y la imposibilidad de permanecer neutral frente a aquello que nos atraviesa. Antonia traduce para otros mientras intenta, desesperadamente, encontrar las palabras para traducirse a sí misma. 

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Francisco Lumerman

Actúan:

Eleonora Wexler

Diseño de vestuario:

Paola Delgado

Diseño de escenografía:

Rodrigo González Garillo

Diseño sonoro:

Guadalupe Otheguy

Música original:

Guadalupe Otheguy

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Fotografía:

Alejandra Lopez

Comunicación:

Den Kemelmajer

Diseño gráfico:

Sergio Calvo

Asistencia de dirección:

Fabiana Ferrada

Prensa:

Carolina Alfonso

Producción ejecutiva:

Romina Ciera

Dirección de Producción:

Romina Chepe

Dirección:

Francisco Lumerman

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 1144244618
Web: http://www.moscuteatro.com.ar
Miércoles - 20:30 hs - Del 16/09/2026 al 25/11/2026

2

DESHONRADA

 La madrugada es sofocante y todavía resuenan las consecuencias del golpe de Estado de 1955. Fanny Navarro es arrancada de su cama y llevada a un interrogatorio clandestino. Frente a ella, un hombre que se hace llamar Capitán Gandhi. No hay tribunal, pero sí acusaciones; no hay sentencia formal, aunque todo en ese encuentro tiene la violencia de un juicio.

En Deshonrada, Gonzalo Demaría recupera la figura de una actriz vinculada al universo del peronismo y construye alrededor de ella un inquietante duelo psicológico. La relación de Fanny con Eva Perón, su romance con Juan Duarte y las sospechas de haber sido delatora se convierten en argumentos para un interrogatorio que rápidamente deja de buscar respuestas. Lo que se pretende es quebrarla.

María Marchi compone una Fanny Navarro vulnerable pero también desafiante, una mujer que intenta conservar algún espacio de autonomía mientras el interrogador avanza sobre su intimidad y su memoria. Julio Viera construye a ese personaje obsesivo desde una violencia que no necesita estridencias: el verdadero poder está en su capacidad de acusar, manipular y hacer dudar.

La puesta de Fabi Maneiro trabaja con la penumbra y el encierro para potenciar la sensación de amenaza. El espacio se vuelve una suerte de celda mental donde pasado y presente se confunden, mientras el diseño sonoro y las luces acompañan la creciente tensión.

Deshonrada no se limita a reconstruir un episodio de la historia argentina. Su mayor interés está en mostrar cómo el poder puede convertir una vida privada en prueba, una sospecha en condena y una mujer en objeto de persecución. Una obra sobre la memoria, pero también sobre la violencia que aparece cuando alguien pretende decidir qué verdad tiene derecho a sobrevivir.

Ficha Técnica:

• Autor: Gonzalo Demaría
• Dirección y puesta en escena: Fabi Maneiro
• Actúan: María Marchi y Julio Viera 
• Diseño de luces: Fabi Maneiro / Daniel Lifschitz                 
• Diseño gráfico y fotografía: Iván Lifschitz
• Peluquería: Mariana Di Marco
• Asesora de maquillaje: Cholumakeup 
• FX: Tropos estudio
• Diseño sonoro y asistencia de dirección: Iván Lifschitz
• Prensa y producción ejecutiva: FM producción y comunicación

Información de funciones

Sala: Andamio'90  (Paraná 660)

Funciones: Sábados 21hs

Entradas: Alternativa Teatral 

https://panel.alternativateatral.com/obra102589-deshonrada

Instagram: @deshonrada

NO MATARÁS (del otro lado)

No matarás (del otro lado): volver sobre una herida

La noche se convierte en territorio de la memoria. Un militante montonero vuelve sobre el atentado contra Cesáreo Cardozo, jefe de la Policía Federal, y alrededor suyo aparecen familiares y compañeros de militancia. Lo que comienza como recuerdo se transforma en una noche atravesada por la violencia, la culpa, los afectos y las preguntas que todavía incomodan.

No matarás (del otro lado), de Osvaldo Peluffo y Verónika Ayanz Peluffo, es el segundo espectáculo de una Trilogía argentina que busca revisar la tragedia de los años 70. Basada en hechos reales y en testimonios de protagonistas de aquella época, la obra toma como uno de sus puntos de partida las cartas de Oscar del Barco para poner en escena un debate que excede la reconstrucción histórica: qué hacemos hoy con las decisiones, las convicciones y las violencias de entonces.

La propuesta se mueve en un territorio donde memoria e historia no son necesariamente la misma cosa. Los personajes recuerdan, reconstruyen y enfrentan sus propias versiones de los acontecimientos. La intimidad familiar se mezcla con la militancia y permite que aquello que suele aparecer contado desde grandes acontecimientos políticos adquiera una dimensión humana y contradictoria.

El elenco, integrado por Juan Pablo Rebuffi, Verónika Ayanz Peluffo, Germán Tirini, Florencia Rey, Daiana Fossati, Ian Mignone y Sofía Ojeda, sostiene una puesta coral atravesada por diferentes voces. La selección musical, el diseño de luces y la puesta en escena de Osvaldo Peluffo contribuyen a construir una atmósfera cargada, donde el pasado no aparece como algo concluido sino como una presencia que continúa interpelando.

No matarás (del otro lado) no pretende ofrecer una memoria cómoda. Su apuesta está justamente en recuperar una zona conflictiva de nuestra historia y obligarnos a mirarla desde otro lugar. Porque recordar no significa solamente reconstruir lo que ocurrió: también implica preguntarnos qué relatos construimos después para poder convivir con aquello que ocurrió. 

