LA CASA DE MONKEY ISLAND

 En La casa de Monkey Island, la inteligencia artificial deja de ser una promesa tecnológica para convertirse en el centro de un experimento sobre la conducta humana. Un grupo de científicos es convocado para diseñar la campaña de lanzamiento de una carne artificial revolucionaria. Aislados en una casa inteligente, en una isla desierta, deberán enfrentarse no solo a los desafíos de la convivencia, sino también a sus propias contradicciones, deseos y límites éticos.

La dramaturgia de Rebekka Kricheldorf pone en tensión la confianza en los algoritmos y la complejidad de las relaciones humanas. Si nuestras elecciones pueden anticiparse a partir de los datos que producimos, ¿qué nos diferencia de una simulación? La pregunta atraviesa una propuesta que cruza la sátira, la ciencia ficción y la reflexión filosófica, mientras expone las contradicciones de una sociedad que pretende convertirlo todo en producto, incluso aquello que comemos y la manera en que nos comportamos.

Con dirección y puesta en escena de Monina Bonelli y Juan Branca, la obra incorpora la inteligencia artificial tanto como recurso narrativo como herramienta de construcción escénica. Lo digital no funciona únicamente como telón de fondo: interviene en el universo de la ficción y abre interrogantes sobre la relación entre tecnología, representación y realidad. Este cruce constituye uno de los aspectos más sugerentes de la propuesta, aunque también plantea el desafío de lograr que el despliegue conceptual y tecnológico no opaque el conflicto entre los personajes.

Las actuaciones de Ariel Pérez De María, Mayra Homar, Laura Cymer y Sergio Mayorquin sostienen el encuentro de individualidades sometidas a una convivencia forzada, en la que las certezas comienzan a resquebrajarse. La casa, aparentemente diseñada para satisfacer cada necesidad, se transforma en un espacio de control donde la libertad y la autonomía quedan bajo sospecha.

La casa de Monkey Island propone así una reflexión sobre los límites de la inteligencia artificial y sobre una humanidad que, en su afán de predecirlo todo, corre el riesgo de reducir la experiencia a una suma de comportamientos calculables. Su pregunta de fondo persiste más allá del experimento: si una máquina pudiera imitar nuestros deseos, contradicciones y emociones, ¿alcanzaría eso para comprender qué significa ser humano?

Ficha artístico-técnica

La casa de Monkey Island

Con: Ariel Pérez De María, Mayra Homar, Laura Cymer y Sergio Mayorquin

Autora: Rebekka Kricheldorf

Traducción: Franziska Muche, Pilar Sánchez Molina 

Versión local: Monina Bonelli, Juan Branca y Ariel Pérez De María 

Dirección y puesta en escena: Monina Bonelli y Juan Branca

Concepto IA + Escena: Boris Eldagsen y Monina Bonelli 

Arte y diseño IA: Juan Valle

Diseño de iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de vestuario: Sandra Szwarcberg - Valeria Narváez 

Asistencia de dirección: Almendra Meng

Comunicación digital: TUCO Audiovisual

Producción: Natalia Badgen

Prensa: Daniel Franco

Estreno en Latinoamérica

Teatro al mediodía

Cuándo: sábado 10 de octubre a las 14 hs

Funciones: sábados 10, 17, 24 y 31 de octubre a las 14 hs

Dónde: CASA DE LA CULTURA, Subsuelo 

Dirección: Av. de Mayo 575, CABA

Entrada gratuita 

ASTOR UNIVERSAL : EL TANGO COMO CUERPO Y REBELDÍA

 

La música de Astor Piazzolla modificó para siempre el lenguaje del tango: quebró convenciones, incorporó nuevas sonoridades y abrió caminos que trascendieron fronteras. Astor Universal recupera ese espíritu inconformista y lo traslada al escenario mediante una propuesta de tango fusión que combina tango, ballet, flamenco y malambo para explorar la vida y el universo creativo del compositor.

Con producción, dirección, guion y coreografía de Analía Farfan, el espectáculo propone un recorrido por distintas estaciones emocionales de Piazzolla: la infancia, la rebeldía, el exilio, la nostalgia y el vínculo persistente con Buenos Aires. La ciudad aparece como raíz y destino, escenario de una relación compleja con el lugar al que el músico discutió, desafió y al que siempre regresó.

