SANTOS VEGA : UN REGRESO A LA GAUCHESCA

Volver a Santos Vega es volver a una de las matrices del teatro argentino. La figura del payador que desafía al diablo atraviesa la tradición popular y literaria, pero en esta nueva versión presentada en el Teatro Nacional Cervantes la leyenda funciona, sobre todo, como una puerta de entrada a un imaginario que todavía forma parte de nuestra memoria colectiva.

La propuesta de Daniel Casablanca no intenta reconstruir arqueológicamente aquel teatro gauchesco de fines del siglo XIX. Por el contrario, recupera sus formas —la música, la danza, el canto, la payada, el humor y los personajes populares— para convertirlas en una experiencia escénica de gran vitalidad. El resultado es un espectáculo coral, de ritmo sostenido, donde la tradición aparece menos como una pieza de museo que como una materia viva capaz de dialogar con el presente.

La puesta apuesta decididamente por lo colectivo. Un numeroso elenco ocupa el escenario y construye una sucesión de escenas, canciones y cuadros que remiten a fiestas populares, enfrentamientos, romances y tragedias. La música original y los arreglos de Diego Pérez y Fernando Fefo Sellés, junto con las coreografías de Gustavo Carrizo, tienen un papel central: no funcionan como mero acompañamiento sino como motor dramático.

También resulta significativo el trabajo sobre el cuerpo. Los intérpretes construyen un universo en el que el gesto, el desplazamiento, el zapateo y la danza recuperan códigos de la tradición rural y los transforman en lenguaje teatral. La escenografía de Paola Delgado y Ariel Vaccaro, el vestuario de Analía Cristina Morales y el diseño de iluminación de Sandro Pujia colaboran en esa construcción de un espacio que es al mismo tiempo histórico y simbólico.

La versión de Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca y Andrés Sahade se permite condensar y reordenar el material original para privilegiar el carácter de espectáculo. En esa decisión hay tanto una virtud como un riesgo: la abundancia de recursos y la sucesión de cuadros pueden, por momentos, privilegiar la exuberancia visual y musical por sobre la profundidad dramática de la historia.

Pero es justamente en esa celebración colectiva donde la propuesta encuentra su identidad. Santos Vega no pretende solamente contar la leyenda del payador vencido por el Diablo; busca recuperar una forma de hacer teatro que nació estrechamente ligada al público y a la cultura popular.

El Cervantes se convierte así en escenario de un regreso a las raíces, pero no para quedarse en ellas. La tradición gauchesca vuelve a escena transformada en música, danza, palabra e imagen. Y el viejo Santos Vega, entre payadas, malambos y fantasmas, vuelve a preguntar qué queda de aquello que alguna vez llamamos propio.

Ficha técnico artística

Autoría:

Luis Bayón Herrera

Versión:

Guadalupe Bervih, Daniel Casablanca, Andrés Sahade

Intérpretes:

Rosario Albornoz, Gonzalo Amor, Rosario Ascencio, Paraná Berreta, Gabriela Biebel, Fabricio Blanco, Camilo Carabajal, Martha Humbert Dunoyer, Federico LLambí, Emiliano Luna, Soledad Mangia, Yacaré Manso, Pedro Maurizi, Florencia Mendizabal, Roberto Monzo, Guido Napolitano, Mariana Ortiz Losada, Mariela Passeri, Solsiré Pinto, Gimena Riestra, Maia Roldán, Alejandro Segovia, Fernando Fefo Sellés, Rodrigo Vallejos, Eliana Vazquez, Alejandro Viola

Diseño de vestuario:

Analía Cristina Morales

Diseño de escenografía:

Paola Delgado, Ariel Vaccaro

Diseño sonoro:

Pablo Minici

Diseño Audiovisual:

Franco Gregoris

Música original:

Diego Pérez

Diseño De Iluminación:

Sandro Pujia

Fotografía:

Mauricio Caceres

Coaching De Baile:

Adrián El Pola Verges

Asistencia de dirección:

Pablo Lopez, Marcelo Mendez, Alejandro Pellegrino

Arreglos musicales:

Fernando Fefo Sellés

Producción:

Silvia Oleksikiw

Coreografía:

Gustavo Carrizo

Coreografía Asociada:

Rosario Ascencio

Coach Vocal:

Katie Viqueira

Dirección musical:

Fernando Fefo Sellés

Co-Dirección:

Guadalupe Bervih, Andrés Sahade

Dirección general:

Daniel Casablanca

Composición Musical:

Diego Pérez, Fernando Fefo Sellés

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos, Musical, Artes Escénicas

TEATRO NACIONAL CERVANTES
Libertad 815 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 4816-4224
Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/
Domingo, Jueves, Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 13/12/2026

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A CIELO ABIERTO, cuando el amor se encuentra con las ideas

 Una noche de invierno. Una casa modesta. Dos personas que alguna vez se amaron y que ahora se encuentran paradas en veredas ideológicas diferentes. Sobre esa situación aparentemente sencilla, David Hare construye en A cielo abierto un intenso duelo verbal en el que el amor, el deseo y las convicciones entran permanentemente en conflicto.

Luis, un empresario exitoso, llega dispuesto a recuperar algo de aquello que quedó pendiente con Ana, una maestra de escuela pública. Pero el reencuentro rápidamente abandona cualquier posibilidad de nostalgia. Las diferencias sobre la forma de entender el mundo aparecen en cada conversación y convierten el espacio doméstico en un campo de batalla donde cada argumento puede transformarse en una herida.

La versión de Paula Reca y Eliseo Barrionuevo consigue acercar el texto al presente sin perder su carácter de drama de ideas. La traducción busca naturalidad y permite que los extensos intercambios verbales no se conviertan en discursos abstractos: detrás de cada discusión hay una historia afectiva que todavía permanece abierta.

Paula Reca construye a Ana desde una firmeza que no excluye la vulnerabilidad. Su personaje defiende sus elecciones y su compromiso social, pero también debe enfrentarse con aquello que todavía siente. Luis Bermejo, por su parte, compone a Luis desde una seguridad que progresivamente comienza a resquebrajarse. Felipe Saade completa el triángulo y funciona como una presencia que modifica la intimidad del encuentro.

La dirección de Mey Scápola apuesta a que el conflicto surja principalmente de los cuerpos y las palabras. El espacio cerrado potencia la sensación de encierro: no hay escapatoria posible cuando cada argumento devuelve al otro hacia aquello que preferiría no mirar. La tensión crece justamente porque ninguno de los dos puede abandonar completamente sus ideas ni sus sentimientos.

El mayor interés de A cielo abierto está en no convertir el enfrentamiento en una disputa donde exista una respuesta correcta. Hare pone en tensión dos formas de mirar la vida y deja que ambas se contradigan, se defiendan y también se contaminen. Porque cuando el amor reaparece, las certezas ideológicas dejan de ser tan sólidas.

Una obra sobre el deseo, pero también sobre el precio de sostener aquello en lo que creemos cuando la persona que tenemos enfrente todavía consigue conmovernos.

Autor David Hare

Traducción y adaptación Paula Reca, Eliseo Barrionuevo

Supervisión Javier Daulte

Dirección Mey Scápola

elenco

Luis Bermejo

Paula Reca

Felipe Saade

 equipo artístico-técnico

Diseño de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de vestuario Mariana Seropian

Diseño de iluminación Matías Sendón

Música original y diseño sonoro Diego Vainer

Colaboración artística Juan Branca

Asistencia de dirección Nacho Ciatti

Asistencia de escenografía Guadalupe Borrajo

Asistencia de iluminación Sergio Gillo

equipo CTBA

Coordinación de producción artística Mateo Milione

Coordinación de producción técnica Pablo Yurrebaso

Coordinación técnica de escenarios Cecilia Nuñez, Tomás Savino, Celeste Faillace

Coordinación de talleres de escenografía Guadalupe Borrajo

Coordinación de talleres de vestuario Camila Ferrín

Las funciones serán de jueves a domingos a las 20 horas. La duración del espectáculo es de 80 minutos y las localidades tendrán un valor de $18.000 (jueves $10.000) a la venta en www.complejoteatral.gob.ar.

Los días viernes 18, sábado 19 y domingo 20 a las 20 horas, A cielo abierto se presentará en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).

Teatro Regio, Av. Córdoba 6056

EL MISTERIO DE UNA IDENTIDAD

 Un argentino llega a Nueva York en 1978 sin memoria, sin pasado y casi sin palabras. El señor Ramírez, confinado a una silla de ruedas, despierta la curiosidad de Larry, el joven encargado de acompañarlo. Entre ambos se establece una relación enigmática en la que las preguntas cambian de destinatario y el cuidador termina convirtiéndose también en interrogado.

A partir de la novela de Manuel Puig, escrita durante su exilio neoyorquino, Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz realizan una adaptación que recupera con eficacia algunos de los grandes temas del escritor: el desarraigo, la identidad, la memoria y la necesidad de reconstruir una historia personal atravesada por la historia política argentina.

Luis Campos compone a Ramírez desde la ambigüedad. Su personaje puede parecer vulnerable por su amnesia y su discapacidad, pero rápidamente revela una capacidad de manipulación que modifica el vínculo con Larry. Mateo Chiarino sostiene con naturalidad el desconcierto de un hombre que comienza intentando comprender a otro y termina exponiendo sus propias heridas. Luz Miraldi completa el elenco aportando diferentes matices a una trama que necesita de cambios de registro para avanzar.

La dirección de Moncarz evita el naturalismo y propone un espacio escénico abierto, donde el asilo y las calles de Nueva York se construyen mediante la iluminación, el sonido y el trabajo de los actores. La escenografía y el diseño lumínico de Ricardo Sica colaboran en esa atmósfera de extrañamiento, mientras la música y el diseño sonoro de Tom CL acompañan el carácter casi cinematográfico de algunas transiciones.

El hallazgo de los libros enviados desde Argentina funciona como detonante de una segunda historia: detrás del hombre amnésico hay un exiliado y, detrás del exilio, una experiencia que necesita ser recuperada. La memoria individual se encuentra entonces con una memoria histórica que todavía duele.

La obra no busca solamente descubrir quién es Ramírez. Su verdadero interrogante pasa por aquello que hacemos con nuestro pasado cuando recordar también significa enfrentarnos con aquello que quisimos olvidar. Y allí, en esa zona donde la intimidad se cruza con la historia, la vigencia de Puig vuelve a hacerse evidente.

Ficha técnico artística

Autoría:

Manuel Puig

Adaptación:

Marcelo Moncarz, Claudia Piñeiro

Actúan:

Luis Campos, Mateo Chiarino, Luz Miraldi

Escenografía:

Alejandro Mateo

Diseño de vestuario:

Alejandro Mateo

Diseño sonoro:

Tom CL

Realización escenográfica:

Geronimo Tiengo

Música original:

Tom CL

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección:

Glenda Aramburu

Prensa:

Valeria Franchi

Producción ejecutiva:

Adriana Yasky

Puesta en escena:

Marcelo Moncarz

Dirección:

Marcelo Moncarz

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Domingo - 18:00 hs - Hasta el 29/11/2026

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SOY ELLA, una identidad en movimiento

 Soy ella se acerca a La Kalo, una mujer trans del conurbano bonaerense, desde una distancia poco habitual en el documental contemporáneo: la que se construye a partir del tiempo compartido, de la observación paciente y de una cámara que parece buscar menos explicar que acompañar.

La película transita entre dos espacios que se complementan y, a la vez, revelan distintas dimensiones de su protagonista: el escenario, donde La Kalo despliega su presencia y construye una identidad pública, y la vida cotidiana, allí donde aparecen los gestos mínimos, los vínculos y las zonas menos visibles de esa misma identidad. El contraste evita que el relato quede encerrado en una mirada exclusivamente social o testimonial.

Uno de los mayores aciertos del documental está en no convertir a La Kalo en un objeto de estudio. La cámara permanece cerca, pero no invade. En lugar de organizar su experiencia alrededor de explicaciones externas, permite que sea ella quien ocupe el centro del relato, con sus contradicciones, deseos, transformaciones y momentos de intimidad.

La identidad aparece así no como una categoría fija sino como un proceso. La película registra ese movimiento sin pretender clausurarlo con definiciones. Hay algo especialmente valioso en esa decisión: Soy ella no intenta decirle al espectador quién es La Kalo, sino acompañarlo en el descubrimiento de quién va siendo.

Entre el brillo del escenario y la intimidad de lo cotidiano, el documental construye un retrato sensible que encuentra su potencia justamente en aquello que no necesita subrayar. La Kalo no es presentada como una excepción ni reducida a una historia de superación: es una mujer cuya vida, como tantas otras, está hecha de búsquedas, elecciones, vínculos y transformaciones.

Soy ella encuentra en esa cercanía su forma de mirar y en el tiempo su principal herramienta narrativa. Un documental que entiende que acompañar también es una manera de contar.

Argentina, 2026, 85 minutos

4K - DCP Flat - 1.90:1 - audio 5.1

Protagonista · Milena Kalo Navun

Dirección · Cecilia Pinotti

Producción · Cecilia Pinotti y María Fernández Aramburu

Dirección de fotografía · Virginia Rojas

Cámara · Cecilia Pinotti y Virginia Rojas

Foquista · Mariana Bruno

Asistente de cámara · Isadora Ardito Molina

Sonido directo · Juan José Suarez

Montaje · Cecilia Pinotti

Color · Boreal Color Studio, Guido Tomeo

Títulos · Gorky Films

Postproducción de sonido · La Oreja de Suarez

Diseño de sonido · Juan José Suarez

Editor de diálogos y mezcla · Miguel Kancepolsky

Mezcla · Francisco Pedemonte

Música · KRSSV, Rafael Krux

Corrección de subtítulos · Nina Kaelin

Diseño de poster · Neta Zeta

Distribución · Cinetren

Prensa · Julieta Bilik

FESTIVALES

FICPBA – Selección en Competencia de Largometrajes Bonaerenses 

Festival Cine de las Alturas – Competencia Nacional Work in Progress (Premio a Proyecto Wip de las Alturas)

ÉRAMOS TAN FLACOS, cuando las imágenes vuelven a hablar

 Hay algo profundamente cinematográfico en volver a mirar unas imágenes filmadas hace treinta años. No solo porque el tiempo haya modificado aquello que muestran, sino porque también transformó la mirada de quien las registró. En la mitad de los años 90, un joven recorre La Plata con una cámara VHS y filma las movilizaciones estudiantiles contra la Ley de Educación Superior. Hoy, Carlos Castro recupera ese archivo personal y lo convierte en materia de un documental que interroga una época y, al mismo tiempo, el presente desde el que esa época es revisitada.

La película encuentra en la textura del VHS su primera y más poderosa marca estética. La imagen granulada, los encuadres espontáneos, los movimientos propios de una cámara que registra en medio de la acción construyen una proximidad que difícilmente podría reproducirse mediante una reconstrucción contemporánea. No estamos frente a imágenes que pretenden representar el pasado: son fragmentos concretos de ese pasado que sobreviven y regresan para ser interrogados.

El montaje de Pedro Barandiarán tiene entonces una tarea fundamental. Ordenar materiales heterogéneos —archivo personal, investigación y registros de otra naturaleza— sin neutralizar su potencia. El documental no se limita a ilustrar un episodio de la historia universitaria: establece relaciones entre aquellas imágenes y el clima político de los años 90, entre las consignas de entonces y las preguntas que todavía persisten.

