UN PARAÍSO A ORILLAS DEL RÍO: EL AMOR FRENTE AL TERROR

En Un paraíso a orillas del río, Bruno Tignanelli recupera una historia de amor atravesada por la violencia de la última dictadura cívico-militar argentina. Osvaldo y Miguel, dos actores transformistas que trabajan en los sótanos del café concert porteño, construyen un universo propio entre plumas, maquillajes, humor y poesía. Pero el terror estatal irrumpe para quebrar esa intimidad y convertir el amor en una experiencia marcada por la desaparición, el exilio y la ausencia.

La obra pone en escena una dimensión de la represión que durante mucho tiempo permaneció relegada: la violencia ejercida contra las personas de la comunidad LGBTIQ+. Desde la historia de estos dos hombres, la dramaturgia enlaza el deseo y la libertad de expresión con un contexto en el que las identidades disidentes también fueron perseguidas y silenciadas. Los versos de Federico García Lorca, presentes en ese mundo artístico, aportan una resonancia poética a una historia donde la belleza se vuelve, además, una forma de resistencia.

El regreso de Osvaldo en democracia introduce otra temporalidad: la de quien vuelve para enfrentarse a una ausencia que los años no lograron reparar. El pasado no queda atrás, sino que persiste en la memoria, en las promesas incumplidas y en la necesidad de reconstruir aquello que el terror intentó destruir.

Con las actuaciones de Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato, y bajo la dramaturgia y dirección de Tignanelli, Un paraíso a orillas del río propone una reflexión sobre la memoria desde una historia íntima. Su mayor potencia reside en recordar que, detrás de las cifras y los relatos generales de la represión, hubo vidas, vínculos y proyectos truncados. Recuperarlos desde el teatro es también disputar el olvido y devolverles un lugar en la historia colectiva.

Ficha artístico técnica:

Actores: Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato

Diseño escenográfico: Jorge Covian / Vestuario: Bruno Tignanelli / Diseño de luces: Dai Vera /  Fotografía y video: Genaro Pardo / Redes sociales: Noé Ciulli / Asistencia de producción: Estebán Santachita / Prensa: Daniel Franco / Diseño: Noé Ciull 

Producción: Carlos Márquez / Dramaturgia y dirección: Bruno Tignanelli

Estreno para público: miércoles 7 de octubre a las 20.30hs

Estreno para prensa: miércoles 14 de octubre a las 20.30hs

Funciones: miércoles y jueves a las 20.30hs

Teatro: Asterión

Dirección: Zelaya 3122, Balvanera

Valor de la entrada: $25000 / dto a estud y jub.

Reservas por Alternativa teatral

Redes: @paraisoaorillas 

ALEGATO DE AMOR

 En Alegato de Amor, Susana Barbato y Juan Cantafio proponen un recorrido poético y musical por la vida y el legado de Eva Perón, a través de una ficción que recupera el universo de los antiguos estudios cinematográficos San Miguel, escenario imaginario desde el cual el teatro evoca la época dorada del cine argentino.

La obra se construye como una película dentro del teatro. Cinco actrices —Beatriz Ayas, Lucía De Santis, Lourdes Isola, Marta Quarleri y Nancy Sancha— dan cuerpo a distintas facetas de Evita y transitan momentos de su historia: la infancia, la irrupción en la política, el amor y la proyección de su figura en el tiempo. Esta multiplicidad permite pensarla no solo como personaje histórico, sino también como una imagen que se transforma según las miradas, los recuerdos y las apropiaciones colectivas.

Con dirección general y puesta en escena de Juan Cantafio, el espectáculo combina actuación, música, recursos audiovisuales y una estética ligada al imaginario cinematográfico. El vestuario y la escenografía contribuyen a recrear ese mundo de ficción, mientras que la dimensión musical acompaña el carácter evocativo de la propuesta.

Más que reconstruir una biografía, Alegato de Amor busca recuperar la huella de Eva Perón en la memoria popular y, especialmente, en la historia de las mujeres. Su apuesta es la de una evocación sensible, que encuentra en el lenguaje teatral la posibilidad de volver sobre una figura cuya presencia excede su tiempo histórico y continúa generando adhesiones, debates y sentidos contrapuestos.

