LA SEÑORA MACBETH

 Griselda Gambaro toma el mito de Lady Macbeth y desplaza el centro del conflicto: ya no es solamente la ambición de poder la que mueve a la protagonista, sino un amor llevado hasta sus últimas consecuencias. En esta versión, Macbeth está ausente y, sin embargo, ocupa todo el espacio. Es una presencia construida por las palabras de ella, por su deseo y por la necesidad de justificar aquello que resulta cada vez más difícil de sostener.

La obra se mueve en una zona inquietante donde razón, culpa y conveniencia se confunden. La protagonista intenta reconstruir una realidad que se desarma frente a sus ojos y termina siendo, al mismo tiempo, víctima y cómplice de un discurso que la domina. Gambaro convierte así la tragedia en una reflexión sobre la identidad y sobre los mecanismos mediante los cuales el poder puede instalarse también en los vínculos íntimos.

La puesta de Jorge Sánchez Mon apuesta por una atmósfera contenida, casi claustrofóbica. El espacio escénico y el vestuario contribuyen a crear un universo despojado, mientras la iluminación de Fernando Díaz y el diseño sonoro y la música original de Fede Corna acompañan las zonas más oscuras del relato.

El elenco construye un trabajo coral en el que los cuerpos y los desplazamientos tienen un peso particular. El diseño de movimientos de Florencia Laval permite que la tensión no dependa exclusivamente de la palabra: también está en las miradas, las pausas, las aproximaciones y las distancias.

La señora Macbeth no busca repetir a Shakespeare, sino discutirlo desde otro lugar. En la escritura de Gambaro, el amor puede ser una forma de sometimiento y la identidad, algo que se pierde lentamente cuando se vive a través de otro. Una obra que, bajo la apariencia de una tragedia íntima, vuelve a interrogar la relación entre deseo, poder y responsabilidad.

Ficha técnico artística

Actúan:

Maru Andrada, Florencia Laval, Solana Pastorino, Eduardo Pérez Bordalejo, Erica Sposito

Vestuario:

Jorge Sánchez Mon

Espacio escénico:

Jorge Sánchez Mon

Diseño De Sonido:

Fede Corna

Redes Sociales:

Melanie Groisman

Música original:

Fede Corna

Operación de luces:

Ariel Irratti

Operación de sonido:

Gabriela Arata

Diseño De Iluminación:

Fernando Díaz

Fotografía:

Melanie Groisman

Asistencia de dirección:

Gabriela Arata

Producción:

Marcelo Franceschini

Diseño de movimientos:

Florencia Laval

Dirección:

Jorge Sánchez Mon

Agradecimientos:

Clara Pizarro

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

PATIO DE ACTORES
Lerma 568 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: 4772-9732
Web: http://www.patiodeactores.com
Entrada: $ 22.000,00 - Domingo - 20:30 hs - Hasta el 11/10/2026

12

HOTEL JULIO CÉSAR

En un hotel de la Costa Atlántica, Julio vive junto a su madre Carmen, atrapado en una rutina construida a lo largo de toda una vida. La llegada del Carnaval, unos familiares que hacía tiempo no veía y una mujer desconocida alteran esa aparente calma y hacen regresar recuerdos que habían permanecido ocultos.

Laura Otermin construye una obra sobre la memoria, el deseo y los vínculos familiares, donde el hotel funciona como un espacio cerrado, cargado de secretos. Carmen, con su excesivo afán de protección, ha moldeado la vida de su hijo hasta convertir el amor en una forma de control. Julio deberá entonces enfrentarse no solo con aquello que había olvidado, sino también con una identidad construida a partir de las expectativas ajenas.

El Carnaval funciona como contrapunto de ese mundo opresivo. La fiesta, el cuerpo y la posibilidad de transgredir amenazan el orden establecido por Carmen y permiten que aquello silenciado comience a emerger.

Ana María Castel construye una Carmen dominante e inquietante, mientras Guido D’Albo transmite la fragilidad de un hombre que intenta recuperar su propia voz. La dirección de Patricio Azor, junto con la escenografía y vestuario de Alejandro Mateo y la iluminación de Lucas Orchessi, acentúa el clima claustrofóbico del hotel.

