EL MISTERIO DE UNA IDENTIDAD

 Un argentino llega a Nueva York en 1978 sin memoria, sin pasado y casi sin palabras. El señor Ramírez, confinado a una silla de ruedas, despierta la curiosidad de Larry, el joven encargado de acompañarlo. Entre ambos se establece una relación enigmática en la que las preguntas cambian de destinatario y el cuidador termina convirtiéndose también en interrogado.

A partir de la novela de Manuel Puig, escrita durante su exilio neoyorquino, Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz realizan una adaptación que recupera con eficacia algunos de los grandes temas del escritor: el desarraigo, la identidad, la memoria y la necesidad de reconstruir una historia personal atravesada por la historia política argentina.

Luis Campos compone a Ramírez desde la ambigüedad. Su personaje puede parecer vulnerable por su amnesia y su discapacidad, pero rápidamente revela una capacidad de manipulación que modifica el vínculo con Larry. Mateo Chiarino sostiene con naturalidad el desconcierto de un hombre que comienza intentando comprender a otro y termina exponiendo sus propias heridas. Luz Miraldi completa el elenco aportando diferentes matices a una trama que necesita de cambios de registro para avanzar.

La dirección de Moncarz evita el naturalismo y propone un espacio escénico abierto, donde el asilo y las calles de Nueva York se construyen mediante la iluminación, el sonido y el trabajo de los actores. La escenografía y el diseño lumínico de Ricardo Sica colaboran en esa atmósfera de extrañamiento, mientras la música y el diseño sonoro de Tom CL acompañan el carácter casi cinematográfico de algunas transiciones.

El hallazgo de los libros enviados desde Argentina funciona como detonante de una segunda historia: detrás del hombre amnésico hay un exiliado y, detrás del exilio, una experiencia que necesita ser recuperada. La memoria individual se encuentra entonces con una memoria histórica que todavía duele.

La obra no busca solamente descubrir quién es Ramírez. Su verdadero interrogante pasa por aquello que hacemos con nuestro pasado cuando recordar también significa enfrentarnos con aquello que quisimos olvidar. Y allí, en esa zona donde la intimidad se cruza con la historia, la vigencia de Puig vuelve a hacerse evidente.

Ficha técnico artística

Autoría:

Manuel Puig

Adaptación:

Marcelo Moncarz, Claudia Piñeiro

Actúan:

Luis Campos, Mateo Chiarino, Luz Miraldi

Escenografía:

Alejandro Mateo

Diseño de vestuario:

Alejandro Mateo

Diseño sonoro:

Tom CL

Realización escenográfica:

Geronimo Tiengo

Música original:

Tom CL

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección:

Glenda Aramburu

Prensa:

Valeria Franchi

Producción ejecutiva:

Adriana Yasky

Puesta en escena:

Marcelo Moncarz

Dirección:

Marcelo Moncarz

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Domingo - 18:00 hs - Hasta el 29/11/2026

18

SOY ELLA, una identidad en movimiento

 Soy ella se acerca a La Kalo, una mujer trans del conurbano bonaerense, desde una distancia poco habitual en el documental contemporáneo: la que se construye a partir del tiempo compartido, de la observación paciente y de una cámara que parece buscar menos explicar que acompañar.

La película transita entre dos espacios que se complementan y, a la vez, revelan distintas dimensiones de su protagonista: el escenario, donde La Kalo despliega su presencia y construye una identidad pública, y la vida cotidiana, allí donde aparecen los gestos mínimos, los vínculos y las zonas menos visibles de esa misma identidad. El contraste evita que el relato quede encerrado en una mirada exclusivamente social o testimonial.

Uno de los mayores aciertos del documental está en no convertir a La Kalo en un objeto de estudio. La cámara permanece cerca, pero no invade. En lugar de organizar su experiencia alrededor de explicaciones externas, permite que sea ella quien ocupe el centro del relato, con sus contradicciones, deseos, transformaciones y momentos de intimidad.