Ficha técnico artística

Idea:

Susana Barbato

Dramaturgia:

Susana Barbato, Juan Cantafio

Actúan:

Beatriz Ayas, Lucía De Santis, Lourdes Isola, Marta Quarleri, Nancy Sancha

Vestuario:

Susana Barbato, Juan Cantafio, Giselle Centurión, Valentín Dibenedetto

Escenografía:

Susana Barbato, Gustavo Leiva, Lina Medina

Diseño De Sonido:

Sol Gómez

Producción musical:

Facundo Álvarez

Realización de escenografia:

Susana Barbato, Federico Parraccia

Redes Sociales:

Idea2 Espectáculos

Video:

Gustavo Leiva

Música:

Nuria Alí

Técnico de grabación:

Guido Bernasconi, Prisma

Operación de sonido:

Sol Gómez

Diseño De Iluminación:

Juan Cantafio

Fotografía:

Gustavo Leiva

Diseño gráfico:

Hugo Zanon

Asistencia De Producción:

Lola Desimano, Giorgio DI Camilo

Utilería:

Susana Barbato, Lola Desimano

Prensa:

Valeria Franchi

Producción artística:

Juan Cantafio

Producción ejecutiva:

Juan Cantafio

Producción general:

Susana Barbato

Selección Musical:

Juan Cantafio

Puesta en escena:

Juan Cantafio

Dirección general:

Juan Cantafio

Duración: 80 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

BECKETT TEATRO
Guardia Vieja 3556 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4867- 5185
Web: http://teatrobeckett.com/
Entrada: $ 25.000,00 / $ 20.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 25/10/2026

UNA SEMANA MÁS

En Una semana más, Lisandro Penelas construye un relato sobre dos hombres que coinciden en una casa de rehabilitación para alcohólicos en la provincia de Buenos Aires. A pocos días de Año Nuevo, ambos desean regresar a sus hogares, reencontrarse con sus afectos y recuperar una vida que, sin embargo, saben que no pueden retomar sin atravesar antes sus propias dificultades.

La obra encuentra su núcleo dramático en esa espera incierta: quedarse una semana más supone aceptar la necesidad de ayuda, pero también enfrentarse a la distancia con la familia, la culpa y el temor a no poder cambiar. En ese espacio marginal, donde el tiempo parece suspendido, la amistad surge como una posibilidad de sostén y una forma modesta de esperanza.

Con dirección de Ana Scannapieco, la propuesta pone el foco en la fragilidad de los vínculos y en la lucha cotidiana por sostener una decisión. Lisandro Penelas, Francisco Lumerman y Nacho Gracia integran el elenco de una historia que se acerca a sus personajes sin convertirlos en emblemas ni reducirlos a su adicción. El interés está en sus contradicciones, en el deseo de volver y en la dificultad de dar el siguiente paso.

El título condensa la pregunta que atraviesa la obra: ¿qué significa prolongar la espera cuando el futuro todavía es incierto? Una semana más encuentra en ese intervalo una reflexión sobre la recuperación, la compañía y la posibilidad de empezar de nuevo, aun cuando la voluntad no alcance para despejar todas las dudas.

escrita por Lisandro Penelas con dirección de Ana Scannapieco

Intérpretes: Lisandro Penelas, Francisco Lumerman, Nacho Gracia

Funciones: sábados 19 hs. desde el 10 de octubre
Duración: 70 minutos.

MOSCÚ TEATRO ESCUELA

Lerma 420, CABA

Entradas por Alternativa

SHAKESPEARE – LA CONCIENCIA COBARDE

En Shakespeare – La conciencia cobarde, Mario Moscoso se enfrenta en soledad a un universo dramático atravesado por las pasiones, las contradicciones y los dilemas morales del ser humano. A partir de textos de catorce obras de William Shakespeare, el actor construye un recorrido por personajes y conflictos que, pese a la distancia histórica, siguen interrogando nuestro presente.

La ambición, los celos, el poder, el amor, la traición y el miedo se despliegan a través de una palabra que busca recuperar su potencia poética y emocional. Lejos de una reconstrucción tradicional de las obras, el espectáculo propone un montaje de fragmentos en el que la voz y el cuerpo del intérprete se convierten en los principales instrumentos de composición. Moscoso transita distintos registros y estados anímicos, asumiendo la intensidad de unos textos que exigen precisión, entrega y capacidad para sostener la atención del público.

La propuesta encuentra su desafío en la propia riqueza del material shakespeariano: la sucesión de escenas y emociones necesita una articulación que permita que los fragmentos dialoguen entre sí y construyan una experiencia dramática, más allá de la fuerza individual de cada pasaje. En ese equilibrio entre declamación, acción y expresión corporal se juega buena parte de su eficacia escénica.

Con dirección y dramaturgia del propio Moscoso, y escenografía y vestuario de Celeste Etcheverry, la puesta reivindica el teatro como espacio de encuentro frente a una sociedad dominada por la urgencia, la competencia y el aislamiento. La palabra de Shakespeare funciona así como una herramienta para volver sobre preguntas esenciales: qué hacemos con el poder, hasta dónde somos capaces de llegar para imponer nuestra voluntad y cuánto de nuestras decisiones nace del miedo.

