ANÓNIMO

¿Qué ocurre cuando una emoción, un gesto o una acción pueden ser capturados, archivados y reproducidos infinitamente? ANÓNIMO parte de esta pregunta para investigar qué significa ser actor en un presente atravesado por el avance acelerado de la tecnología.

En esta residencia de creación e investigación, Nicolás Goldschmidt es intérprete y, al mismo tiempo, materia de experimentación. Ya no construye un personaje: produce gestos, emociones y acciones destinados a convertirse en material disponible. El cuerpo del actor queda así atrapado entre su condición humana y la posibilidad de transformarse en archivo, poniendo en crisis aquello que históricamente hizo del teatro una experiencia única e irrepetible: la presencia.

La propuesta se sostiene en un dispositivo escénico donde el diseño sonoro de Tomás Pol, el diseño visual de Moreno Pereyra, la iluminación de Jorge Pastorino y la coreografía de Merlina Crawley Ruibal dialogan con el trabajo corporal de Goldschmidt. El vestuario de Cecilia Turnes, la realización escenográfica de Cristian Nahuel Vera y el maquillaje FX de Agustina Cirigliano completan un universo visual que acentúa la tensión entre cuerpo, imagen y tecnología.

Con idea y dirección artística del propio Goldschmidt, y tutorías de Alejandro Tantanian, Pablo Rotemberg y Guillermina Etkin, ANÓNIMO se presenta menos como una obra cerrada que como un laboratorio performático en proceso. Su mayor interés reside precisamente en las preguntas que deja abiertas: ¿qué queda de la experiencia cuando puede ser reproducida? ¿Qué lugar ocupa el actor cuando su gesto puede independizarse de su cuerpo? ¿Y qué aspectos de lo humano permanecerán necesariamente fuera del archivo?

ANÓNIMO convierte esas preguntas en materia escénica y propone una experiencia inquietante sobre el futuro de la actuación. Frente a una tecnología que parece avanzar hacia la reproducción perfecta, la obra reivindica, paradójicamente, el valor de aquello que no puede copiarse: la presencia viva, frágil y efímera del cuerpo en escena. 

FICHA TÉCNICA

Intérprete: Nicolás Goldschmidt Diseño sonoro: Tomás Pol Diseño visual: Moreno Pereyra Coreografía: Merlina Crawley Ruibal Diseño de vestuario: Cecilia Turnes Diseño de iluminación: Jorge Pastorino Realización escenografica: Cristian Nahuel Vera Prensa: Mutuverría PR Fotografia: Violeta Capasso Maquilladora FX: Agustina Ciriglioni Tutorías: Alejandro Tantanian, Pablo Rotemberg, Guillermina Etkin Producción artística: Micaela Irina Zaninovich Idea y dirección artística: Nicolás Goldschmidt Apertura al público: miércoles 5 y 12 de agosto a las 21 horas y 2 de septiembre. Entradas en venta por la web de CCKonex.

LA SEMANA DEL DILUVIO

 La semana del diluvio, de la dramaturga catalana Eva Hibernia, construye un inquietante universo donde el agua, el tiempo y la memoria se convierten en protagonistas silenciosos. Ambientada en un pequeño hotel de provincia aislado por las inundaciones, la obra transforma ese espacio de tránsito en un refugio para quienes cargan con heridas que el pasado aún no ha dejado cicatrizar.

La llegada de una mujer que parece huir de un secreto, el arribo de un hombre aferrado a la ilusión de recuperar un tiempo perdido y la presencia de una hotelera que convive con la muerte como parte de su cotidianeidad conforman un triángulo de personajes atravesados por la culpa, el deseo y la necesidad de redención. A ellos se suma el fantasma de una joven, cuya presencia altera el delicado equilibrio entre los vivos y aquello que permanece sin resolver.

