RELÁMPAGOS DE LO INVISIBLE: OLGA OROZCO, LA POESÍA HECHA CUERPO

 

En Relámpagos de lo invisible, Fabiana Rey se interna en el universo poético de Olga Orozco para construir una experiencia escénica donde la palabra abandona la página y adquiere presencia física. A partir de los textos de la poeta pampeana, la propuesta explora un territorio poblado de visiones, presagios, rituales y misterios, en el que lo cotidiano parece abrirse hacia una dimensión desconocida.

La voz y el cuerpo de Rey son el centro de esta travesía. Lejos de plantear una lectura convencional, la actriz convierte la poesía en materia teatral: los gestos, los silencios, las modulaciones de la voz y la relación con el espacio construyen imágenes que evocan las obsesiones y los mundos interiores de Orozco. La palabra se vuelve movimiento, invocación y presencia; el cuerpo funciona como vehículo de aquello que no puede explicarse racionalmente.

La penumbra, los símbolos del oráculo y el diseño espacial contribuyen a generar una atmósfera de misterio e intensidad. Con asesoramiento artístico y espacial de Esteban Meloni e iluminación de Matías López Stordeur, la puesta acompaña ese tránsito entre lo visible y lo oculto, sin buscar traducir literalmente los poemas, sino recuperar su potencia evocadora.

Con concepción, dramaturgia y dirección de la propia Fabiana Rey, la obra encuentra su mayor riqueza en la posibilidad de acercar la poesía al lenguaje teatral sin despojarla de su enigma. El desafío de un unipersonal de estas características está en sostener la intensidad de la palabra y evitar que el misterio se convierta en una sucesión de imágenes ilustrativas. La propuesta apuesta, en cambio, a la sensibilidad del espectador y a su capacidad de dejarse atravesar por lo que sucede en escena.

En el marco del proyecto El camino del fuego. Tríada poética, que recupera figuras fundamentales de la cultura argentina, Relámpagos de lo invisible invita a reencontrarse con Olga Orozco desde una experiencia sensorial y poética. Una ceremonia teatral de 50 minutos en la que la palabra se hace cuerpo y aquello que permanece oculto encuentra, por un instante, una forma de manifestarse.

Ficha técnico artística

Texto:

Olga Orozco

Actúan:

Fabiana Rey

Diseño de luces:

Matías López Stordeur

Administración De Sala:

Julian Smud

Fotografía:

Nora Lezano

Asesoramiento En Espacio Escénico:

Esteban Meloni

Asesoramiento artístico:

Esteban Meloni

Asistencia técnica:

Manuel Brener

Asistencia de dirección:

Soledad Tapia

Dramaturgista:

Fabiana Rey

Dirección:

Fabiana Rey

Duración: 50 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Sábado - 22:30 hs - Del 07/11/2026 al 28/11/2026

LO QUE NO JUNO ME APASIONA

En Lo que no juno me apasiona, Gabriela Romeo construye un universo extraño, atravesado por el mandato familiar, las creencias, la degradación ambiental y los secretos que parecen condenados a permanecer ocultos. La acción transcurre en Diosleguarde, una fábrica de sombreros ocupada y cercada por el Paraná, donde el tiempo parece haberse detenido y las aguas oscuras del río se convierten en una presencia inquietante.

Entre mercurio, aire enrarecido y un paisaje contaminado, los personajes se enfrentan a una realidad donde lo sagrado y lo profano, la maldición y la bendición, conviven en permanente tensión. Las preguntas sobre la fe, los dones espirituales y el destino se mezclan con la búsqueda de una caja de dinero y las referencias a una causa nacional. El humor, inesperado y corrosivo, se filtra en medio de ese clima enrarecido y desarma cualquier solemnidad.

La dramaturgia de Romeo apuesta por un lenguaje singular, cargado de imágenes, frases enigmáticas y resonancias populares. Los diálogos avanzan entre lo absurdo y lo poético, construyendo un territorio donde los personajes parecen debatirse entre aquello que conocen y lo que no logran comprender. La frase que da título a la obra condensa esa contradicción: apasionarse por aquello que no se termina de entender.