Hotel Julio César encuentra su mayor fuerza en mostrar cómo un amor llevado al extremo puede terminar anulando al otro. Y mientras afuera el Carnaval libera cuerpos y deseos, puertas adentro Julio comienza, finalmente, a recuperar su propia identidad.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Laura Otermin

Actúan: Ana María Castel, Guido D’Albo, Sebastián Dartayete, Laura Otermin, Alcira Serna

Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Lucas Orchessi

Realización de escenografía: Omar Paez

Diseño gráfico: Patricio Azor

Fotografía: Martín Siccardi

Edición de sonido: Sergio Gomez

Asistente de escenario: Emiliano Rasumoff

Prensa: Natalia Bocca

Producción: Claudia Quinteros

Asistente de dirección: Talia Acosta

Dirección: Patricio Azor

“HOTEL JULIO CESAR” de Laura Otermin

DESDE EL 12 DE SEPTIEMBRE!

 

SABADOS A LAS 17:00hs.

 

El Método Kairós

El Salvador 4530. CABA

Entrada general: $26.000

 

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 90 minutos

ABRAZO DE FRÍO AZULEJO

 Hay recuerdos que no desaparecen: se instalan en el cuerpo y vuelven, una y otra vez, como una piedra que alguien debe cargar. Abrazo de frío azulejo, la piedra que siempre vuelve, de Fernando Alegre, toma el mito de Sísifo como punto de partida para construir un unipersonal sobre la memoria, la vulnerabilidad masculina y la necesidad de enfrentarse con aquello que durante demasiado tiempo permaneció silenciado.

Daniel Dibiase pone el cuerpo a un personaje que atraviesa una deconstrucción íntima y fragmentaria. No se trata solamente de contar una historia, sino de hacer visible aquello que permanece enquistado. El cuerpo se convierte así en territorio de memoria: guarda, resiste, repite y finalmente intenta transformar lo que lleva dentro.

La condición de artista plástico del personaje no es un dato accesorio. Las herramientas del arte se convierten en instrumentos para explorar una identidad que se desarma frente al espectador. La escena funciona como taller, espacio de exposición y territorio de búsqueda, mientras distintos lenguajes se entrecruzan para construir una experiencia que excede la palabra.

La escenografía y las luces, diseñadas por Alegre, adquieren especial importancia en esta propuesta. Los objetos, las texturas y el espacio no funcionan únicamente como marco, sino como prolongaciones del conflicto interno. El diseño sonoro de Manuel Pérez Vizán completa una atmósfera que por momentos se vuelve opresiva y por otros profundamente contemplativa.

La dirección de Fernando Alegre y Stella Matute acompaña ese recorrido sin apresurarlo. Hay una apuesta por el silencio, por las pausas y por aquello que se expresa cuando las palabras resultan insuficientes. Esa decisión permite que la vulnerabilidad masculina aparezca sin discursos explicativos, encarnada en un cuerpo que intenta recuperar aquello que alguna vez debió callar.

La referencia a Sísifo encuentra entonces una nueva dimensión: la roca no es únicamente el peso de un destino inevitable, sino también aquello que el artista intenta modificar. El arte aparece como posibilidad de transformación, aunque nunca como solución definitiva.

Abrazo de frío azulejo propone una experiencia íntima, de una intensidad que no depende del exceso sino de la capacidad de hacer visible lo que suele permanecer oculto. Una obra sobre la memoria, pero también sobre el difícil acto de mirarla de frente. Porque quizá transformar la piedra no significa dejar de cargarla, sino encontrar otra manera de llevarla.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Fernando Alegre

Actúan:

Daniel Dibiase

Vestuario:

Titi Suárez

Escenografía:

Fernando Alegre

Diseño De Sonido:

MANUEL PÉREZ VIZÁN

Luces:

Fernando Alegre

Comunicación visual:

Pablo Hulgich

Producción ejecutiva:

Dalevamos, Sergio Rower

Dirección:

Fernando Alegre, Stella Matute

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Viernes - 20:00 hs - Del 02/10/2026 al 16/10/2026

RETRATO DE UN PIANISTA , la música como forma de memoria

 Hay películas que se acercan a un artista para registrar su obra y otras que intentan descubrir qué hay detrás de ella. Retrato de un pianista, de José Luis Nacci y Elena Konieczny, elige este segundo camino. El protagonista es Antonio Formaro, pero el verdadero tema del documental parece ser aquello que sostiene su vínculo con la música: el tiempo, la memoria, los afectos y una búsqueda que excede el escenario.

La cámara acompaña al pianista en una cotidianeidad que alterna ensayos, clases, programas radiales, encuentros familiares y conciertos. Entre esas actividades aparece una dimensión más íntima: sus caminatas frente al mar, momentos de pausa que contrastan con la concentración exigida por la interpretación. El paisaje funciona entonces como contrapunto de la música y como espacio de reflexión.

Uno de los aspectos más interesantes del documental es la búsqueda de pianos perdidos en distintos pueblos. El recorrido hasta el Teatro Brazzola de Chascomús permite que el instrumento deje de ser simplemente un objeto musical para convertirse en depositario de historias. Algo similar sucede durante su viaje a Chile, cuando Formaro visita el Museo Claudio Arrau y rinde homenaje al célebre pianista. El documental establece así una cadena de maestros, instrumentos y memorias que conecta distintas generaciones.

La película encuentra su mayor potencia cuando observa esos momentos sin apresurarse a explicarlos. Los ensayos, las manos sobre el teclado, los silencios antes de un concierto y la relación física del intérprete con el instrumento adquieren una dimensión casi contemplativa. La música de Formaro, además, no aparece como simple banda sonora: forma parte de la estructura narrativa y acompaña el recorrido del protagonista.

El concierto en el Teatro Argentino de La Plata junto a la Orquesta Estable funciona como uno de los puntos culminantes del relato. Después de acompañar durante buena parte del film la preparación y el esfuerzo que preceden a la escena, la presentación permite comprender la dimensión pública de una pasión que, hasta entonces, habíamos observado fundamentalmente en su intimidad.

Nacci y Konieczny construyen un retrato afectivo, más interesado en acompañar que en explicar. En ese sentido, Retrato de un pianista evita convertirse en una biografía convencional y propone algo más cercano a un viaje: el de un músico que se desplaza entre ciudades, teatros, pianos y recuerdos, siempre detrás de aquello que la música todavía puede revelar.

Y cuando, después del concierto, Formaro regresa nuevamente al mar, el gesto adquiere un sentido circular. La búsqueda no termina con el aplauso. El próximo desafío, como la música, vuelve a comenzar.

PROTAGONISTAS
Antonio Formaro
Elena Konieczny (En off)
Eduardo Chino Orueta
Maximiliano Coria
Eduardo Gato Peña
José Luis Nacci (En off)
Javier Soto Persus Nibaes
José Miguel Ramos Fuentes (En off)
Gladys Pierpauli
Maestro Marcelo Balat
Marisa Formaro
Eduardo Formaro
Santiago Espíndola
Orquesta Estable del Teatro Argentino
Lucía Zikos

FICHA TÉCNICA
Dirección, Guion y Producción: José Luis Nacci ,Elena Konieczny
Dirección de Fotografía: Florencia Velozo, Luciano Nacci 
Cámara: Luciano Nacci, Florencia Velozo,
Santiago Fernández Grassi, Luciano Romano
Diseño de arte: Santiago Cánepa
Sonido: Lucho Corti
Montaje: Luciano Nacci
Música: Antonio Formaro
 
 Año: 2025
Duración: 68 min.
Género: Documental
País: Argentina
Formato de Rodaje: 4k
Formato de exhibición: Digital Cinema 2K (2048 horiz. por 1556 vert. Pixeles)
Sonido: (Stereo, Mono, Dolby digital 5.1) Dolby digital 5.1
Relación de aspecto: Real

Distribuye: Km Sur Distribución

SANTOS VEGA : UN REGRESO A LA GAUCHESCA

Volver a Santos Vega es volver a una de las matrices del teatro argentino. La figura del payador que desafía al diablo atraviesa la tradición popular y literaria, pero en esta nueva versión presentada en el Teatro Nacional Cervantes la leyenda funciona, sobre todo, como una puerta de entrada a un imaginario que todavía forma parte de nuestra memoria colectiva.