La danza asume el desafío de traducir en movimiento una música cargada de tensiones, contrastes y rupturas. Los distintos lenguajes coreográficos dialogan con la tradición tanguera y amplían sus posibilidades expresivas, en una búsqueda que pone en primer plano la potencia del cuerpo como vehículo de la emoción. El riesgo de esta combinación reside en que la diversidad de estilos encuentre una unidad escénica capaz de reflejar la singularidad de Piazzolla, sin convertir el homenaje en una mera sucesión de disciplinas.

La participación del pianista Matías Feigin, integrante del quinteto de Astor Piazzolla, junto con músicos de ArengaTango Compañía y la cantante Mariela Marcó, aporta a la propuesta la dimensión fundamental de la música en vivo. Es allí donde el espectáculo encuentra uno de sus principales ejes: la posibilidad de que la obra de Piazzolla no solo sea evocada, sino que vuelva a vibrar en el presente.

Astor Universal busca acercarse al hombre detrás del mito y celebrar a un creador que hizo de la ruptura una forma de identidad. Más que reconstruir una biografía, la propuesta invita a experimentar la vigencia de una música que sigue interpelando a nuevas generaciones y demuestra que la tradición, cuando se mantiene abierta al riesgo, puede reinventarse sin perder su raíz.

F I C H A D E L E S P E C T Á C U L O

International American Ballet & ArengaTango Compañía

Analía Farfan, Ayelen Ruiz Díaz, Marcos Huerta Vázquez, ArengaTango Compañía, Matías Feigin (pianista del quinteto de Astor Piazzolla), músicos del repertorio de Astor Piazzolla y cantante Mariela Marcó

Analía Farfan

Producción, Dirección, Guion y Coreografía:                                  Ayelen Ruiz Díaz

Alessandra Mattanza y Camilo Rojas Domingo 18 de octubre

18:30 hs

Teatro Santa María

Montevideo 842, CABA

Ticketek — https://www.ticketek.com.ar/astor-universal/teatro-santa-maria

Coproducción: Arte digital: Fecha: Horario: Lugar: Dirección:

Entradas: 

"1850 EL ÚLTIMO AGOSTO"

Lejos de la imagen monumental del Padre de la Patria, 1850. El último agosto propone acercarse a José de San Martín desde un territorio menos transitado: el de la intimidad, los recuerdos y las emociones de un hombre que, al final de su vida, revisita su pasado y sus convicciones. En sus últimas horas, el Libertador deja por un momento el bronce para recuperar su dimensión humana, con sus afectos, sus dudas y las huellas que le dejaron las decisiones tomadas.

La dramaturgia de Pablo Müller, en versión escénica de Norberto Gonzalo, imagina una conversación con Tomás Guido, su amigo y confidente, mientras la presencia de su hija Mercedes introduce otra dimensión afectiva. Los grandes acontecimientos históricos quedan fuera de escena para dar lugar a una memoria personal que enlaza las luchas políticas y militares con el costo íntimo de una vida consagrada a la independencia.

La propuesta desplaza el foco de las hazañas hacia el hombre que debió afrontar el exilio, la distancia de sus seres queridos y las contradicciones de su tiempo. San Martín aparece así no como una figura infalible, sino como alguien que también conoció la soledad y la incertidumbre, sin renunciar por ello a sus ideales. Esa perspectiva permite revisar la historia desde una sensibilidad cercana, sin despojar al personaje de su dimensión política.

Con las actuaciones de Jorge Capussotti, Guido D’Albo y Patricia Guillermina Rozas, y la dirección de Norberto Gonzalo, el espectáculo apuesta a la palabra y al encuentro entre los personajes. La escenografía, el vestuario y la iluminación acompañan la reconstrucción de época sin desplazar el centro de la propuesta: la posibilidad de escuchar, detrás del relato heroico, la voz de un hombre que se enfrenta al balance de su existencia.

1850. El último agosto invita a repensar a San Martín desde una perspectiva que humaniza sin disminuir su legado. Porque comprender al prócer en su dimensión más íntima no significa quitarle grandeza, sino reconocer que detrás de la historia de una nación también hubo un hombre atravesado por el amor, las pérdidas, las convicciones y el deseo de encontrar sentido a su propia vida.

Ficha técnico artística

Autoría:

Pablo Müller

Versión Escénica:

Norberto Gonzalo

Actúan:

Jorge Capussotti, Guido D’Albo, Patricia Guillermina Rozas

Diseño de vestuario:

Alejandro Mateo

Diseño de escenografía:

Alejandro Mateo

Diseño de luces:

Norberto Gonzalo

Realización escenográfica:

Patricio Gonzalo

Realización de objetos:

Agustin Valle

Fotografía:

Ana Maria Ferrari, Walter Cesar Remus

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección:

Patricio Gonzalo

Prensa:

Natalia Bocca

Producción ejecutiva:

Claudia Díaz

Dirección:

Norberto Gonzalo

Composición Musical:

Federico Gamba, Javier Müller

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO LA MÁSCARA
Piedras 736 (mapa)
Monserrat - CABA - Argentina
Reservas: 4307-0566
Web: http://www.lamascara-teatro.blogspot.com
Entrada: $ 30.000,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 28/11/2026

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EL HIJO DEL INSTANTE

 ¿Qué es el tiempo? ¿Dónde comienza y termina la vida? ¿Qué sucede con nosotros y con los otros cuando la existencia deja de responder a las coordenadas conocidas? A partir de estos interrogantes, El Hijo del Instante propone un viaje existencial protagonizado por cinco personajes que habitan un espacio sin tiempo, territorio propicio para revisar certezas, exponer fragilidades y reflexionar sobre la condición humana.

Creada colectivamente por Walter Buzeta, Claudio Depirro, Javier López, Emilio Rupérez y Carlos Vignola, la obra combina humor y ternura para abordar temas universales sin renunciar a la ligereza. Las situaciones cotidianas se entrelazan con preguntas filosóficas sobre la muerte, la memoria, los vínculos y aquello que permanece cuando las referencias habituales desaparecen.

Los cinco intérpretes construyen un universo compartido en el que el absurdo y la emoción funcionan como vías de acceso a cuestiones profundas. La propuesta apuesta a la dinámica grupal y a la convivencia de tonos, mientras la música original y el diseño de iluminación acompañan la construcción de ese espacio suspendido, apartado de la temporalidad ordinaria.

Con codirección de Sabrina Crespo y dirección general de Claudio Depirro y Emilio Rupérez, el espectáculo encuentra su principal desafío en equilibrar la reflexión con el humor, para que las preguntas existenciales no queden reducidas a enunciados, sino que adquieran espesor a través de las acciones y los vínculos entre los personajes.

El Hijo del Instante invita, finalmente, a mirar la existencia desde otra perspectiva: quizá no se trate de encontrar respuestas definitivas sobre la vida y la muerte, sino de reconocer que nuestra experiencia se construye en el encuentro con los demás. En ese territorio incierto, el humor y la ternura aparecen como formas posibles de atravesar lo inevitable.

Ficha técnico artística

Actúan:

Walter Buzeta, Claudio Depirro, Javier Lopez, Emilio Ruperez, Carlos Vignola

Vestuario:

Barcos De Tinta

Realización de escenografia:

Juan Fontes

Creación Colectiva:

Walter Buzeta, Claudio Depirro, Javier Lopez, Emilio Ruperez, Carlos Vignola

Edición musical:

Javier Lopez

Música original:

Javier Lopez

Diseño De Iluminación:

Barcos De Tinta

Asistencia técnica:

Sabrina Crespo (ZYE)

Utilería:

Barcos De Tinta

Prensa:

Adriana Schottlender

Coreografía:

Sabrina Crespo (ZYE), Ayelén Depirro

Co-Dirección:

Sabrina Crespo (ZYE)

Dirección general:

Claudio Depirro, Emilio Ruperez

Web: http://@losbarcosdetinta

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

MUY TEATRO
Humahuaca 4310 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Reservas: 11-31562699
Web: https://instagram.com/muyteatro
Sábado - 18:00 hs - Hasta el 31/10/2026

PERFUME

 En Perfume, una película de María Gabriela Epumer, el archivo se convierte en una puerta de entrada a la intimidad y al universo creativo de una artista que dejó una marca singular en el rock argentino. A partir de cincuenta horas de material audiovisual inédito, filmado por la propia Epumer entre 1995 y 2003, el documental recupera no solo su talento musical, sino también su manera de habitar el escenario y de relacionarse con el mundo.