El elenco integrado por Alen Hutton, Vero Marcovsky, Esteban Navarro y Gabriel Zuccarini transita este mundo de tensiones y desmesuras, sostenido por un espacio escénico de fuerte impronta simbólica. La música original de Sergio Vainikoff y el diseño lumínico de Horacio Chino Novelle contribuyen a configurar una atmósfera inquietante, en la que el río, aunque no se vea, parece estar siempre presente.

Con dirección y dramaturgia de Gabriela Romeo, Lo que no juno me apasiona propone una experiencia teatral singular, que combina grotesco, humor y poesía para hablar de la memoria, los mandatos y las heridas de un territorio. Una obra que encuentra en lo extraño una forma de interrogar lo conocido y deja resonando una pregunta: ¿qué sucede cuando aquello que debería darnos vida se transforma en amenaza? 

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Gabriela Romeo

Actúan:

Alen Hutton, Vero Marcovsky, Esteban Navarro (Tban), Gabriel Zuccarini

Espacio escénico:

Lo Que No Juno Me Apasiona

Diseño de luces:

Horacio Chino Novelle

Realización de vestuario:

Titi Suárez Adrover

Música original:

Sergio Vainikoff

Fotografía:

Gianni Mestichelli

Diseño gráfico:

Mariana Rovito

Asistencia de dirección:

Santino Caradonna

Prensa:

Marcelo Oliveri

Dirección:

Gabriela Romeo

Web: https://www.instagram.com/loquenojunomeapasiona.obra/

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Domingo - 20:30 hs - Hasta el 29/11/2026

AHORA CAROLA

En Ahora Carola, Amarella construye un personaje atravesado por la urgencia. Carola hace listas, organiza tareas, responde demandas, trabaja y se anticipa a cada imprevisto. Su vida parece sometida a una carrera permanente por cumplir con todo, hasta que ese ritmo comienza a desajustarse y deja al descubierto el agotamiento de quien intenta controlar cada minuto.

Con dramaturgia de Amarella y Guido Zappacosta, y dirección de Noralih Gago, la obra propone una comedia sobre las exigencias de la vida contemporánea y la dificultad de habitar el presente. A través de un unipersonal de 60 minutos, Amarella asume el desafío de dar cuerpo a esa aceleración cotidiana, transformando las pequeñas obsesiones, las contradicciones y las tensiones de Carola en materia escénica.

La puesta cuenta con una escenografía de Rodrigo González Garillo, vestuario de Shirley Bentancor y diseño de luces de Gustavo Lista, elementos que acompañan la construcción de un universo donde la organización y el desorden conviven. La edición de video de Fernando Sánchez suma otro recurso a esta propuesta que articula distintos lenguajes escénicos.

El humor funciona como vía de acceso a una problemática reconocible: la presión por estar disponibles, producir y responder a todo, aun cuando esa exigencia nos aleja de nosotros mismos. La comicidad no oculta el malestar, sino que lo vuelve visible y permite reconocer en Carola algo de nuestra propia experiencia.

Ahora Carola plantea una paradoja tan sencilla como inquietante: mientras su protagonista corre para llegar a tiempo, la vida ya está sucediendo. Una invitación a detenerse y preguntarnos cuánto de ese tiempo que intentamos administrar estamos realmente viviendo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Amarella, Guido Zappacosta

Actúan:

Amarella

Vestuario:

Shirley Bentancor

Escenografía:

Rodrigo González Garillo

Peinados:

Amancay Molina

Diseño de maquillaje:

Amancay Molina

Diseño de luces:

Gustavo Lista

Edición de video:

Fernando Sánchez

Fotografía:

Cleo Bouza

Diseño gráfico:

Lima La Imagen De Lxs Artistas

Asistencia de dirección:

Agostina Viglietta

Prensa:

Natalia Bocca

Producción:

Dos Lunas Productora

Colaboración artística:

Pablo Fusco, Mayra Homar, Julian Lucero, Carolina Molini, María Agustina Ruiz Barrea

Jefe técnico:

Agustín Rijana

Dirección:

Noralih Gago

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 4854-2107
Web: http://www.nunteatrobar.com.ar
Sábado - 20:30 hs - Del 07/11/2026 al 28/11/2026

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ESPEJISMOS DEL TIEMPO

En Mirages du temps – Espejismos del Tiempo, Fernando Ferrer propone una experiencia escénica donde la danza y el teatro se funden para construir un relato que prescinde de las palabras y encuentra en el cuerpo su principal lenguaje. Dos intérpretes, una persona que debe partir y un ser extraño, se encuentran en un territorio incierto, donde las identidades se confunden y los límites entre realidad, recuerdo y espejismo se vuelven difusos.