La identidad aparece así no como una categoría fija sino como un proceso. La película registra ese movimiento sin pretender clausurarlo con definiciones. Hay algo especialmente valioso en esa decisión: Soy ella no intenta decirle al espectador quién es La Kalo, sino acompañarlo en el descubrimiento de quién va siendo.

Entre el brillo del escenario y la intimidad de lo cotidiano, el documental construye un retrato sensible que encuentra su potencia justamente en aquello que no necesita subrayar. La Kalo no es presentada como una excepción ni reducida a una historia de superación: es una mujer cuya vida, como tantas otras, está hecha de búsquedas, elecciones, vínculos y transformaciones.

Soy ella encuentra en esa cercanía su forma de mirar y en el tiempo su principal herramienta narrativa. Un documental que entiende que acompañar también es una manera de contar.

Argentina, 2026, 85 minutos

4K - DCP Flat - 1.90:1 - audio 5.1

Protagonista · Milena Kalo Navun

Dirección · Cecilia Pinotti

Producción · Cecilia Pinotti y María Fernández Aramburu

Dirección de fotografía · Virginia Rojas

Cámara · Cecilia Pinotti y Virginia Rojas

Foquista · Mariana Bruno

Asistente de cámara · Isadora Ardito Molina

Sonido directo · Juan José Suarez

Montaje · Cecilia Pinotti

Color · Boreal Color Studio, Guido Tomeo

Títulos · Gorky Films

Postproducción de sonido · La Oreja de Suarez

Diseño de sonido · Juan José Suarez

Editor de diálogos y mezcla · Miguel Kancepolsky

Mezcla · Francisco Pedemonte

Música · KRSSV, Rafael Krux

Corrección de subtítulos · Nina Kaelin

Diseño de poster · Neta Zeta

Distribución · Cinetren

Prensa · Julieta Bilik

FESTIVALES

FICPBA – Selección en Competencia de Largometrajes Bonaerenses 

Festival Cine de las Alturas – Competencia Nacional Work in Progress (Premio a Proyecto Wip de las Alturas)

ÉRAMOS TAN FLACOS, cuando las imágenes vuelven a hablar

 Hay algo profundamente cinematográfico en volver a mirar unas imágenes filmadas hace treinta años. No solo porque el tiempo haya modificado aquello que muestran, sino porque también transformó la mirada de quien las registró. En la mitad de los años 90, un joven recorre La Plata con una cámara VHS y filma las movilizaciones estudiantiles contra la Ley de Educación Superior. Hoy, Carlos Castro recupera ese archivo personal y lo convierte en materia de un documental que interroga una época y, al mismo tiempo, el presente desde el que esa época es revisitada.

La película encuentra en la textura del VHS su primera y más poderosa marca estética. La imagen granulada, los encuadres espontáneos, los movimientos propios de una cámara que registra en medio de la acción construyen una proximidad que difícilmente podría reproducirse mediante una reconstrucción contemporánea. No estamos frente a imágenes que pretenden representar el pasado: son fragmentos concretos de ese pasado que sobreviven y regresan para ser interrogados.

El montaje de Pedro Barandiarán tiene entonces una tarea fundamental. Ordenar materiales heterogéneos —archivo personal, investigación y registros de otra naturaleza— sin neutralizar su potencia. El documental no se limita a ilustrar un episodio de la historia universitaria: establece relaciones entre aquellas imágenes y el clima político de los años 90, entre las consignas de entonces y las preguntas que todavía persisten.

En ese sentido, la película trabaja con una tensión interesante entre memoria personal e historia colectiva. Lo que comienza como el registro de un joven estudiante termina adquiriendo una dimensión generacional. Las calles de La Plata, las aulas y las movilizaciones dejan de ser únicamente escenarios de una protesta para convertirse en el territorio donde se formaron determinadas formas de participación política.

