viernes, 7 de agosto de 2026

DESPUÉS DEL DESPUÉS

 Hay momentos en que la vida parece detenerse justamente cuando una cree que todo ya pasó. Ese es el punto de partida de Después del después, de Paula Simkin, una comedia íntima que encuentra en el humor una manera inteligente y sensible de hablar sobre los vínculos, los mandatos y, sobre todo, la posibilidad de elegir quién queremos ser.

Mariana ha atravesado los últimos años después de una separación y, cuando su antigua pareja reaparece con la intención de volver, ese regreso funciona como disparador para revisar su propia historia. Pero la obra no se concentra en la pregunta acerca de si debe volver con él, sino en algo mucho más profundo: qué queda de una mujer cuando deja de definirse a partir de la pareja, los hijos o los roles que la sociedad le asignó.

La dramaturgia de Simkin, nacida a partir de una consigna vinculada al célebre texto de Jacques Prévert, propone un recorrido lúdico por recuerdos, desencuentros y experiencias afectivas. La escena se transforma en un territorio de juego donde pasado y presente dialogan, mientras Mariana intenta encontrar una identidad que no dependa de aquello que alguna vez creyó que debía ser.

La dirección de Mónica Felippa trabaja con precisión el tono de la propuesta, combinando humor, reflexión y momentos de genuina emoción. El cuerpo y el movimiento adquieren particular importancia en la construcción del personaje, mientras el vestuario y la escenografía de Jorgelina Herrero Pons aportan una dimensión visual que acompaña sus transformaciones.

Laura Otermin sostiene el unipersonal con una actuación de gran ductilidad. Transita diferentes estados emocionales sin perder espontaneidad y consigue que Mariana resulte cercana, contradictoria y profundamente humana. Su trabajo encuentra en el humor una herramienta para revelar aquello que, dicho de manera solemne, podría perder fuerza.

Después del después habla de separaciones, de amores que regresan y de caminos que se creían definitivos. Pero, sobre todo, habla de la posibilidad de comenzar otra vez cuando una descubre que la propia identidad no está escrita de antemano. Una obra cálida, inteligente y vital que invita a preguntarse qué sucede después de todo aquello que alguna vez creímos que era el final.


EL CRISOL
Malabia 611 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 48543003/ 1157683732
Web: http://www.teatroelcrisol.com.ar
Viernes - 20:00 hs - Del 07/08/2026 al 28/08/2026

LOS BORDES DEL SOL, UNA FÁBULA GRIEGA

 En Los bordes del sol, una fábula griega, Rafael Calomino construye una sociedad cerrada, atravesada por la religión, el miedo y la obediencia, donde el poder se sostiene tanto desde el púlpito como desde la autoridad policial. En ese universo asfixiante, cualquier gesto de disidencia adquiere una dimensión profundamente política.

La llegada de Petros funciona como un elemento disruptivo que altera el orden establecido y obliga a poner en evidencia aquello que la comunidad prefiere mantener oculto. Su rebeldía no solo cuestiona las normas sociales: también deja al descubierto la arquitectura de privilegios sobre la que se sostiene ese pequeño mundo. La obra plantea así una tensión permanente entre quienes aceptan el orden impuesto y quienes se atreven a imaginar otra posibilidad.

La dramaturgia y dirección de Calomino apuestan por una atmósfera cargada de simbolismo, donde lo religioso y lo cotidiano se entrelazan para construir una mirada crítica sobre los mecanismos de control social. El trabajo coral del elenco —Maby González, María La Venia, Claudia Mac Auliffe, Thomas Maldonado, Gustavo May, Henry Meziat y Agustina Roumich Laspita— sostiene la intensidad de una comunidad en la que cada personaje parece revelar una pieza del entramado de poder.

La escenografía cooperativa, la iluminación de Manuel Mazza y la música original de Calomino contribuyen a crear un espacio escénico que refuerza el clima opresivo y el carácter alegórico de la propuesta.

Los bordes del sol es, en definitiva, una obra sobre el miedo, el poder y la posibilidad de romper con aquello que parece inamovible. Una puesta que encuentra en la irrupción de lo diferente la oportunidad de revelar las fisuras de un sistema y recordar que, incluso en las sociedades más cerradas, siempre existe un lugar por donde puede comenzar algo nuevo.


EL TINGLADO TEATRO
Mario Bravo 948 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Entrada: $ 30.000,00 - Jueves - 20:00 hs - Hasta el 27/08/2026

ANÓNIMO

¿Qué ocurre cuando una emoción, un gesto o una acción pueden ser capturados, archivados y reproducidos infinitamente? ANÓNIMO parte de esta pregunta para investigar qué significa ser actor en un presente atravesado por el avance acelerado de la tecnología.

En esta residencia de creación e investigación, Nicolás Goldschmidt es intérprete y, al mismo tiempo, materia de experimentación. Ya no construye un personaje: produce gestos, emociones y acciones destinados a convertirse en material disponible. El cuerpo del actor queda así atrapado entre su condición humana y la posibilidad de transformarse en archivo, poniendo en crisis aquello que históricamente hizo del teatro una experiencia única e irrepetible: la presencia.

La propuesta se sostiene en un dispositivo escénico donde el diseño sonoro de Tomás Pol, el diseño visual de Moreno Pereyra, la iluminación de Jorge Pastorino y la coreografía de Merlina Crawley Ruibal dialogan con el trabajo corporal de Goldschmidt. El vestuario de Cecilia Turnes, la realización escenográfica de Cristian Nahuel Vera y el maquillaje FX de Agustina Cirigliano completan un universo visual que acentúa la tensión entre cuerpo, imagen y tecnología.

Con idea y dirección artística del propio Goldschmidt, y tutorías de Alejandro Tantanian, Pablo Rotemberg y Guillermina Etkin, ANÓNIMO se presenta menos como una obra cerrada que como un laboratorio performático en proceso. Su mayor interés reside precisamente en las preguntas que deja abiertas: ¿qué queda de la experiencia cuando puede ser reproducida? ¿Qué lugar ocupa el actor cuando su gesto puede independizarse de su cuerpo? ¿Y qué aspectos de lo humano permanecerán necesariamente fuera del archivo?

ANÓNIMO convierte esas preguntas en materia escénica y propone una experiencia inquietante sobre el futuro de la actuación. Frente a una tecnología que parece avanzar hacia la reproducción perfecta, la obra reivindica, paradójicamente, el valor de aquello que no puede copiarse: la presencia viva, frágil y efímera del cuerpo en escena. 


FICHA TÉCNICA
Intérprete: Nicolás Goldschmidt
Diseño sonoro: Tomás Pol
Diseño visual: Moreno Pereyra
Coreografía: Merlina Crawley Ruibal
Diseño de vestuario: Cecilia Turnes
Diseño de iluminación: Jorge Pastorino
Realización escenografica: Cristian Nahuel Vera
Prensa: Mutuverría PR
Fotografia: Violeta Capasso
Maquilladora FX: Agustina Ciriglioni
Tutorías: Alejandro Tantanian, Pablo Rotemberg, Guillermina Etkin
Producción artística: Micaela Irina Zaninovich
Idea y dirección artística: Nicolás Goldschmidt

Apertura al público: miércoles 5 y 12 de agosto a las 21 horas y 2 de septiembre.
Entradas en venta por la web de CCKonex.

martes, 4 de agosto de 2026

LA SEMANA DEL DILUVIO

 La semana del diluvio, de la dramaturga catalana Eva Hibernia, construye un inquietante universo donde el agua, el tiempo y la memoria se convierten en protagonistas silenciosos. Ambientada en un pequeño hotel de provincia aislado por las inundaciones, la obra transforma ese espacio de tránsito en un refugio para quienes cargan con heridas que el pasado aún no ha dejado cicatrizar.