Lejos de apoyarse en los recursos del suspenso convencional, Hibernia escribe una pieza de gran densidad poética, donde lo sobrenatural dialoga con lo íntimo y donde el diluvio funciona como una poderosa metáfora de aquello que irrumpe para arrasar con los silencios. La dirección de Alejandro Giles acompaña ese clima con una puesta de marcada sensibilidad, privilegiando la atmósfera por sobre el efectismo y permitiendo que las actuaciones desplieguen toda la complejidad emocional de los personajes.

La semana del diluvio habla de los secretos que inmovilizan, de las pérdidas que persisten y de la posibilidad de encontrar, incluso en medio de la devastación, un camino hacia la reparación. Una obra de delicada belleza, donde el teatro se convierte en un territorio para reconciliarse con aquello que durante demasiado tiempo permaneció en silencio.

Ficha técnico artística

Autoría:

Eva Hibernia

Actúan:

Cecilia Chiarandini, Merceditas Elordi, Kevin Schiele

Iluminación:

Edgardo Aguilar, Alejandro Giles

Redes Sociales:

Nico Matías Urra

Música:

Braian Arévalo

Imágenes:

Fernando Del Castillo

Asistencia De Producción:

Constanza Scioletti

Asistencia de dirección:

Vanina Rivera

Prensa:

Duche&Zarate

Dirección:

Alejandro Giles

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 (mapa)
Almagro - CABA - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Lunes - 20:00 hs - Del 03/08/2026 al 28/09/2026 y Del 05/10/2026 al 26/10/2026

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SIMONE WEIL la virgen Roja

 Simone Weil. La Virgen Roja propone un encuentro con la vida y el legado de Simone Weil (1909-1943), una de las figuras más extraordinarias del pensamiento francés del siglo XX. Filósofa, ensayista, obrera por elección, militante política y mística, Weil desarrolló una obra que desafía cualquier clasificación. Formada en la prestigiosa École Normale Supérieure, fue discípula del filósofo Alain y dedicó gran parte de su vida a pensar las relaciones entre el trabajo, la opresión, la libertad y la justicia.

Su compromiso con la realidad nunca fue únicamente intelectual. En 1934 abandonó temporalmente la docencia para trabajar en las fábricas de Renault y Alsthom, convencida de que solo la experiencia directa permitía comprender la explotación obrera. Dos años más tarde viajó a España para sumarse a las milicias republicanas durante la Guerra Civil Española, experiencia que marcaría profundamente su pensamiento sobre la violencia. Durante la ocupación nazi de Francia se exilió junto a su familia y llegó a Londres, donde colaboró con la Francia Libre encabezada por Charles de Gaulle. Enferma de tuberculosis, murió en 1943 con apenas treinta y cuatro años, tras negarse a recibir una alimentación superior a la ración destinada a los franceses que sufrían la guerra.

Sobre ese recorrido biográfico y filosófico se apoya la propuesta creada por Ingrid Pelicori, quien selecciona, traduce e interpreta los textos de Weil con notable sensibilidad. Lejos de construir una biografía escénica, la actriz convierte sus escritos en una experiencia de escucha donde la palabra recupera toda su potencia ética y poética. El piano y la música original de Santiago Chotsourian dialogan con esos pensamientos sin ilustrarlos, generando un clima de profunda contemplación.

La sobriedad de la puesta concentra la atención en las ideas de Weil: la noción de la atención como forma de amor, la dignidad del trabajo, la crítica al totalitarismo, la compasión y la responsabilidad frente al sufrimiento ajeno. No es casual que Albert Camus, responsable de editar parte de su obra después de su muerte, la definiera como "el único gran espíritu de nuestro tiempo".

Simone Weil. La Virgen Roja logra que la filosofía abandone el ámbito académico para convertirse en una experiencia profundamente teatral. Más que recordar a Simone Weil, la obra reactiva un pensamiento cuya lucidez y radicalidad siguen iluminando algunos de los grandes dilemas éticos y políticos del presente.