En ese sentido, la película trabaja con una tensión interesante entre memoria personal e historia colectiva. Lo que comienza como el registro de un joven estudiante termina adquiriendo una dimensión generacional. Las calles de La Plata, las aulas y las movilizaciones dejan de ser únicamente escenarios de una protesta para convertirse en el territorio donde se formaron determinadas formas de participación política.

La cámara que alguna vez registró el presente sin saber qué lugar ocuparía en el futuro termina funcionando como una máquina de memoria. Y allí reside uno de los mayores aciertos del documental: comprender que el archivo no es un material muerto que simplemente debe ser recuperado, sino una imagen capaz de volver a producir preguntas.

Más que reconstruir una época, la película la hace regresar. Y en ese regreso, aquellas imágenes VHS adquieren una nueva dimensión: ya no son solamente el testimonio de lo que ocurrió, sino también la evidencia de que aquello que parecía clausurado —la discusión, el conflicto, la participación política— continuaba latiendo debajo de la superficie.

Una película de Carlos Castro

ESTRENO EN CINES:
24 de Septiembre de 2026
SALAS Y FUNCIONES
- Cine Gaumont: Funciones 24 y 25 de septiembre a las 20.30
- Cine Select - La Plata del 1 al 7 de octubre 18:30,
excepto domingo 4 a las 18:00.
- Cineclub Proyecciones Terrestres - La Plata: Domingo 4/10 - 19:00; Sábado 10/10 - 20:00; Jueves 15/10 - 19:00: Domingo 18/10 - 17:00;
Lunes 26/10 - 21:00; Viernes 30/10 - 20:00.
RECORRIDO POR FESTIVALES

3° FICPBA – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES (2025)
Competencia de Largometraje Bonaerense
Ganador – Mejor Documental
Ganador – Mejor Dirección Documental
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)
Mención Especial – Sonido (Premio ASA - Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales)

21° FICDH – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DERECHOS HUMANOS DE BUENOS AIRES (2025)
Ganador – Primer Premio RAFNA (Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales)
Ganador – Primer Premio Voto del Público

8° FESTIVAL DE CINE EN GRANDE (Tierra del Fuego, 2025)
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)

20° FESAALP – FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE LA PLATA (2025)
Mención Especial – Mejor Película (Sección La Plata Filma)

BARCIF – BARCELONA INDIE FILM MAKERS FEST (España, 2026)
Nominación – Mejor Película
Nominación – Mejor Director

22° FESTIVAL DE CINE Y DERECHOS HUMANOS DE SAN SEBASTIÁN / GIZA ESKUBIDEEN ZINAMALDIA (España, 2025)
Selección Oficial
- Sala Lúcida: Función 22 de octubre a las 20:00

CALIFICACIÓN:
G (Audiencia General)

DURACIÓN: 
81 min.

FICHA TÉCNICA

Guion y Dirección: CARLOS CASTRO
Montaje: PEDRO BARANDIARÁN
Producción General: ADRIÁN BERTUZZI, SILVINA HERMOSA
Producción Ejecutiva: TATIANA ZLATAR, CARLOS CASTRO
Jefe de Producción: MIGUEL D´ELIA
Investigación de Archivo: CARLOS CASTRO, PAULA ESPERANZA VALDEZ, ESTEBAN GIL GARCÍA, TATIANA ZLATAR, MARCO IANNARELLI
Investigación: ESTEBAN GIL GARCÍA, PAULA ESPERANZA VALDEZ
Cámara: SEBASTIÁN MIGLIO
Sonido: MATÍAS OLMEDO, HERNÁN BIASSOTTI, MÚSICA ORIGINAL, JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Música Original: JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Postproducción de sonido: CARLOS TANONI
Dosificación de Color: PEDRO BARANDIARÁN
Asistencia de producción: ARIEL OLIVARES
Asistencia de Edición: LAUTARO BARRAGAN


DATOS TÉCNICOS

País: ARGENTINA
Año: 2025
Duración: 80
Idioma: ESPAÑOL