La llegada de una mujer que parece huir de un secreto, el arribo de un hombre aferrado a la ilusión de recuperar un tiempo perdido y la presencia de una hotelera que convive con la muerte como parte de su cotidianeidad conforman un triángulo de personajes atravesados por la culpa, el deseo y la necesidad de redención. A ellos se suma el fantasma de una joven, cuya presencia altera el delicado equilibrio entre los vivos y aquello que permanece sin resolver.

Lejos de apoyarse en los recursos del suspenso convencional, Hibernia escribe una pieza de gran densidad poética, donde lo sobrenatural dialoga con lo íntimo y donde el diluvio funciona como una poderosa metáfora de aquello que irrumpe para arrasar con los silencios. La dirección de Alejandro Giles acompaña ese clima con una puesta de marcada sensibilidad, privilegiando la atmósfera por sobre el efectismo y permitiendo que las actuaciones desplieguen toda la complejidad emocional de los personajes.

La semana del diluvio habla de los secretos que inmovilizan, de las pérdidas que persisten y de la posibilidad de encontrar, incluso en medio de la devastación, un camino hacia la reparación. Una obra de delicada belleza, donde el teatro se convierte en un territorio para reconciliarse con aquello que durante demasiado tiempo permaneció en silencio.


ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Lunes - 20:00 hs - Del 03/08/2026 al 28/09/2026 y Del 05/10/2026 al 26/10/2026
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SIMONE WEIL la virgen Roja

 Simone Weil. La Virgen Roja propone un encuentro con la vida y el legado de Simone Weil (1909-1943), una de las figuras más extraordinarias del pensamiento francés del siglo XX. Filósofa, ensayista, obrera por elección, militante política y mística, Weil desarrolló una obra que desafía cualquier clasificación. Formada en la prestigiosa École Normale Supérieure, fue discípula del filósofo Alain y dedicó gran parte de su vida a pensar las relaciones entre el trabajo, la opresión, la libertad y la justicia.

Su compromiso con la realidad nunca fue únicamente intelectual. En 1934 abandonó temporalmente la docencia para trabajar en las fábricas de Renault y Alsthom, convencida de que solo la experiencia directa permitía comprender la explotación obrera. Dos años más tarde viajó a España para sumarse a las milicias republicanas durante la Guerra Civil Española, experiencia que marcaría profundamente su pensamiento sobre la violencia. Durante la ocupación nazi de Francia se exilió junto a su familia y llegó a Londres, donde colaboró con la Francia Libre encabezada por Charles de Gaulle. Enferma de tuberculosis, murió en 1943 con apenas treinta y cuatro años, tras negarse a recibir una alimentación superior a la ración destinada a los franceses que sufrían la guerra.

Sobre ese recorrido biográfico y filosófico se apoya la propuesta creada por Ingrid Pelicori, quien selecciona, traduce e interpreta los textos de Weil con notable sensibilidad. Lejos de construir una biografía escénica, la actriz convierte sus escritos en una experiencia de escucha donde la palabra recupera toda su potencia ética y poética. El piano y la música original de Santiago Chotsourian dialogan con esos pensamientos sin ilustrarlos, generando un clima de profunda contemplación.

La sobriedad de la puesta concentra la atención en las ideas de Weil: la noción de la atención como forma de amor, la dignidad del trabajo, la crítica al totalitarismo, la compasión y la responsabilidad frente al sufrimiento ajeno. No es casual que Albert Camus, responsable de editar parte de su obra después de su muerte, la definiera como "el único gran espíritu de nuestro tiempo".

Simone Weil. La Virgen Roja logra que la filosofía abandone el ámbito académico para convertirse en una experiencia profundamente teatral. Más que recordar a Simone Weil, la obra reactiva un pensamiento cuya lucidez y radicalidad siguen iluminando algunos de los grandes dilemas éticos y políticos del presente.