Guitarrista, compositora y cantante, Epumer integró Viuda e Hijas de Roque Enroll, acompañó a Charly García y desarrolló una trayectoria solista en la que afirmó una identidad propia. Las imágenes de conciertos conviven con momentos cotidianos, escenas de estudio y registros domésticos que permiten descubrir otra dimensión de su personalidad: la de una mujer sensible, inquieta y profundamente comprometida con su música.

Dirigida por Lucía S. Ruiz y codirigida por Andrea Testa, la película encuentra en ese material personal una forma de reconstruir una presencia sin reducirla a la nostalgia ni a la evocación de una pérdida temprana. El montaje de Lorena Moriconi articula registros de distinta naturaleza y propone un acercamiento en el que la propia Epumer parece conducir el relato a través de su cámara, sus gestos y sus canciones.

El valor de Perfume reside, precisamente, en la posibilidad de escuchar y mirar a la artista desde sus propias imágenes. El archivo deja de ser un documento del pasado para convertirse en una experiencia viva, capaz de transmitir la energía de sus actuaciones y la intimidad de sus procesos creativos.

Más que un homenaje, el documental es una oportunidad para reencontrarse con una música cuya obra conserva frescura y potencia. También invita a reflexionar sobre la importancia de preservar los registros personales: a veces, una cámara encendida permite que una voz siga resonando y que una presencia vuelva a desplegarse mucho después de su ausencia.

Perfume, una película de María Gabriela Epumer
2026 / ’97 / Argentina - Uruguay

 

EQUIPO TÉCNICO
Dirección Lucía S. Ruiz

Codirección Andrea Testa
Guion Andrea Testa y Lucía S. Ruiz

Montaje Lorena Moriconi

Dirección de Fotografía Federico Lastra

Dirección de Sonido Federico Moreira

Casas productoras: Pensar con las Manos (Argentina) y Los Besos Contenidos (Uruguay)

Distribuidora: Moving Pics

CAFÉ JAPÓN

A partir de una pregunta que atraviesa el proceso creativo —¿puede la ficción modificar el desenlace de una tragedia?—, Café Japón propone un viaje hacia el interior de una artista que busca encontrar su propia voz. Ofelia, en plena crisis ante la hoja en blanco, llega a un café singular para terminar una adaptación de Hamlet que podría impulsar su carrera. Sin embargo, aquello que comienza como una búsqueda de inspiración se transforma en una exploración de su historia personal, sus deseos y sus contradicciones.

Con dramaturgia de Malvina Cabrera Borges y Lucien Gilabert, y dirección de este último, el espectáculo enlaza el universo de Shakespeare con la poesía japonesa y los sonidos de la música nacional. El encuentro entre estas tradiciones construye una identidad escénica que busca escapar de las fronteras culturales para indagar en una experiencia universal: la necesidad de crear, aun cuando las certezas se resquebrajan.

El café funciona como un espacio de tránsito entre realidad y fantasía, donde las musas acompañan a Ofelia en la búsqueda de su ikigai, esa razón de ser que permite orientar la existencia. La propuesta encuentra en la metáfora de las grietas su imagen central: aquello que parece una fractura también puede convertirse en una apertura hacia nuevas posibilidades.

Con cinco intérpretes y una estructura musical, Café Japón apuesta a la poesía, el movimiento y la combinación de lenguajes para reflexionar sobre la identidad y la potencia transformadora del arte. Su desafío consiste en articular esa diversidad de estímulos en un recorrido dramático que no se limite a ilustrar sus ideas, sino que permita experimentarlas en escena.