Ficha técnico artística

Sobre textos de:

Simone Weil

Dramaturgia:

Ingrid Pelicori

Traducción:

Ingrid Pelicori

Actúan:

Ingrid Pelicori

Músicos:

Santiago Chotsourian

Vestuario:

Simones

Escenografía:

Simones

Redes Sociales:

Mariana Dubatti

Música original:

Santiago Chotsourian

Fotografía:

Sofía Jensezian

Utilería:

Simones

Duración: 50 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TADRON TEATRO
Niceto Vega 4802 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar
Entrada: $ 22.000,00 - Sábado - 17:00 hs - Del 01/08/2026 al 29/08/2026

PAR'ELISA (TIEMPO DE DESPEDIDA)

 Con Par ’Elisa (tiempo de despedida), Jorge Palant y Enrique Dacal regresan a un clásico del teatro argentino para ofrecer una lectura que pone en primer plano la fragilidad de los vínculos y la dificultad de despedirse de aquello que alguna vez dio sentido a la vida compartida. La irrupción de una mujer en el universo cotidiano de una pareja de hombres desestabiliza un equilibrio construido a fuerza de rutinas y silencios, obligando a los tres personajes a enfrentarse con un pasado que creían definitivamente clausurado.

La obra explora con sensibilidad los mecanismos de la memoria afectiva. Viejos gestos, palabras y heridas reaparecen para revelar que el tiempo no siempre cicatriza y que ciertos vínculos permanecen latentes, incluso cuando parecen extinguidos. El embarazo de la mujer introduce un contrapunto esperanzador: la posibilidad de un nuevo comienzo en medio de un escenario atravesado por la incertidumbre y el desencanto.

La dramaturgia evita las respuestas simples y apuesta por personajes complejos, atravesados por el dolor, la melancolía y el deseo. Las discusiones, el humor amargo y los estallidos emocionales construyen un clima de creciente intensidad, donde cada palabra parece cargar el peso de una historia compartida.

Con una puesta que privilegia el trabajo actoral y la intimidad del conflicto, Par ’Elisa (tiempo de despedida) confirma la vigencia de un texto que sigue interrogando las formas del amor, la pérdida y la posibilidad de reconstruir los afectos. Una obra de notable sensibilidad que recuerda que, incluso en los momentos de mayor oscuridad, el nacimiento de una nueva vida puede convertirse en un acto de resistencia y esperanza.

Ficha técnico artística

Autoría:

Jorge Palant

Actúan:

Verónica Belloni, Néstor Navarría, Marcelo Sánchez

Vestuario:

Julieta Capece, Juan Teodoro

Escenografía:

Julieta Capece, Juan Teodoro

Asistencia de dirección:

Camila Eva Ameijeiras

Prensa:

Daniel Franco

Puesta en escena:

Enrique Dacal

Dirección:

Enrique Dacal

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TADRON TEATRO
Niceto Vega 4802 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar
Entrada: $ 22.000,00 - Domingo - 20:00 hs - Del 02/08/2026 al 27/09/2026

POR AMAR A MARA

 Por amar a Mara parte de una situación tan disparatada como reconocible: una pareja que, tras más de veinte años de convivencia, decide someterse a una terapia neuroelectro-biomolecular para salvar su matrimonio. A partir de esa premisa, la dramaturgia de Diego Carreño construye una comedia donde el absurdo y el humor funcionan como vehículos para explorar los desgastes, las frustraciones y los secretos que habitan toda relación de pareja.

Lo que comienza como una sesión terapéutica pronto se transforma en un territorio imprevisible. Recuerdos olvidados, confesiones inesperadas y contradicciones permanentes desdibujan los límites entre lo real y lo imaginario, mientras los propios terapeutas terminan exhibiendo sus propias fragilidades. La obra propone así un ingenioso juego de espejos en el que nadie conserva el control de la situación.

La dirección de Carlos Belloso imprime un ritmo dinámico que sostiene el crescendo de los enredos y permite que el humor conviva con momentos de genuina emoción. El elenco responde con precisión a las exigencias de la comedia, componiendo personajes tan extravagantes como cercanos, capaces de revelar que detrás de cada situación disparatada se esconden conflictos profundamente humanos.

Por amar a Mara encuentra en el absurdo una forma eficaz de hablar del amor, el paso del tiempo y la necesidad de reinventar los vínculos. Una comedia ágil y entretenida que, entre risas y situaciones desopilantes, recuerda que ninguna terapia puede ofrecer respuestas simples a la complejidad de los afectos.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Diego Carreño

Actúan: Sol Canesa, Diego Carreño, Cecilia Roche, Miguel Angel Vigna

Vestuario: Vanesa Abramovich

Escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño sonoro: Federico Bellver

Diseño De Iluminación: Víctor Chacón

Redes: Mauro Barreiro

Fotografía: Federico Moriconi

Fotos de escena: Mauro Barreiro

Diseño gráfico: María Ana Tapia Sasot

Asistencia de dirección: Federico Bellver

Prensa: Natalia Bocca

Producción general: Malditas Producciones

Dirección: Carlos Belloso

 SÁBADOS A LAS 20:00 hs.

 

La Carpintería Teatro

Jean Jaures 858. CABA

Entrada general: $23.000

 

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 60 minutos

RUIDO DE HOMBRE QUE SE ESTRELLA CONTRA ALGO

 Un hombre que se estrella contra el suelo parte de un accidente real para construir una experiencia escénica que trasciende lo autobiográfico. A partir de la caída sufrida por su autor mientras podaba un árbol, la obra transforma el dolor físico y el largo proceso de recuperación en una reflexión poética sobre la fragilidad del cuerpo, el tiempo y la posibilidad de reconstruirse.

Lejos del teatro documental o del biodrama, la propuesta se sitúa en un territorio híbrido donde conviven las artes visuales y las escénicas. Inspirada en el kintsugi, la técnica japonesa que repara las fracturas resaltándolas con oro, la puesta convierte las marcas de la caída en una poderosa metáfora: las heridas no se ocultan, forman parte de la identidad.

Con una estética austera y profundamente sensible, la obra despliega un ensayo escénico donde el relato íntimo se vuelve universal. Un hombre que se estrella contra el suelo invita a pensar que toda fractura deja una marca, pero también la posibilidad de una nueva forma de belleza. Una propuesta tan conmovedora como original, que encuentra en la vulnerabilidad su mayor potencia artística.

Texto: Martín Urruty

Intérprete: Martín Urruty

Voces en Off: Noelia Prieto, Nicolás Schneider, Martín Urruty

Diseño de escenografía y vestuario: Laura Cardoso

Realización de escenografía: Juan Manuel Benbassat y Martín Urruty

Diseño de iluminación: Adrián Murga

Diseño sonoro y música original: Leonardo Volpedo

Video: Raúl Moreschi y Esteban Bisio

Fotografía: María Luz Stella

Asistencia general: Milena Stoppelman 

Producción: Compañía de Ataque 

Colaboración artística: Noelia Prieto

Dramaturgista: Leonardo Volpedo

Puesta en escena y dirección: Martín Urruty y Leonardo Volpedo

Esta obra cuenta con el apoyo de Proteatro, INT Instituto Nacional del Teatro y Compañía de Ataque.

En su formato Work in Progress formó parte del 8vo. Festival de Teatro Llegás

en 2025.

Estreno: sábado 1 de agosto 2026

FUNCIÓN PREESTRENO: VIERNES 31 DE JULIO 15.30 HS.

Funciones: sábados 22.30 hs.