La cámara que alguna vez registró el presente sin saber qué lugar ocuparía en el futuro termina funcionando como una máquina de memoria. Y allí reside uno de los mayores aciertos del documental: comprender que el archivo no es un material muerto que simplemente debe ser recuperado, sino una imagen capaz de volver a producir preguntas.

Más que reconstruir una época, la película la hace regresar. Y en ese regreso, aquellas imágenes VHS adquieren una nueva dimensión: ya no son solamente el testimonio de lo que ocurrió, sino también la evidencia de que aquello que parecía clausurado —la discusión, el conflicto, la participación política— continuaba latiendo debajo de la superficie.

Una película de Carlos Castro

ESTRENO EN CINES:
24 de Septiembre de 2026
SALAS Y FUNCIONES
- Cine Gaumont: Funciones 24 y 25 de septiembre a las 20.30
- Cine Select - La Plata del 1 al 7 de octubre 18:30,
excepto domingo 4 a las 18:00.
- Cineclub Proyecciones Terrestres - La Plata: Domingo 4/10 - 19:00; Sábado 10/10 - 20:00; Jueves 15/10 - 19:00: Domingo 18/10 - 17:00;
Lunes 26/10 - 21:00; Viernes 30/10 - 20:00.
RECORRIDO POR FESTIVALES

3° FICPBA – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES (2025)
Competencia de Largometraje Bonaerense
Ganador – Mejor Documental
Ganador – Mejor Dirección Documental
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)
Mención Especial – Sonido (Premio ASA - Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales)

21° FICDH – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DERECHOS HUMANOS DE BUENOS AIRES (2025)
Ganador – Primer Premio RAFNA (Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales)
Ganador – Primer Premio Voto del Público

8° FESTIVAL DE CINE EN GRANDE (Tierra del Fuego, 2025)
Ganador – Mejor Montaje (Premio EDA - Asociación de Editores Audiovisuales)

20° FESAALP – FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE LA PLATA (2025)
Mención Especial – Mejor Película (Sección La Plata Filma)

BARCIF – BARCELONA INDIE FILM MAKERS FEST (España, 2026)
Nominación – Mejor Película
Nominación – Mejor Director

22° FESTIVAL DE CINE Y DERECHOS HUMANOS DE SAN SEBASTIÁN / GIZA ESKUBIDEEN ZINAMALDIA (España, 2025)
Selección Oficial
- Sala Lúcida: Función 22 de octubre a las 20:00

CALIFICACIÓN:
G (Audiencia General)

DURACIÓN: 
81 min.

FICHA TÉCNICA

Guion y Dirección: CARLOS CASTRO
Montaje: PEDRO BARANDIARÁN
Producción General: ADRIÁN BERTUZZI, SILVINA HERMOSA
Producción Ejecutiva: TATIANA ZLATAR, CARLOS CASTRO
Jefe de Producción: MIGUEL D´ELIA
Investigación de Archivo: CARLOS CASTRO, PAULA ESPERANZA VALDEZ, ESTEBAN GIL GARCÍA, TATIANA ZLATAR, MARCO IANNARELLI
Investigación: ESTEBAN GIL GARCÍA, PAULA ESPERANZA VALDEZ
Cámara: SEBASTIÁN MIGLIO
Sonido: MATÍAS OLMEDO, HERNÁN BIASSOTTI, MÚSICA ORIGINAL, JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Música Original: JUAN LUCESOLE, CARMEN SANCHÉZ VIAMONTE
Postproducción de sonido: CARLOS TANONI
Dosificación de Color: PEDRO BARANDIARÁN
Asistencia de producción: ARIEL OLIVARES
Asistencia de Edición: LAUTARO BARRAGAN


DATOS TÉCNICOS

País: ARGENTINA
Año: 2025
Duración: 80
Idioma: ESPAÑOL

LA IMAGEN PRESUNTA

 ¿Qué queda de una persona cuando solo queda su fotografía? La imagen presunta, de Adriana Garibaldi, parte de esa pregunta para construir una pieza que recupera la fotografía analógica como objeto material, pero también como territorio de memoria, deseo y especulación. La luz y el tiempo, esas dos materias que John Berger señalaba como esenciales de la fotografía, se convierten aquí en materia teatral.

Organizada en un prólogo y tres episodios —llorar, reír y pensar—, la obra cambia de registro sin perder su núcleo. En el primero, la fotografía aparece como sustituto afectivo de quien ya no está; en el segundo, el humor y el absurdo irrumpen alrededor de un estudio fotográfico donde un ladrón, una familia y un retrato aparentemente convencional terminan componiendo una situación desopilante. El tercero es quizá el más inquietante: cuatro mujeres encuentran fotografías abandonadas en la calle e intentan reconstruir, a partir de esas imágenes anónimas, las vidas que alguna vez estuvieron detrás de ellas.

Es allí donde La imagen presunta encuentra su dimensión más interesante. ¿Una fotografía registra la realidad o construye una versión de ella? ¿Qué información queda fuera del encuadre? Las mujeres inventan historias para esos rostros desconocidos y, al hacerlo, ponen en evidencia que toda imagen necesita de alguien que la mire, la interprete y complete aquello que no puede mostrar.

La puesta de Garibaldi trabaja con una diversidad de recursos —objetos, visuales, música, iluminación y una cuidada composición escénica— que dialogan con el universo fotográfico sin convertirlo en una simple ilustración. Los ocho intérpretes encarnan catorce personajes y sostienen una teatralidad que puede pasar de lo emotivo a lo grotesco, de la intimidad al humor, sin perder fluidez.

La imagen presunta propone finalmente un juego entre lo que vemos y lo que imaginamos. Porque una fotografía puede conservar un instante, pero nunca una vida completa. Tal vez por eso esas imágenes abandonadas resultan tan poderosas: frente a ellas, mirar también significa inventar y, de algún modo, rescatar del olvido aquello que ya no podemos conocer.

Ficha técnico artística

Autoría:

Adriana Garibaldi

Actúan:

Leticia Barbitta, Marcela Bea, Claudio Beltrán, Constanza Cilifrese, Lucía Correa Vazquez, Cecilia Labourt, José Toccalino, Maria Nydia Ursi-Ducó

Vestuario:

Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi

Escenografía:

Gustavo Acevedo, Adriana Garibaldi

Diseño sonoro:

Gustavo Popi Spatooco

Realización de objetos:

Sanchezplastik, Gota Converso

Violín:

Dante Spatocco

Visuales:

Leticia Barbitta

Música original:

Gustavo Popi Spatooco

Diseño De Iluminación:

Adriana Garibaldi, Carolina Oliva

Fotografía:

Leandro Ibáñez

Asistencia De Producción:

Nani Lopez

Asistencia de dirección:

Leticia Barbitta

Prensa:

Giacani- Lauro Comunicación

Puesta en escena:

Adriana Garibaldi

Co-producción:

Felisberto Teatro

Dirección:

Adriana Garibaldi

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

FELISBERTO
Yatay 112 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 1154738431 / 1165823993
Web: https://www.instagram.com/felisbertoteatro/
Sábado - 21:00 hs - Hasta el 31/10/2026

LA ESCRIBA

En La escriba, Sandra Franzen y Anahí Gadda parten de una figura que escribe para preguntarse qué sucede cuando una mujer decide dejar de ser personaje y convertirse en autora de su propia historia. El litoral argentino funciona menos como paisaje que como territorio mítico: allí se cruzan memoria, violencia, relatos silenciados y figuras femeninas condenadas a permanecer en los márgenes.

La dramaturgia de Franzen no busca construir una narración lineal. Es, más bien, un tejido de imágenes, voces y transformaciones en el que Escriba, Mujer y Yarará se desdoblan y vuelven a encontrarse. Esa estructura puede resultar deliberadamente fragmentaria, pero encuentra su mayor potencia cuando abandona la explicación y deja que el cuerpo de Gadda sea quien articule los distintos estados de la protagonista.

La música es uno de los hallazgos de la puesta. Gadda no solo actúa: también interpreta instrumentos y convierte el sonido en una extensión de la escena. Hay momentos en que la música funciona como paisaje, pero también como una herida que irrumpe y modifica el sentido de lo que sucede. El trabajo corporal, la iluminación y una escenografía de fuerte carácter simbólico completan una teatralidad que apuesta más a la sugerencia que al realismo.

Gadda sostiene el unipersonal con una presencia que exige transitar distintos registros sin perder el eje. Su personaje se desplaza entre la vulnerabilidad, la sensualidad, la furia y una creciente conciencia política. La transformación no aparece como un discurso cerrado, sino como un proceso físico que se va haciendo visible ante el espectador.

La escriba tiene su mayor interés cuando entiende la escritura como un acto de insubordinación. Su verdadera revolución no consiste solamente en contar otras historias, sino en disputar quién tiene derecho a narrarlas. Allí la mujer romántica queda atrás y aparece otra figura: una mujer que ya no acepta ser escrita por otros. 

Ficha técnico artística

Idea:

Sandra Franzen, Anahí Gadda

Dramaturgia:

Sandra Franzen

Actúan:

Anahí Gadda

Músicos:

Anahí Gadda

Creación:

Sandra Franzen, Anahí Gadda

Luthier:

Kumba Macaco, Junche Solo

Vestuario:

Paula Molina

Escenografía:

Micaela Sleigh

Caracterización:

Cassandra Chelini Vega

Maquillaje:

Cassandra Chelini Vega

Redes Sociales:

Paula Vautier

Música original:

Anahí Gadda, Gabo Illanes

Diseño De Iluminación:

Fabricio Ballarati

Fotografía:

Julián Athos Caggiano, Gustavo Gorrini

Diseño gráfico:

Andrés Mendilaharzu

Asesoramiento Actoral:

Tony Lestingi

Asesoramiento coreográfico:

Charlie Díaz Schillaci

Asesoramiento Corporal:

Doris Petroni

Asesoramiento Instrumental:

Inés López

Asistencia de dirección:

Cassandra Chelini Vega, Simón Vintrob

Prensa:

Natalia Bocca

Producción:

Compañía Anfysa

Dirección:

Sandra Franzen

Agradecimientos:

Apdea, El Mundo De Las Pelucas, Páramo Cultural, Ingrid Pelicori, Mercedes Torre

Web: http://anahigadda.com

Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Sábado - 18:00 hs - Hasta el 31/10/2026

TRAICIÓN

 En Traición, Harold Pinter construye una historia de amor, deseo y engaño donde lo importante no está tanto en lo que los personajes dicen como en aquello que prefieren callar. La obra comienza en 1977 y retrocede hasta 1968 para reconstruir, a través de encuentros fragmentarios, los siete años de una relación clandestina entre Emma y Jerry, el mejor amigo de su marido Robert.

La cronología invertida no es un simple recurso formal. Cada escena modifica el sentido de la anterior y obliga al espectador a mirar nuevamente aquello que creía comprender. Lo que primero aparece como una relación agotada va revelando, hacia atrás, el momento en que nació el deseo y las expectativas que acompañaron a ese vínculo. En el universo de Pinter, la verdad nunca se entrega de manera directa: se filtra entre silencios, pausas, frases aparentemente triviales y gestos que terminan diciendo más que las palabras.

La puesta de Héctor Levy-Daniel respeta esa economía característica del dramaturgo británico y encuentra en la escena un espacio para que las tensiones respiren. La escenografía y el vestuario de Jorgelina Herrero Pons, junto con la iluminación de Ricardo Sica, acompañan los cambios temporales sin sobrecargar la acción. El espacio se convierte así en un territorio de encuentros donde cada objeto, cada distancia y cada silencio parecen guardar una parte de la historia.

El elenco sostiene con precisión esa trama de afectos cruzados. Ernesto Falcke, Natalia Pascale, Pablo Shinji y Matías Turina construyen personajes atravesados por el deseo, los celos, la culpa y, sobre todo, por la imposibilidad de decir completamente aquello que sienten.