Más que ofrecer respuestas definitivas, la obra invita a pensar la creatividad como una forma de resistencia frente a los mandatos y los finales aparentemente escritos. Porque, como sugiere el verso de Roberto Juarroz que acompaña la propuesta, es en las grietas de la realidad donde puede aparecer una luz inesperada.

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Malvina Cabrera Borges, Lucien Gilabert

Intérpretes:

Malvina Cabrera Borges, Flow Gateño, Lucien Gilabert, Pau Mo, Giuliana Sosa

Diseño de vestuario:

Kimonovivi

Diseño de escenografía:

Giuliano Benedetti

Redes Sociales:

Jorge Barnichea

Diseño De Iluminación:

Anteo Del Mastro, Sebastian Viola

Fotografía:

Fiorella Romay

Comunicación visual:

Jorge Barnichea

Asistencia de dirección:

Macarena Forrester

Arreglos musicales:

Malvina Cabrera Borges, Matías Gilabert

Producción ejecutiva:

Luciana Lippi, Daniela Schwarzstein

Producción general:

Juano Fraile

Diseño de coreografia:

Pamela Peker

Dirección musical:

Malvina Cabrera Borges

Dirección vocal:

Sebastián Mazzoni

Dirección:

Lucien Gilabert

Dirección de actores:

Macarena Forrester, Martín Goldber

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO BORDER
Godoy Cruz 1838 (mapa)
Palermo - CABA - Argentina
Teléfonos: 5236-6183
Web: http://www.border.com.ar
Jueves - 20:00 hs - Del 15/10/2026 al 26/11/2026

UN PARAÍSO A ORILLAS DEL RÍO: EL AMOR FRENTE AL TERROR

En Un paraíso a orillas del río, Bruno Tignanelli recupera una historia de amor atravesada por la violencia de la última dictadura cívico-militar argentina. Osvaldo y Miguel, dos actores transformistas que trabajan en los sótanos del café concert porteño, construyen un universo propio entre plumas, maquillajes, humor y poesía. Pero el terror estatal irrumpe para quebrar esa intimidad y convertir el amor en una experiencia marcada por la desaparición, el exilio y la ausencia.

La obra pone en escena una dimensión de la represión que durante mucho tiempo permaneció relegada: la violencia ejercida contra las personas de la comunidad LGBTIQ+. Desde la historia de estos dos hombres, la dramaturgia enlaza el deseo y la libertad de expresión con un contexto en el que las identidades disidentes también fueron perseguidas y silenciadas. Los versos de Federico García Lorca, presentes en ese mundo artístico, aportan una resonancia poética a una historia donde la belleza se vuelve, además, una forma de resistencia.

El regreso de Osvaldo en democracia introduce otra temporalidad: la de quien vuelve para enfrentarse a una ausencia que los años no lograron reparar. El pasado no queda atrás, sino que persiste en la memoria, en las promesas incumplidas y en la necesidad de reconstruir aquello que el terror intentó destruir.

Con las actuaciones de Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato, y bajo la dramaturgia y dirección de Tignanelli, Un paraíso a orillas del río propone una reflexión sobre la memoria desde una historia íntima. Su mayor potencia reside en recordar que, detrás de las cifras y los relatos generales de la represión, hubo vidas, vínculos y proyectos truncados. Recuperarlos desde el teatro es también disputar el olvido y devolverles un lugar en la historia colectiva.

Ficha artístico técnica:

Actores: Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato

Diseño escenográfico: Jorge Covian / Vestuario: Bruno Tignanelli / Diseño de luces: Dai Vera /  Fotografía y video: Genaro Pardo / Redes sociales: Noé Ciulli / Asistencia de producción: Estebán Santachita / Prensa: Daniel Franco / Diseño: Noé Ciull 

Producción: Carlos Márquez / Dramaturgia y dirección: Bruno Tignanelli

Estreno para público: miércoles 7 de octubre a las 20.30hs

Estreno para prensa: miércoles 14 de octubre a las 20.30hs

Funciones: miércoles y jueves a las 20.30hs

Teatro: Asterión

Dirección: Zelaya 3122, Balvanera

Valor de la entrada: $25000 / dto a estud y jub.

Reservas por Alternativa teatral

Redes: @paraisoaorillas