La obra se despliega como una reflexión sobre el tiempo, la pérdida y la finitud. Un friso cronológico, semejante a un pergamino, funciona como soporte simbólico de una historia que se escribe y se borra mientras sucede. El pasado no aparece como algo definitivamente concluido, sino como una presencia que persiste y condiciona la posibilidad de imaginar el futuro.

María Eugenia Carnevali y Willem Meul construyen, a través del movimiento, un vínculo de aproximaciones y distancias. Sus cuerpos alternan peso y liviandad, tensión y delicadeza, en una coreografía que parece responder a una lógica propia: trayectorias que se cruzan, se separan y vuelven a encontrarse, como cuerpos celestes en una órbita imprevisible. La expresión física transmite aquello que las palabras no alcanzan a nombrar: la soledad, el desconcierto y también la ternura que puede abrirse paso en medio de la dureza.

Con dramaturgia, coreografía, diseño de iluminación y dirección de Fernando Ferrer, la propuesta apuesta a una poética visual y corporal en la que cada gesto adquiere valor narrativo. Su mayor fortaleza reside en esa capacidad de sugerir más que explicar, aunque su lenguaje simbólico exige del espectador una disposición a dejarse llevar por las imágenes y los climas antes que por una historia lineal.

En sus 55 minutos, Mirages du temps invita a contemplar el tiempo como una materia viva, hecha de huellas, encuentros y despedidas. Una pieza sensible que encuentra en el cuerpo un archivo de lo vivido y en el movimiento una forma de interrogar aquello que todavía nos acompaña.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Fernando Ferrer

Danza:

María Eugenia Carnevali, Willem Meul

Diseño De Iluminación:

Fernando Ferrer

Producción:

Compañía Estro

Coreografía:

María Eugenia Carnevali, Willem Meul

Co-producción:

Compañía Projet 26

Dirección:

Fernando Ferrer

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Danza, Danza - Teatro, Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Entrada: $ 32.000,00 - Viernes - 20:00 hs - 30/10/2026
Entrada: $ 32.000,00 - Sábado - 17:30 hs - 31/10/2026

VENADO TUERTO, GALPÓN DEL ARTE

Miércoles 4 de noviembre, 21.30 h: ESPEJISMOS DEL TIEMPO

Jueves 5 de noviembre, de 14 a 16 h: Curso: creación escénica, cuerpo y dramaturgia

Chacabuco 1071, Venado Tuerto, Santa Fe

EL MOVIMIENTO. EL PASADO NO SE DETIENE

 En El movimiento. El pasado no se detiene, Javier Daulte vuelve a explorar los pliegues de la memoria y las formas en que el pasado irrumpe en el presente. La acción comienza en una agencia de publicidad que prepara una campaña sin conocer todavía el producto que debe vender. La llegada de una clienta, portadora de una historia vinculada con la guerra de Malvinas, altera esa aparente normalidad y abre una dimensión inesperada.

Daulte construye una dramaturgia en la que los tiempos se superponen y la realidad cotidiana comienza a adquirir otros sentidos. El ámbito publicitario, con sus mecanismos de persuasión y su necesidad de producir mensajes, se convierte en un espacio propicio para interrogar qué sucede cuando una experiencia histórica intenta encontrar palabras para ser transmitida. Malvinas aparece así no como un episodio clausurado, sino como una herida cuya resonancia continúa actuando sobre el presente.

El título propone una clave de lectura: aquello que parece haber quedado atrás no permanece inmóvil. Hay historias que siguen desplazándose, transformándose y reclamando ser escuchadas. En ese territorio, el teatro funciona como un espacio capaz de alterar la percepción del tiempo y de poner en contacto lo íntimo con la memoria colectiva.

Con un elenco numeroso, la puesta articula las actuaciones con el diseño de movimiento de Vero Pecollo, el espacio escenográfico de Alicia Leloutre y José Escobar, la iluminación de Matías Sendón y el diseño sonoro de Lolo Micucci. La propuesta exige un trabajo de conjunto en el que los cuerpos, los desplazamientos y los cambios de clima acompañan el tránsito entre lo cotidiano y lo extraordinario.