Traición no es solamente una obra sobre una infidelidad. Es una indagación sobre el tiempo y sobre cómo las relaciones se transforman mientras creemos que permanecen intactas. Pinter demuestra que, muchas veces, la verdadera traición no ocurre cuando se rompe una promesa, sino mucho antes: cuando empezamos a construir otra vida mientras todavía seguimos habitando la anterior.

Ficha técnico artística

Traducción:

Laura Cristal

Actúan:

Ernesto Falcke, Natalia Pascale, Pablo Shinji, Matías Turina

Vestuario:

Jorgelina Herrero Pons

Diseño de escenografía:

Jorgelina Herrero Pons

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Fotografía:

Camila Levy-Daniel

Diseño gráfico:

Camila Levy-Daniel

Diseño de imagen:

Ro Larroca

Asistencia de dirección:

Owen Toledo

Producción ejecutiva:

Gisella Sirera

Dirección general:

Héctor Levy-Daniel

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 23/10/2026 y Del 13/11/2026 al 27/11/2026

S.E.R. Sólo Escenas Random

 Una habitación cerrada, tres sillas y tres seres recién llegados de una vida que ya terminó. No hay espejos: solo los ojos de los otros. A partir de esta imagen, S.E.R. (Solo Escenas Random) toma A puerta cerrada, de Jean-Paul Sartre, como disparador para construir una pieza donde la pregunta por el ser se vuelve experiencia física, visual y sonora.

La propuesta de Liliana Tasso se mueve deliberadamente en una zona incierta entre teatro, danza, performance y experimento. Garcin, Inés y Estelle permanecen atrapados en un espacio casi onírico, sometidos a una mirada que funciona como espejo y también como condena. El cuerpo adquiere entonces un papel central: movimientos fragmentados, gestos repetidos y desplazamientos limitados revelan la imposibilidad de escapar de aquello que los otros ven.

La aparición de la camarera introduce otra dimensión. Es a la vez controladora y bailarina, figura de autoridad y pieza de un mecanismo que tampoco parece comprender. Su cuerpo fragmentado, con ecos del glamour francés de los años cincuenta, conecta el encierro de los personajes con las huellas de una época atravesada por la guerra y la violencia. Las imágenes históricas que aparecen en el televisor, junto con el material audiovisual en vivo, amplían ese universo y convierten la habitación en un espacio vigilado.

La tecnología no funciona solamente como recurso estético. Las cámaras, las transmisiones en vivo y el procesamiento de imágenes multiplican las miradas y hacen que el espectador también quede involucrado. La narradora rompe la distancia y lo convoca a respirar, percibir y pensar, convirtiéndolo en parte de ese particular experimento.

Con una duración de 60 minutos, S.E.R. propone una experiencia sensorial que no busca actualizar a Sartre de manera literal, sino abrir sus preguntas hacia el presente. ¿Quiénes somos cuando no podemos vernos más que a través de los demás? ¿Cuánto de nuestra identidad depende de esa mirada? En esa habitación sin espejos, la obra encuentra su territorio más inquietante: el lugar donde existir también significa ser observado.

Idea y dirección: Liliana Tasso

Diseño sonoro  y composición de música original: Fabián Kesler

Dramaturgia y coreografía: Liliana Tasso

Intérpretes: Mónica Ayala, Luz Lassalle, Paula Muller, Elisa Delgado, Manuela Caviglia

Programación y manejo de software ISADORA y tecnología multimedia: Federico Videla

Gestión: Elisa Delgado y Maria Luz Lassalle

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Duración: 60 minutos

¡ÚNICAS FUNCIONES!

JUEVES 17 Y 24 DE SEPTIEMBRE A LAS 20:30 HORAS.

Centro Cultural de la Cooperación - Av. Corrientes 1543

Entrada general: $20.000

A la venta en Alternativa Teatral