Shakespeare – La conciencia cobarde apuesta a la presencia del actor y a la vigencia de los clásicos como formas de resistencia frente a la deshumanización. Su propuesta recuerda que el teatro no necesita reproducir el mundo para interpelarlo: alcanza, a veces, con un cuerpo, una voz y unas palabras capaces de revelar aquello que preferimos no mirar. 

Ficha artístico técnica Actúa: Mario Moscoso Escenografía y Vestuario: Celeste Etcheverry / Puesta de Luces: La Escena Libre / Asistencia en Escena: Alejandra Arias Producción General: Compañía La Escena Libre Dramaturgia: Mario Moscoso sobre textos de William Shakespeare. Dirección y Puesta en Escena: Mario Moscoso.

TEATRO EL DESGUACE: MÉXICO 3694 - CABA -

HABLAR LARGO.....

 Una casa en el campo, una madre que llega de visita y un encuentro familiar que pronto deja de ser cotidiano. En Hablar largo…, Leandro Airaldo construye una historia atravesada por las pérdidas, los secretos y la necesidad de poner en palabras aquello que amenaza con desaparecer.

Silvana, reconocida actriz, visita a su hijo Julián y a Carolina, su pareja. Una revelación altera el equilibrio de los tres y transforma la casa en un espacio inestable, casi suspendido entre la tierra y el aire. Allí, las conversaciones dejan de ser un intercambio habitual para convertirse en una urgencia: hablar para comprender, para reconocerse en el otro y, quizás, para intentar reparar lo irreparable.

La dramaturgia amplía el conflicto familiar hacia una reflexión sobre las ausencias. No se trata solamente de la pérdida de los seres queridos, sino también de la desaparición de los lugares y las referencias que construyen una identidad: una casa, un pueblo, un ferrocarril. El pasado irrumpe en el presente y expone la fragilidad de los vínculos, pero también la dificultad de nombrar aquello que duele.

Las actuaciones de Mónica Driollet, Nicolás Asprella y Alejandra D'Agostino sostienen la tensión de ese encuentro, en el que los silencios y las palabras adquieren un peso particular. La escenografía de Miguel Nigro, junto con la iluminación de Luciana Giacobbe y el diseño sonoro y musical de Silvia Vives, contribuye a crear una atmósfera en la que los límites del espacio parecen desdibujarse, acompañando la inestabilidad emocional de los personajes.

Con dirección del propio Airaldo, Hablar largo… propone un teatro de intimidad y resonancias poéticas. Su mayor interés reside en la pregunta que atraviesa la obra: ¿cómo construir una identidad cuando aquello que nos sostuvo comienza a desaparecer? Aunque por momentos la acumulación de pérdidas amenaza con volver explícita su reflexión, la pieza encuentra su fuerza en la necesidad de hablar, incluso cuando las palabras resultan insuficientes.

Porque hay despedidas que comienzan mucho antes de la partida y conversaciones que se vuelven impostergables cuando comprendemos que ya no tenemos todo el tiempo del mundo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Leandro Airaldo

Actúan:

Nicolás Asprella, Alejandra D'Agostino, Mónica Driollet

Vestuario:

Gabriella Gerdelics

Escenografía:

Miguel Nigro

Iluminación:

Luciana Giacobbe

Diseño De Sonido:

Silvia Vives

Realización de escenografia:

Manuel Escudero

Música:

Silvia Vives

Fotografía:

Santiago Young

Diseño gráfico:

Nadia Estebanez

Asistencia de dirección:

Nadia Estebanez

Prensa:

Daniel Franco

Producción:

Nadia Estebanez

Dirección:

Leandro Airaldo

Duración: 85 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 (mapa)
San Nicolas - CABA - Argentina
Teléfonos: 75421752
Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar
Entradas desde: $ 15.000,00 - Domingo - 20:00 hs - Del 11/10/2026 al 29/11/2026

SOLO, LA FELICIDAD DE LOS DEMÁS

Un escritor regresa a su país atravesando un bloqueo creativo. Busca refugio en la amistad, pero el reencuentro con viejas relaciones y recuerdos dolorosos termina empujándolo hacia el aislamiento. En Solo, la felicidad de los demás, adaptación de Guillermo Ghio sobre una idea original de Marcelo Moncarz a partir de Ensam, de August Strindberg, la soledad se convierte en un territorio de conflicto, pero también en una posibilidad de introspección.

La obra, de apenas 55 minutos, se sostiene fundamentalmente en la presencia de Ghio, que construye un personaje atravesado por recuerdos, contradicciones y preguntas. El bloqueo creativo aparece como manifestación de un conflicto más profundo: la dificultad de reconocerse cuando desaparecen las certezas y las opiniones ajenas dejan de funcionar como referencia.

La puesta apuesta por la intimidad. El espacio escénico y la iluminación acompañan el progresivo repliegue del protagonista, mientras las voces en off de Celeste Cid y Carlos Portaluppi introducen otras presencias que parecen surgir de la memoria. El escenario se transforma así en un espacio mental donde pasado y presente se superponen.

Ghio trabaja desde la contención, evitando que la crisis del personaje derive en un exceso melodramático. El cuerpo, las pausas y los silencios adquieren un peso particular: la soledad no se expresa solamente en lo que el personaje dice, sino también en aquello que ya no puede compartir.

En el marco de los 25 años de Humoris Dramatis, Solo, la felicidad de los demás propone una reflexión sobre la creación, los vínculos y la necesidad paradójica de apartarse de los otros para volver a encontrarse. Una obra que entiende la soledad no como una ausencia absoluta, sino como un espacio donde también resuenan las voces, los afectos y las heridas de los demás. 

Ficha técnico artística

Adaptación:

Guillermo Ghio

Actúan:

Guillermo Ghio

Voz en Off:

Celeste Cid, Carlos Portaluppi

Vestuario:

Pheonía Veloz

Espacio escénico:

Guillermo Ghio

Redes Sociales:

Agustin Corsi, Pettu Salama

Realización de vestuario:

Jotuiti Tebao Factor

Banda de sonido:

Miguel Rur

Diseño De Iluminación:

Tamara Josefina Turczyn

Fotografía:

Tamara Josefina Turczyn

Asistencia de escenario:

Florencia Vigil

Asistencia de dirección:

Tamara Josefina Turczyn

Prensa:

Valeria Franchi

Producción ejecutiva:

Gisella Sirera

Selección Musical:

Guillermo Ghio

Supervisión Actoral:

Marcos Montes, Carlos Portaluppi

Puesta en escena:

Guillermo Ghio

Dirección general:

Guillermo Ghio

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Lunes - 20:00 hs - Hasta el 30/11/2026 y Del 07/12/2026 al 14/12/2026

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LOS ACANTILADOS: LA HERENCIA DE LOS SECRETOS

 Un niño mira el mar desde un acantilado. Un padre deja una herencia que debe ser repartida. Una madre espera en una tormenta alguna señal divina y dos hermanos convierten un partido de tenis en una disputa que excede largamente el juego. En Los acantilados, Ignacio Apolo construye, a partir de esos elementos, el retrato de una familia atravesada por aquello que no se dice.

Ambientada en la Argentina de los años ochenta, la obra recupera una de las preocupaciones centrales del universo de Ibsen: la verdad como posible forma de liberación, pero también como una fuerza capaz de destruir los vínculos. Los secretos familiares funcionan como una herencia tan pesada como la material y obligan a los personajes a preguntarse qué recibieron de sus padres y cuánto de ese legado están condenados a repetir.

La dramaturgia apuesta por una tensión creciente, donde lo cotidiano adquiere una dimensión simbólica. El mar, la tormenta, el relámpago y el partido de tenis dejan de ser simples circunstancias para convertirse en imágenes de un conflicto familiar que parece avanzar hacia un inevitable punto de quiebre.

Ignacio Apolo, Junior Pisanu y Viviana Represas sostienen un trabajo actoral contenido, acorde con una historia en la que los silencios tienen tanto peso como las palabras. La puesta evita el exceso y encuentra en la austeridad del espacio, el vestuario y la iluminación una atmósfera cargada de amenaza. La música de Gisle Kverndokk aporta una dimensión emocional que amplifica esa sensación de destino inevitable.

Como primera parte de una trilogía inspirada en Ibsen, Los acantilados no busca reproducir al dramaturgo noruego, sino trasladar sus conflictos a un territorio argentino reconocible. El resultado es una obra sobre la familia, la culpa y la herencia, pero también sobre el precio de conocer aquello que durante años permaneció oculto. Porque en este universo la verdad no aparece como una respuesta tranquilizadora: puede ser, también, el comienzo del abismo.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Ignacio Apolo

Actúan:

Ignacio Apolo, Junior Pisanu, Viviana Represas

Vestuario:

Gabriella Gerdelics

Escenografía:

Félix  Padrón

Iluminación:

Félix  Padrón

Música:

Gisle Kverndokk

Fotografía:

Akira Patiño

Diseño gráfico:

Selva Y Anabel Vanoni

Asistencia de dirección:

Maia Morosano

Dirección:

Ignacio Apolo

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

EL EXCENTRICO DE LA 18º
Lerma 420 (mapa)
Villa Crespo - CABA - Argentina
Teléfonos: +5491168016092
Web: https://elexcentricodela18.com/comunidad/
Entrada: $ 25.000,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 29/11/2026

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