Tercer espectáculo de la Compañía Callejón, El movimiento. El pasado no se detiene plantea una pregunta que excede el relato de sus personajes: ¿qué permanece cuando creemos que una historia terminó? Daulte vuelve a confiar en el teatro como lugar de encuentro con aquello que todavía no ha podido decirse del todo. Porque el pasado no es una imagen detenida: sigue moviéndose, y sus consecuencias continúan formando parte de nuestro presente.

Elenco (por orden alfabético)

Ani / Mimí Vale Camino
Braian / Sergio Bermúdez Ramiro Delgado
Érika / Vero / María Müller Julia Gárriz
Mario / Roly Jorge Gentile
Cin / Claudia joven Luciana Grasso
Claudia Silvina Katz
Bellu / Gabriela Paula Manzone
Yuls / Sargento / Sergio Jr. Agustín Meneses
Pol / Ochoa / Otto Müller William Prociuk
Sánchez / Chichita / Ingrid Müller María Villar

Diseño de movimiento Vero Pecollo
Colaboración artística Zoilo Garcés
Diseño sonoro Lolo Micucci
Diseño de iluminación Matías Sendón
Diseño de vestuario Ana Markarian
Asistencia de vestuario Jor Pineda
Diseño de escenografía Alicia Leloutre / José Escobar

Dirección general Javier Daulte

 

Producción TNC Anabella Zarbo Colombo
Asistencia de dirección TNC Alejandro Pellegrino

De jueves a domingo a las 21 h

Fecha estreno 29/10/2026

Última función 13/12/2026

Teatro Nacional Cervantes

Libertad 815

fsdaf

ESPERANDO A GODOT

 Hay obras que atraviesan el tiempo sin perder su capacidad de interpelarnos. Esperando a Godot, de Samuel Beckett, es una de ellas. Bajo la dirección de la española Helena Pimenta, el clásico del teatro del absurdo regresa a Buenos Aires con una pregunta que permanece abierta: ¿qué hacemos mientras esperamos aquello que nunca termina de llegar?

Vladimir y Estragón aguardan a Godot en un lugar indeterminado. Entre conversaciones triviales, discusiones, juegos, silencios y reiteraciones, ambos intentan darle sentido a una existencia suspendida. La espera se convierte en una forma de vida, un mecanismo que permite sobrellevar la incertidumbre y postergar el encuentro con un mundo que parece no ofrecer respuestas definitivas. En ese universo, el humor convive con la angustia y lo absurdo deja al descubierto la fragilidad de los vínculos humanos.

La dirección de Pimenta recupera la potencia de una dramaturgia que se construye tanto a través de las palabras como de los cuerpos, los gestos y los tiempos muertos. La repetición, lejos de ser un recurso meramente formal, expresa el encierro de los personajes en una rutina de la que no logran escapar. El desafío de una puesta de este clásico consiste en evitar que esa circularidad se vuelva mecánica y sostener, en cambio, la tensión entre el desconcierto, la comicidad y el desamparo.

Con Daniel Aráoz, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Pablo Seijo, el elenco se enfrenta a personajes atrapados en una existencia donde cada gesto de esperanza parece convivir con la posibilidad de una nueva decepción. La interpretación exige encontrar el equilibrio entre el registro cómico y la dimensión trágica de una humanidad que continúa esperando, aun cuando ignora qué espera exactamente.

Estrenada originalmente en la década de 1950, la obra conserva una inquietante actualidad. La incertidumbre, la necesidad de creer en una promesa y el temor al vacío no pertenecen a una época determinada. En ese sentido, Beckett no ofrece respuestas tranquilizadoras: expone la espera como una condición humana y deja que el espectador complete el sentido de aquello que permanece inexplicado.

Esta nueva versión de Esperando a Godot invita a volver sobre una pregunta esencial: si la llegada de Godot nunca se concreta, ¿es la esperanza lo que nos mantiene en pie o aquello que nos condena a permanecer inmóviles?

La puesta se presenta en el Teatro Presidente Alvear, avenida Corrientes 1659, de miércoles a sábados a las 20 y domingos a las 19. La duración es de 120 minutos.