La propuesta de Daniel Casablanca no intenta reconstruir arqueológicamente aquel teatro gauchesco de fines del siglo XIX. Por el contrario, recupera sus formas —la música, la danza, el canto, la payada, el humor y los personajes populares— para convertirlas en una experiencia escénica de gran vitalidad. El resultado es un espectáculo coral, de ritmo sostenido, donde la tradición aparece menos como una pieza de museo que como una materia viva capaz de dialogar con el presente.

La puesta apuesta decididamente por lo colectivo. Un numeroso elenco ocupa el escenario y construye una sucesión de escenas, canciones y cuadros que remiten a fiestas populares, enfrentamientos, romances y tragedias. La música original y los arreglos de Diego Pérez y Fernando Fefo Sellés, junto con las coreografías de Gustavo Carrizo, tienen un papel central: no funcionan como mero acompañamiento sino como motor dramático.

También resulta significativo el trabajo sobre el cuerpo. Los intérpretes construyen un universo en el que el gesto, el desplazamiento, el zapateo y la danza recuperan códigos de la tradición rural y los transforman en lenguaje teatral. La escenografía de Paola Delgado y Ariel Vaccaro, el vestuario de Analía Cristina Morales y el diseño de iluminación de Sandro Pujia colaboran en esa construcción de un espacio que es al mismo tiempo histórico y simbólico.

La versión de Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca y Andrés Sahade se permite condensar y reordenar el material original para privilegiar el carácter de espectáculo. En esa decisión hay tanto una virtud como un riesgo: la abundancia de recursos y la sucesión de cuadros pueden, por momentos, privilegiar la exuberancia visual y musical por sobre la profundidad dramática de la historia.

Pero es justamente en esa celebración colectiva donde la propuesta encuentra su identidad. Santos Vega no pretende solamente contar la leyenda del payador vencido por el Diablo; busca recuperar una forma de hacer teatro que nació estrechamente ligada al público y a la cultura popular.

El Cervantes se convierte así en escenario de un regreso a las raíces, pero no para quedarse en ellas. La tradición gauchesca vuelve a escena transformada en música, danza, palabra e imagen. Y el viejo Santos Vega, entre payadas, malambos y fantasmas, vuelve a preguntar qué queda de aquello que alguna vez llamamos propio.

Ficha técnico artística

Autoría:

Luis Bayón Herrera

Versión:

Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca, Andrés Sahade

Intérpretes:

Rosario Albornoz, Gonzalo Amor, Rosario Ascencio, Paraná Berreta, Gabriela Biebel, Fabricio Blanco, Camilo Carabajal, Martha Humbert Dunoyer, Federico LLambí, Emiliano Luna, Soledad Mangia, Yacaré Manso, Pedro Maurizi, Florencia Mendizabal, Roberto Monzo, Guido Napolitano, Mariana Ortiz Losada, Mariela Passeri, Solsiré Pinto, Gimena Riestra, Maia Roldán, Alejandro Segovia, Fernando Fefo Sellés, Rodrigo Vallejos, Eliana Vazquez, Alejandro Viola

Diseño de vestuario:

Analía Cristina Morales

Diseño de escenografía:

Paola Delgado, Ariel Vaccaro

Diseño sonoro:

Pablo Minici

Diseño Audiovisual:

Franco Gregoris

Música original:

Diego Pérez

Diseño De Iluminación:

Sandro Pujia

Fotografía:

Mauricio Caceres

Coaching De Baile:

Adrián El Pola Verges

Asistencia de dirección:

Pablo Lopez, Marcelo Mendez, Alejandro Pellegrino

Arreglos musicales:

Fernando Fefo Sellés

Producción:

Silvia Oleksikiw

Coreografía:

Gustavo Carrizo

Coreografía Asociada:

Rosario Ascencio

Coach Vocal:

Katie Viqueira

Dirección musical:

Fernando Fefo Sellés

Co-Dirección:

Guadalupe Bervih, Andrés Sahade

Dirección general:

Daniel Casablanca

Composición Musical:

Diego Pérez, Fernando Fefo Sellés

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos, Musical, Artes Escénicas

TEATRO NACIONAL CERVANTES
Libertad 815 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 4816-4224
Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/
Domingo, Jueves, Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 13/12/2026

12

A CIELO ABIERTO, cuando el amor se encuentra con las ideas

 Una noche de invierno. Una casa modesta. Dos personas que alguna vez se amaron y que ahora se encuentran paradas en veredas ideológicas diferentes. Sobre esa situación aparentemente sencilla, David Hare construye en A cielo abierto un intenso duelo verbal en el que el amor, el deseo y las convicciones entran permanentemente en conflicto.

Luis, un empresario exitoso, llega dispuesto a recuperar algo de aquello que quedó pendiente con Ana, una maestra de escuela pública. Pero el reencuentro rápidamente abandona cualquier posibilidad de nostalgia. Las diferencias sobre la forma de entender el mundo aparecen en cada conversación y convierten el espacio doméstico en un campo de batalla donde cada argumento puede transformarse en una herida.

La versión de Paula Reca y Eliseo Barrionuevo consigue acercar el texto al presente sin perder su carácter de drama de ideas. La traducción busca naturalidad y permite que los extensos intercambios verbales no se conviertan en discursos abstractos: detrás de cada discusión hay una historia afectiva que todavía permanece abierta.

Paula Reca construye a Ana desde una firmeza que no excluye la vulnerabilidad. Su personaje defiende sus elecciones y su compromiso social, pero también debe enfrentarse con aquello que todavía siente. Luis Bermejo, por su parte, compone a Luis desde una seguridad que progresivamente comienza a resquebrajarse. Felipe Saade completa el triángulo y funciona como una presencia que modifica la intimidad del encuentro.

La dirección de Mey Scápola apuesta a que el conflicto surja principalmente de los cuerpos y las palabras. El espacio cerrado potencia la sensación de encierro: no hay escapatoria posible cuando cada argumento devuelve al otro hacia aquello que preferiría no mirar. La tensión crece justamente porque ninguno de los dos puede abandonar completamente sus ideas ni sus sentimientos.

El mayor interés de A cielo abierto está en no convertir el enfrentamiento en una disputa donde exista una respuesta correcta. Hare pone en tensión dos formas de mirar la vida y deja que ambas se contradigan, se defiendan y también se contaminen. Porque cuando el amor reaparece, las certezas ideológicas dejan de ser tan sólidas.

Una obra sobre el deseo, pero también sobre el precio de sostener aquello en lo que creemos cuando la persona que tenemos enfrente todavía consigue conmovernos.

Autor David Hare

Traducción y adaptación Paula Reca, Eliseo Barrionuevo

Supervisión Javier Daulte

Dirección Mey Scápola

elenco

Luis Bermejo

Paula Reca

Felipe Saade

 equipo artístico-técnico

Diseño de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de vestuario Mariana Seropian

Diseño de iluminación Matías Sendón

Música original y diseño sonoro Diego Vainer

Colaboración artística Juan Branca

Asistencia de dirección Nacho Ciatti

Asistencia de escenografía Guadalupe Borrajo

Asistencia de iluminación Sergio Gillo

equipo CTBA

Coordinación de producción artística Mateo Milione

Coordinación de producción técnica Pablo Yurrebaso

Coordinación técnica de escenarios Cecilia Nuñez, Tomás Savino, Celeste Faillace

Coordinación de talleres de escenografía Guadalupe Borrajo

Coordinación de talleres de vestuario Camila Ferrín

Las funciones serán de jueves a domingos a las 20 horas. La duración del espectáculo es de 80 minutos y las localidades tendrán un valor de $18.000 (jueves $10.000) a la venta en www.complejoteatral.gob.ar.

Los días viernes 18, sábado 19 y domingo 20 a las 20 horas, A cielo abierto se presentará en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).

Teatro Regio, Av. Córdoba 6056