TADRON TEATRO
Niceto Vega 4802 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar
Entrada: $ 22.000,00 - Sábado - 17:00 hs - Del 01/08/2026 al 29/08/2026






lunes, 3 de agosto de 2026

PAR'ELISA (TIEMPO DE DESPEDIDA)

 Con Par ’Elisa (tiempo de despedida), Jorge Palant y Enrique Dacal regresan a un clásico del teatro argentino para ofrecer una lectura que pone en primer plano la fragilidad de los vínculos y la dificultad de despedirse de aquello que alguna vez dio sentido a la vida compartida. La irrupción de una mujer en el universo cotidiano de una pareja de hombres desestabiliza un equilibrio construido a fuerza de rutinas y silencios, obligando a los tres personajes a enfrentarse con un pasado que creían definitivamente clausurado.

La obra explora con sensibilidad los mecanismos de la memoria afectiva. Viejos gestos, palabras y heridas reaparecen para revelar que el tiempo no siempre cicatriza y que ciertos vínculos permanecen latentes, incluso cuando parecen extinguidos. El embarazo de la mujer introduce un contrapunto esperanzador: la posibilidad de un nuevo comienzo en medio de un escenario atravesado por la incertidumbre y el desencanto.

La dramaturgia evita las respuestas simples y apuesta por personajes complejos, atravesados por el dolor, la melancolía y el deseo. Las discusiones, el humor amargo y los estallidos emocionales construyen un clima de creciente intensidad, donde cada palabra parece cargar el peso de una historia compartida.

Con una puesta que privilegia el trabajo actoral y la intimidad del conflicto, Par ’Elisa (tiempo de despedida) confirma la vigencia de un texto que sigue interrogando las formas del amor, la pérdida y la posibilidad de reconstruir los afectos. Una obra de notable sensibilidad que recuerda que, incluso en los momentos de mayor oscuridad, el nacimiento de una nueva vida puede convertirse en un acto de resistencia y esperanza.


TADRON TEATRO
Niceto Vega 4802 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar
Entrada: $ 22.000,00 - Domingo - 20:00 hs - Del 02/08/2026 al 27/09/2026

domingo, 2 de agosto de 2026

POR AMAR A MARA

 Por amar a Mara parte de una situación tan disparatada como reconocible: una pareja que, tras más de veinte años de convivencia, decide someterse a una terapia neuroelectro-biomolecular para salvar su matrimonio. A partir de esa premisa, la dramaturgia de Diego Carreño construye una comedia donde el absurdo y el humor funcionan como vehículos para explorar los desgastes, las frustraciones y los secretos que habitan toda relación de pareja.

Lo que comienza como una sesión terapéutica pronto se transforma en un territorio imprevisible. Recuerdos olvidados, confesiones inesperadas y contradicciones permanentes desdibujan los límites entre lo real y lo imaginario, mientras los propios terapeutas terminan exhibiendo sus propias fragilidades. La obra propone así un ingenioso juego de espejos en el que nadie conserva el control de la situación.

La dirección de Carlos Belloso imprime un ritmo dinámico que sostiene el crescendo de los enredos y permite que el humor conviva con momentos de genuina emoción. El elenco responde con precisión a las exigencias de la comedia, componiendo personajes tan extravagantes como cercanos, capaces de revelar que detrás de cada situación disparatada se esconden conflictos profundamente humanos.

Por amar a Mara encuentra en el absurdo una forma eficaz de hablar del amor, el paso del tiempo y la necesidad de reinventar los vínculos. Una comedia ágil y entretenida que, entre risas y situaciones desopilantes, recuerda que ninguna terapia puede ofrecer respuestas simples a la complejidad de los afectos.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Diego Carreño

Actúan: Sol Canesa, Diego Carreño, Cecilia Roche, Miguel Angel Vigna

Vestuario: Vanesa Abramovich

Escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño sonoro: Federico Bellver

Diseño De Iluminación: Víctor Chacón

Redes: Mauro Barreiro

Fotografía: Federico Moriconi

Fotos de escena: Mauro Barreiro

Diseño gráfico: María Ana Tapia Sasot

Asistencia de dirección: Federico Bellver

Prensa: Natalia Bocca

Producción general: Malditas Producciones

Dirección: Carlos Belloso

 SÁBADOS A LAS 20:00 hs.

 

La Carpintería Teatro

Jean Jaures 858. CABA

Entrada general: $23.000

 

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 60 minutos


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