Un elenco de lujo

La producción cuenta con las actuaciones de destacados referentes de la escena local como Daniel Aráoz (Estragón) quien manifestó su entusiasmo por encarar este clásico: “Este teatro es una maravilla y hacer una obra de Beckett, que es muy ' fuertona' , porque por momentos es insoportable, pero es una metáfora de la realidad y del mundo”.

Por su parte, Luis Ziembrowski (Vladimir) se mostró desafiado por el proyecto, asumiendo que, cuando se trata del teatro del autor irlandés, “siempre implica iniciar un camino que nunca se sabe cómo va a terminar”. 

Osvaldo Santoro (Pozzo) y Pablo Seijo (Lucky) completan el elenco de este clásico contemporáneo que finalmente pudo concretarse tras un largo proceso de planificación y coordinación institucional. 

El equipo de este montaje está integrado por José Tomé (dirección de arte), Julieta Abriola (colaboración artística), Vanesa Abramovich (escenografía y vestuario), David Seldes (iluminación), Juan Pablo Galimberti (video), Nahuel Martínez y Miguel Álvarez (sonido) y Damián Malvacio (asesor de movimiento).

Y..... SE NOS FUE REDEPENTE

 Un velorio de barrio, una viuda desconsolada y un desfile de vecinas dispuestas a dar el pésame —y, de paso, a revelar secretos ajenos— son el punto de partida de Si yo les contara… Porque hay cada una más de cuatro!!!, un unipersonal que recupera algunas de las criaturas más emblemáticas creadas por Niní Marshall. En torno a la muerte de Don Pascual, el zapatero del barrio, aparecen Catita, Doña Pola, Mónica Bedoya, la Niña Jovita, Doña Caterina y Cándida, personajes que hicieron de la observación de las costumbres populares una forma de humor y crítica social.

Con texto de Marshall, el espectáculo se inscribe en la tradición del café concert y del humor negro, donde el duelo funciona como excusa para que afloren las hipocresías, los prejuicios y las pequeñas miserias de la vida cotidiana. Detrás de las frases hechas y los gestos de condolencia, cada personaje deja entrever una mirada mordaz sobre la sociedad, sus convenciones y esa irresistible inclinación a hablar de los demás.

Edgardo Rosini asume el desafío de encarnar a estas figuras femeninas de rasgos y voces reconocibles, en un trabajo que exige precisión vocal, expresividad corporal y capacidad para diferenciar caracteres sin perder el ritmo cómico. El vestuario, el maquillaje y los peinados resultan fundamentales para construir la identidad de cada criatura, mientras la voz en off de la propia Niní Marshall establece un vínculo con el legado de la artista.

La propuesta encuentra su principal atractivo en la vigencia de unos personajes que, aun surgidos de otra época, siguen permitiendo reconocer comportamientos y prejuicios persistentes. El riesgo de recuperar figuras tan arraigadas en la memoria popular consiste en quedarse únicamente en la imitación o la nostalgia; su potencia, en cambio, reside en volver a descubrir la mirada crítica que les dio origen.

Si yo les contara… invita a reírse de las miserias ajenas, aunque el espejo termine devolviéndonos una imagen bastante familiar. Porque, como sugiere el título, en todo barrio hay historias que merecen ser contadas… aunque después nadie quiera hacerse cargo de lo que dijo.

Ficha técnico artística

Texto:

Niní Marshall

Actúan:

Edgardo Rosini

Voz en Off:

Niní Marshall

Vestuario:

Marcelo Paradiso

Escenografía:

Marcelo Paradiso

Iluminación:

Sandro Mlynkiewicz

Peinados:

Sandra Zambanini

Maquillaje:

Sandra Zambanini

Redes Sociales:

Gonza Rossi

Edición de sonido:

Klaurecords Studios

Video:

Juan Pablo Caldarone

Sonido:

Claudio Favieri

Fotografía:

Juan Pablo Caldarone

Diseño gráfico:

Daniel Jaurechi

Asistencia De Producción:

Gonza Rossi

Asistencia de vestuario:

Sandra Zambanini

Prensa:

Gonza Rossi

Producción general:

Edgardo Rosini

Dirección general:

Claudio Favieri, Edgardo Rosini

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Humor, Teatro, Unipersonales, Presencial, Adultos

PARAJE ARTESÓN
Palestina 919 timbre 2 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 1132881008
Web: https://www.instagram.com/paraje_arteson/
Entrada: $ 28.000,00 / $ 25.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 29/11/2026