FICHA TÉCNICA

 

Autores: Osvaldo Peluffo, Verónika Ayanz Peluffo

Elenco:  Juan Pablo Rebuffi - Verónika Ayanz Peluffo - Germán Tirini - Florencia Rey - Daiana Fossati - Ian Mignone - Sofia Ojeda

Asistente de dirección, Diseño de gráfico y RRSS: Florencia Rey

Realización de banda sonora y asistencia técnica: Rion Maret

Asistente general: Clara Ponsetti

Fotografía: Julia Gel

Prensa: Natalia Bocca

Producción ejecutiva, Diseño de arte (vestuario y escenografía): Verónika Ayanz Peluffo

Producción General: Compañia Fårö

Selección musical, diseño de luces, puesta en escena, dirección de actores y dirección general: Osvaldo Peluffo

REESTRENO 4 DE SEPTIEMBRE.

Funciones: Viernes a las 21:00hs.

Muy Teatro Humahuaca 4310. CABA

 

Entrada General: $23.000 en Alternativa Teatral o en boletería del teatro

 

Duración: 90 minutos

Entiendo su descontento: cuando trabajar también es sobrevivir

 Heike tiene 59 años y una tarea que parece sencilla hasta que se observa todo lo que debe sostener detrás de ella. Supervisa una empresa de limpieza en Múnich, negocia con clientes, responde ante sus superiores, organiza trabajadores y, cuando falta personal, termina tomando el trapo y limpiando ella misma. Su jornada transcurre en una permanente negociación con el conflicto.

En Entiendo su descontento, Kilian Armando Friedrich construye un retrato laboral que evita dividir el mundo entre buenos y malos. Heike puede ser dura, incluso autoritaria, pero también es leal con quienes trabajan a su cargo. Esa contradicción es justamente la que vuelve más interesante al personaje: intenta proteger a sus trabajadores mientras forma parte de un sistema que los coloca permanentemente al límite.

El conflicto adquiere otra dimensión cuando decide contratar de manera permanente a Vadym, un trabajador en situación irregular, para ofrecerle una posibilidad de permanecer en Alemania. Pero mejorar la situación de uno significa, bajo las reglas del sistema, perjudicar a otro. La exigencia del subcontratista la obliga a despedir a un empleado querido por su amiga Taja y la coloca frente a una pregunta sin salida: ¿cómo actuar con justicia dentro de una estructura injusta?

Sabine Thalau sostiene a Heike desde una interpretación contenida, alejada del sentimentalismo. Su rostro, sus silencios y su manera de moverse transmiten el cansancio de alguien que lleva demasiado tiempo resolviendo problemas ajenos. El film encuentra allí buena parte de su fuerza: en los gestos cotidianos de una mujer que parece tener el control, mientras poco a poco queda atrapada en aquello mismo que intenta administrar.

Con sus 93 minutos, Entiendo su descontento propone una mirada crítica sobre la precarización, la inmigración y las relaciones laborales, pero también sobre los límites de la responsabilidad individual. Porque a veces no alcanza con querer hacer lo correcto cuando las condiciones están diseñadas para que cualquier decisión deje a alguien afuera.

Año: 2026, duración 93 min.
Dirección: Kilian Armando Friedrich
Intérpretes: Sabine Thalau, Nada Kosturin, Werner Posselt, Sadibou Diabang, Nigyar Velagic.

HISTORIAS ESCOGIDAS: cuando la admiración se vuelve disputa

En los años 90, una escritora consagrada recibe en su mundo a una joven que la admira profundamente. Raquel Steiner tiene el prestigio, la experiencia y también la autoridad que otorga haber construido una obra. Elisa Morrison llega buscando aprender, pero detrás de esa admiración aparece otra necesidad: ser reconocida, encontrar una voz propia y, quizás, ocupar algún día el lugar de aquella a quien tanto admira.

En Historias escogidas, Donald Margulies construye un duelo de dos mujeres alrededor de la literatura. Lo que comienza como una relación entre maestra y discípula se va volviendo más compleja a medida que aparecen la competencia, la dependencia y el deseo. La palabra, aquello que inicialmente las une, termina convirtiéndose también en un arma.

Patricia Doura y Olivia Waller sostienen ese juego de acercamientos y distancias, construyendo dos personajes que no pueden reducirse fácilmente a víctima y victimaria. Entre ellas circulan admiración, inseguridad, poder y ambición. Cada una guarda sus propias razones y, sobre todo, su propia versión de los hechos.

La puesta de Santiago Furze acompaña el enfrentamiento con una estructura concentrada, donde las luces y el espacio adquieren importancia a medida que el vínculo se vuelve más tenso. El escenario termina funcionando como un campo de batalla intelectual y afectivo.

Historias escogidas plantea así una pregunta incómoda sobre el acto de escribir: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para que nuestra historia sea escuchada? Y también sobre el precio de admirar a alguien cuando el deseo de parecerse puede terminar transformándose en la necesidad de ocupar su lugar.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Donald Margulies

Actúan:

Patricia Doura, Olivia Waller

Vestuario:

Mora San Martín

Diseño de luces:

Santiago Furze, Olivia Waller

Musicalización:

Simón Perez Cobo

Colaboración en escenografia:

Hally Lewans

Grafica:

Delfina Green

Dirección:

Santiago Furze

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos