OXITTOCINA (INÉS Y LOS PERROS)

 OXITOCINA (INÉS Y LOS PERROS): LA MATERNIDAD BAJO SOSPECHA

En Oxitocina (Inés y los perros), Dennis Smith, autor y director de la propuesta, se interna en las contradicciones de la maternidad contemporánea a través de una comedia incómoda y mordaz. El título remite a la hormona asociada al apego y al vínculo afectivo, pero la obra pone en cuestión la idea de que el amor materno sea un sentimiento automático, natural e inevitable. ¿Cuánto hay de instinto y cuánto de mandato social en aquello que se espera de una madre?

En su primer unipersonal, Florencia Raggi asume el desafío de sostener una propuesta centrada en las tensiones entre el deseo, las exigencias sociales y las zonas menos confesables de la experiencia materna. La comicidad funciona como una vía para desarmar idealizaciones y exponer las contradicciones de un modelo que todavía exige entrega absoluta, paciencia y felicidad sin fisuras. Lo incómodo surge, precisamente, cuando esas expectativas chocan con la complejidad de los sentimientos reales.

La dramaturgia de Smith apuesta a un humor incisivo, capaz de abrir preguntas sin convertirlas en respuestas tranquilizadoras. La escenografía, el vestuario y la iluminación acompañan la construcción del universo escénico, mientras la música original suma una dimensión expresiva a esta exploración de los vínculos y sus ambivalencias.

Oxitocina (Inés y los perros) propone correr a la maternidad del lugar idealizado que suele ocupar en el imaginario colectivo para observar sus zonas de conflicto. Una comedia que busca provocar tanto la risa como la incomodidad y que invita a pensar cuánto pesan los mandatos culturales sobre una experiencia íntima y diversa.

La obra, de 55 minutos de duración, se estrenó el sábado 17 de octubre en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín. Las funciones están previstas de jueves a domingos, a las 19.30, hasta el 1° de noviembre.

intérprete

Florencia Raggi

equipo artístico-técnico

Diseño de escenografía Julia Freid, Florencia Tutusaus

Diseño de vestuario Pablo Ramírez

Diseño de iluminación Adrián Grimozzi

Música original Dennis Smith

Supervisión de movimiento Laura Waisman

Colaboración artística Javier Furgang

Asistencia de vestuario Sofia Davies

 

equipo CTBA

Coordinación de producción artística Leandro Rosenbaum

Coordinación de producción técnica Abril Leverone

Coordinación técnica de escenarios Cecilia Nuñez

Coordinación de talleres de escenografía Camila Ferrín

Coordinación de talleres de vestuario Laura Parody

Platea $26.000 - Jueves $15.000

• Funciones: Desde el 17/10 hasta el 1°/11 Jueves a domingos, 19.30 horas
• Duración: 55 minutos
• Valor de las localidades: Platea $26.000 Jueves $15.000
• Dónde: Teatro San Martín, Sala Cunill Cabanellas
• Dirección: Av. Corrientes 1530

Venta de entradas sólo con tarjeta de crédito o débito

SUSAN RINALDI, LIBRE

SUSANA RINALDI, LIBRE: LA VOZ QUE CONQUISTÓ EL TANGO

El documental Susana Rinaldi, libre, dirigido por Isabel Marcenaro y escrito junto con Alejandro Ollivier, propone un recorrido por la vida y la trayectoria de una artista que construyó un lugar singular en la historia del tango. A través de su vínculo con la literatura, el teatro y la poesía, la película recupera el camino de una intérprete que hizo de la palabra una herramienta expresiva y una forma de libertad.

La cámara encuentra a Rinaldi en una sala de cine, donde evoca momentos de su vida frente a imágenes de archivo. Sus lecturas de letras de tango y textos de autores elegidos funcionan como hilo conductor de un relato que enlaza memoria personal e historia cultural. Más que detenerse en una sucesión de datos biográficos, la propuesta busca acercarse a la sensibilidad de una mujer que supo imprimirle al tango una identidad propia, desafiando las convenciones de un ámbito históricamente dominado por hombres.

Los testimonios de familiares y personas cercanas amplían esa mirada, mientras el material de archivo permite recuperar distintas etapas de una trayectoria artística marcada por la intensidad interpretativa y la atención al sentido de cada palabra. En ese cruce entre voz, imagen y recuerdo, el documental encuentra su principal interés: mostrar cómo una artista puede transformar una tradición sin renunciar a sus raíces.

Susana Rinaldi, libre es también una reflexión sobre la independencia creativa y la persistencia de una voz que no se limitó a interpretar canciones, sino que hizo de ellas una forma de decir y de estar en el mundo.

El largometraje, una coproducción de Argentina y Francia de 2025, tiene una duración de 80 minutos y se estrena el jueves 22 de octubre en el Cine Gaumont, donde se proyectará hasta el 28 de octubre, a las 18.45, en la sala 3. La distribución está a cargo de Cinetren. 

FICHA TÉCNICA

Elenco-Entrevistado/a(s): SUSANA RINALDI, INÉS RINALDI, ALFREDO PIRO,
LIGIA PIRO, JUAN CARLOS CUACCI, JUAN ESTEBAN CUACCI
Dirección de fotografía: CONNIE MARTIN
Montaje: NICOLAS VIDAL
Sonido: CAROLINA PEREZ SANDOVALL (AR), MICHEL ADAMIK (FR)
Música ORIGINAL: SEBASTIAN VOLCO
Productores asociados: ISABEL MARCENARO, MAXIMILIANO DUBOIS, CARLOS WINOGRAD
Producción ejecutiva: ISABEL MARCENARO, ALEJANDRO OLLIVIER,
MAXIMILIANO DUBOIS, GERMAN SARSOTTI
Compañía(s) productora(s): COCKTAIL MOVIES, HABITACIÓN 15.20
Guion: ISABEL MARCENARO Y ALEJANDRO OLLIVIER
Dirección: ISABEL MARCENARO  
 
Año: 2025
Idioma: Español
Duración:  80 minutos
Género: Documental
País: Argentina / Francia

Distribuye: Cinetren

ESTRENO 22 DE OCTUBRE
CINE GAUMONT
(22 al 28/10)
Funciones 18.45h.
SALA 3

ÁNGEL

 A partir de los tres primeros episodios de sus seis capítulos, Ángel, la serie uruguaya creada, escrita y dirigida por Manuel Soriano, presenta a un dramaturgo frustrado que encuentra una forma singular de intervenir en conflictos ajenos: recrear los casos mediante representaciones teatrales. Entre el humor negro y la observación de conductas sociales, la ficción aborda temas complejos como la homofobia, la pedofilia, la fe, las desapariciones, la infidelidad y el aborto.

Ángel intenta encontrar respuestas allí donde las certezas se desdibujan, pero sus intervenciones también exponen las contradicciones entre lo que piensa, lo que dice y lo que hace. El recurso teatral funciona como una herramienta para reconstruir situaciones y poner en escena aquello que permanece oculto; al mismo tiempo, abre interrogantes sobre los límites de la representación y el riesgo de convertir el dolor ajeno en un relato sujeto a la interpretación.

La serie amplía estos conflictos hacia el ámbito familiar, donde los vínculos tampoco están libres de tensiones ni de verdades incómodas. En ese entramado se destaca la presencia de Terco, el padre de Ángel, interpretado por Gustavo Garzón, cuya historia como exguerrillero agrega otra dimensión a las contradicciones del protagonista.

El blanco y negro de la imagen acompaña el tono de una ficción que evita las respuestas sencillas y trabaja sobre las zonas grises de la conducta humana. En los episodios vistos, Ángel plantea una pregunta sugerente: ¿hasta qué punto una representación puede ayudar a comprender la verdad y cuándo empieza a deformarla? La serie instala ese dilema y deja abierta la expectativa sobre cómo evolucionarán sus personajes y conflictos en la segunda mitad.

PROTAGONISTAS
GUSTAVO SUÁREZ (Ángel)
ANTONELLA COSTA (Kika)
GUSTAVO GARZÓN (Terco)

FICHA TÉCNICA

Guion y dirección: MANUEL SORIANO
Producción: CUENCO CINE / INTERGALACTIC / HERNANDO SILES TV
Asistente de dirección: MATÍAS VIERA
Directora de fotografía: ELISA BARBOSA RIVA
Director de arte: DANIEL FERNÁNDEZ VEGA “CAPPI”
Dirección de sonido: FACUNDO DE CASTRO
Vestuario: LEONOR AROCENA
Maquillaje: PALOMA GONZÁLEZ
Montaje PIERO SABINI / RICARDO FONTANA
Color: ARTEMISA LAB
Música original: CATATUMBO
 
“Ángel” es la primera serie producida de manera cooperativa en Uruguay.


DATOS TÉCNICOS
 
Año: 2025
País: URUGUAY
Episodios: 6
Duración:  30 MINUTOS.
Género: COMEDIA
Color: BLANCO Y NEGRO
Formato: 4K

MUSICALMENTE TUYOS

 En Musicalmente Tuyos, Fernando Albinarrate propone romper las fronteras entre la música clásica y la cultura popular mediante una comedia musical que combina humor, virtuosismo y teatralidad. Bach, Beethoven y Rossini se encuentran con Freddie Mercury, ABBA, Village People y Mariah Carey en una propuesta que desafía las jerarquías musicales y transforma el concierto tradicional en una experiencia escénica descontracturada.

Con Iride Mockert, Ivanna Rossi, Max Accavallo y Mariano Mazzei al frente del elenco, el espectáculo apuesta al cruce entre interpretación, canto y comicidad. El contraste entre repertorios de épocas y estilos diversos abre un espacio para la parodia y la sorpresa, al tiempo que pone en cuestión la división entre lo culto y lo popular. La música deja de ocupar un lugar solemne para convertirse en materia de juego y complicidad con el público.

La orquesta en vivo de doce músicos constituye uno de los pilares de la propuesta. Su presencia aporta potencia sonora y sostiene el diálogo entre universos musicales que, aunque distantes en apariencia, encuentran puntos de contacto en la energía, el ritmo y la capacidad de emocionar.

El desafío de una obra de estas características consiste en que el humor no dependa únicamente del reconocimiento de las canciones o del contraste entre géneros, sino que se integre a una verdadera construcción teatral. La combinación de música y actuación permite explorar esa posibilidad y celebrar la libertad de jugar con las convenciones.

Musicalmente Tuyos invita a escuchar sin prejuicios y a descubrir que la música puede atravesar épocas, estilos y categorías. Una propuesta festiva que encuentra en la mezcla su principal apuesta y reivindica el placer de compartir, reír y dejarse sorprender por el encuentro entre mundos diferentes.

de Fernando Albinarrate 

Libro y letras: Fernando Albinarrate

Música original: Fernando Albinarrate

Elenco: Iride Mockert, Ivanna Rossi, Max Accavallo y Mariano Mazzei

Orquesta en vivo:

Violines: Alejandro Álvarez Fiore (concertino), 

David Felipe Scarpetta y 

Kevin Naranjo

Viola: Violeta Averbuj

Violonchelo: Jason Steven Pérez Cea

Bajo: Pablo Leone

Flauta traversa: Samuel Valenzuela Díaz

Clarinete y saxo: Uriel Kaufman

Trompeta y bandoneón: Joaquín Rodrigo Isla

Trombón: Ernesto Augusto Jose

Percusión: Ariel González

Piano y teclados: Gerardo Delgado

Arreglos musicales y vocales: Gerardo Delgado y Fernando Albinarrate 

Orquestación: Gerardo Delgado

Coreografía: Verónica Pecollo

Colaboración Creativa y Artística: Grupo Ya que estamos

Diseño de luces: Gonzalo Dozo

Diseño de sonido: Ezequiel Kosiner Blanco

Vestuario: CALANDRA- HOCK

Diseño gráfico: Jimena Schwarzbaum

Prensa y comunicación: BMZ Comunicaciones

Dirección musical: Fernando Albinarrate

Dirección general: Fernando Albinarrate y María Pascual

Asistencia de dirección musical: Gerardo Delgado

Producción ejecutiva: Marina Calzado Linage, Amelita Silvera Reyes, Andrea Zanfranceschi y Hernán Abalo

Producción general: Marina Calzado Linage y Fernando Albinarrate

MUSICALMENTE TUYOS

Duración: 1 hora y 45 minutos.

ÚLTIMAS DOS FUNCIONES

Lunes 19 y 26 de octubre de 2026, a las 20 h

LA CASA DE MONKEY ISLAND

 En La casa de Monkey Island, la inteligencia artificial deja de ser una promesa tecnológica para convertirse en el centro de un experimento sobre la conducta humana. Un grupo de científicos es convocado para diseñar la campaña de lanzamiento de una carne artificial revolucionaria. Aislados en una casa inteligente, en una isla desierta, deberán enfrentarse no solo a los desafíos de la convivencia, sino también a sus propias contradicciones, deseos y límites éticos.

La dramaturgia de Rebekka Kricheldorf pone en tensión la confianza en los algoritmos y la complejidad de las relaciones humanas. Si nuestras elecciones pueden anticiparse a partir de los datos que producimos, ¿qué nos diferencia de una simulación? La pregunta atraviesa una propuesta que cruza la sátira, la ciencia ficción y la reflexión filosófica, mientras expone las contradicciones de una sociedad que pretende convertirlo todo en producto, incluso aquello que comemos y la manera en que nos comportamos.

Con dirección y puesta en escena de Monina Bonelli y Juan Branca, la obra incorpora la inteligencia artificial tanto como recurso narrativo como herramienta de construcción escénica. Lo digital no funciona únicamente como telón de fondo: interviene en el universo de la ficción y abre interrogantes sobre la relación entre tecnología, representación y realidad. Este cruce constituye uno de los aspectos más sugerentes de la propuesta, aunque también plantea el desafío de lograr que el despliegue conceptual y tecnológico no opaque el conflicto entre los personajes.

Las actuaciones de Ariel Pérez De María, Mayra Homar, Laura Cymer y Sergio Mayorquin sostienen el encuentro de individualidades sometidas a una convivencia forzada, en la que las certezas comienzan a resquebrajarse. La casa, aparentemente diseñada para satisfacer cada necesidad, se transforma en un espacio de control donde la libertad y la autonomía quedan bajo sospecha.

La casa de Monkey Island propone así una reflexión sobre los límites de la inteligencia artificial y sobre una humanidad que, en su afán de predecirlo todo, corre el riesgo de reducir la experiencia a una suma de comportamientos calculables. Su pregunta de fondo persiste más allá del experimento: si una máquina pudiera imitar nuestros deseos, contradicciones y emociones, ¿alcanzaría eso para comprender qué significa ser humano?

Ficha artístico-técnica

La casa de Monkey Island

Con: Ariel Pérez De María, Mayra Homar, Laura Cymer y Sergio Mayorquin

Autora: Rebekka Kricheldorf

Traducción: Franziska Muche, Pilar Sánchez Molina 

Versión local: Monina Bonelli, Juan Branca y Ariel Pérez De María 

Dirección y puesta en escena: Monina Bonelli y Juan Branca

Concepto IA + Escena: Boris Eldagsen y Monina Bonelli 

Arte y diseño IA: Juan Valle

Diseño de iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de vestuario: Sandra Szwarcberg - Valeria Narváez 

Asistencia de dirección: Almendra Meng

Comunicación digital: TUCO Audiovisual

Producción: Natalia Badgen

Prensa: Daniel Franco

Estreno en Latinoamérica

Teatro al mediodía

Cuándo: sábado 10 de octubre a las 14 hs

Funciones: sábados 10, 17, 24 y 31 de octubre a las 14 hs

Dónde: CASA DE LA CULTURA, Subsuelo 

Dirección: Av. de Mayo 575, CABA

Entrada gratuita 

ASTOR UNIVERSAL : EL TANGO COMO CUERPO Y REBELDÍA

 

La música de Astor Piazzolla modificó para siempre el lenguaje del tango: quebró convenciones, incorporó nuevas sonoridades y abrió caminos que trascendieron fronteras. Astor Universal recupera ese espíritu inconformista y lo traslada al escenario mediante una propuesta de tango fusión que combina tango, ballet, flamenco y malambo para explorar la vida y el universo creativo del compositor.

Con producción, dirección, guion y coreografía de Analía Farfan, el espectáculo propone un recorrido por distintas estaciones emocionales de Piazzolla: la infancia, la rebeldía, el exilio, la nostalgia y el vínculo persistente con Buenos Aires. La ciudad aparece como raíz y destino, escenario de una relación compleja con el lugar al que el músico discutió, desafió y al que siempre regresó.

La danza asume el desafío de traducir en movimiento una música cargada de tensiones, contrastes y rupturas. Los distintos lenguajes coreográficos dialogan con la tradición tanguera y amplían sus posibilidades expresivas, en una búsqueda que pone en primer plano la potencia del cuerpo como vehículo de la emoción. El riesgo de esta combinación reside en que la diversidad de estilos encuentre una unidad escénica capaz de reflejar la singularidad de Piazzolla, sin convertir el homenaje en una mera sucesión de disciplinas.

La participación del pianista Matías Feigin, integrante del quinteto de Astor Piazzolla, junto con músicos de ArengaTango Compañía y la cantante Mariela Marcó, aporta a la propuesta la dimensión fundamental de la música en vivo. Es allí donde el espectáculo encuentra uno de sus principales ejes: la posibilidad de que la obra de Piazzolla no solo sea evocada, sino que vuelva a vibrar en el presente.

Astor Universal busca acercarse al hombre detrás del mito y celebrar a un creador que hizo de la ruptura una forma de identidad. Más que reconstruir una biografía, la propuesta invita a experimentar la vigencia de una música que sigue interpelando a nuevas generaciones y demuestra que la tradición, cuando se mantiene abierta al riesgo, puede reinventarse sin perder su raíz.

F I C H A D E L E S P E C T Á C U L O

International American Ballet & ArengaTango Compañía

Analía Farfan, Ayelen Ruiz Díaz, Marcos Huerta Vázquez, ArengaTango Compañía, Matías Feigin (pianista del quinteto de Astor Piazzolla), músicos del repertorio de Astor Piazzolla y cantante Mariela Marcó

Analía Farfan

Producción, Dirección, Guion y Coreografía:                                  Ayelen Ruiz Díaz

Alessandra Mattanza y Camilo Rojas Domingo 18 de octubre

18:30 hs

Teatro Santa María

Montevideo 842, CABA

Ticketek — https://www.ticketek.com.ar/astor-universal/teatro-santa-maria

Coproducción: Arte digital: Fecha: Horario: Lugar: Dirección:

Entradas: 

"1850 EL ÚLTIMO AGOSTO"

Lejos de la imagen monumental del Padre de la Patria, 1850. El último agosto propone acercarse a José de San Martín desde un territorio menos transitado: el de la intimidad, los recuerdos y las emociones de un hombre que, al final de su vida, revisita su pasado y sus convicciones. En sus últimas horas, el Libertador deja por un momento el bronce para recuperar su dimensión humana, con sus afectos, sus dudas y las huellas que le dejaron las decisiones tomadas.

La dramaturgia de Pablo Müller, en versión escénica de Norberto Gonzalo, imagina una conversación con Tomás Guido, su amigo y confidente, mientras la presencia de su hija Mercedes introduce otra dimensión afectiva. Los grandes acontecimientos históricos quedan fuera de escena para dar lugar a una memoria personal que enlaza las luchas políticas y militares con el costo íntimo de una vida consagrada a la independencia.

La propuesta desplaza el foco de las hazañas hacia el hombre que debió afrontar el exilio, la distancia de sus seres queridos y las contradicciones de su tiempo. San Martín aparece así no como una figura infalible, sino como alguien que también conoció la soledad y la incertidumbre, sin renunciar por ello a sus ideales. Esa perspectiva permite revisar la historia desde una sensibilidad cercana, sin despojar al personaje de su dimensión política.

Con las actuaciones de Jorge Capussotti, Guido D’Albo y Patricia Guillermina Rozas, y la dirección de Norberto Gonzalo, el espectáculo apuesta a la palabra y al encuentro entre los personajes. La escenografía, el vestuario y la iluminación acompañan la reconstrucción de época sin desplazar el centro de la propuesta: la posibilidad de escuchar, detrás del relato heroico, la voz de un hombre que se enfrenta al balance de su existencia.

1850. El último agosto invita a repensar a San Martín desde una perspectiva que humaniza sin disminuir su legado. Porque comprender al prócer en su dimensión más íntima no significa quitarle grandeza, sino reconocer que detrás de la historia de una nación también hubo un hombre atravesado por el amor, las pérdidas, las convicciones y el deseo de encontrar sentido a su propia vida.

Ficha técnico artística

Autoría:

Pablo Müller

Versión Escénica:

Norberto Gonzalo

Actúan:

Jorge Capussotti, Guido D’Albo, Patricia Guillermina Rozas

Diseño de vestuario:

Alejandro Mateo

Diseño de escenografía:

Alejandro Mateo

Diseño de luces:

Norberto Gonzalo

Realización escenográfica:

Patricio Gonzalo

Realización de objetos:

Agustin Valle

Fotografía:

Ana Maria Ferrari, Walter Cesar Remus

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección:

Patricio Gonzalo

Prensa:

Natalia Bocca

Producción ejecutiva:

Claudia Díaz

Dirección:

Norberto Gonzalo

Composición Musical:

Federico Gamba, Javier Müller

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO LA MÁSCARA
Piedras 736 (mapa)
Monserrat - CABA - Argentina
Reservas: 4307-0566
Web: http://www.lamascara-teatro.blogspot.com
Entrada: $ 30.000,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 28/11/2026

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