Duración: 55 minutos

EL EXCENTRICO DE LA 18º

Lerma 420, CABA, Buenos Aires

Teléfonos: +5491168016092

Web:https://elexcentricodela18.com/comunidad/

SALVAJADA

Salvajada, inspirada en el universo de Juan Darién de Horacio Quiroga en la versión dramática de Mauricio Kartun, propone una potente reflexión escénica sobre la tensión entre lo humano y lo animal, lo social y lo natural, lo propio y lo ajeno. En el centro de la obra se encuentra Juan Darién, un tigre humano —o un humano tigre— que encarna la pregunta por la identidad y la diferencia en un mundo que oscila entre el afecto y la violencia, la crianza y el estigma, la inclusión y el rechazo.

La historia sigue a este ser híbrido que crece en sociedad, criado con amor pero perseguido por el miedo y el odio que despierta su condición de “otro”. En ese recorrido, la obra expone cómo el maltrato, la exclusión y el prejuicio pueden convertirse en el origen de los más profundos terrores colectivos. La pregunta que atraviesa la puesta es tan simple como inquietante: ¿sabemos realmente lo que somos?

El espectáculo se apoya en un sólido trabajo de elenco, donde destacan las múltiples transformaciones actorales que sostienen un universo coral, poblado de figuras humanas, animales y fantásticas. Valentina Bassi, Pablo Mariuzzi, Carolina Guevara, Diego Ferrari, Julieta Rivera López, Carolina Tejeda, entre otros intérpretes, construyen un entramado de personajes que se desplazan entre lo realista y lo alegórico, dando vida a un mundo donde las identidades son inestables y mutantes.

La puesta en escena de Luis Alberto Rivera López articula con precisión un dispositivo visual y sonoro de gran densidad poética. El diseño de escenografía, vestuario y títeres de Alejandro Mateo, junto con la realización de un extenso equipo de titiriteros y realizadores, construye un universo material donde lo artesanal adquiere un valor central. Los títeres no funcionan como mero recurso ilustrativo, sino como extensión simbólica de los cuerpos, reforzando la idea de transformación constante.

La música original de Daniel García y el diseño de iluminación de Luis Alberto Rivera López contribuyen a generar una atmósfera que oscila entre lo onírico y lo inquietante, potenciando el carácter mítico de la historia. La coreografía y el trabajo físico de Marina Svartzman aportan una dimensión corporal que refuerza la animalidad latente en cada escena.

Salvajada se inscribe así en una tradición del teatro argentino que dialoga con lo fantástico para pensar lo político. A través de la figura del “otro” —ese ser que no encaja en las categorías establecidas— la obra interroga los mecanismos de exclusión y violencia que atraviesan lo social. En su cruce entre fábula, alegoría y tragedia, la puesta propone una experiencia escénica intensa, donde lo humano y lo salvaje dejan de ser opuestos para revelarse como partes inseparables de una misma condición. 

TERCERA TEMPORA * TEATRO ASTROS * JULIO / SEPTIEMBRE 2026

ESTRENO EN EL TEATRO CERVANTES 2023 - REPOSICIÓN EN EL TEATRO METROPOLITAN 2024

GANADORA DE 5 PREMIOS ACE

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Dirección: Luis Rivera López

Actor Protagónico y ACE de ORO: Pablo Mariuzzi

Música Original: Daniel García

Vestuario: Alejandro Mateo

De MAURICIO KARTUN

Con VALENTINA BASSI y PABLO MARIUZZI

Dirección: LUIS RIVERA LÓPEZ

MÁS DE 40000 ESPECTADORES YA LA VIERON

Espectacular puesta en escena para emocionarse y reflexionar.

T E A T R O A S T R O S

ESTRENO 21 DE JULIO * MARTES 20:00 * ÚNICAS 8 FUNCIONES

Av. Corrientes 746

Las entradas se venden por Entradauno: $35.000

+ Nominaciones ACE

Drama o comedia dramática: Salvajada

Actriz protagónica: Valentina Bassi

Actor protagónico: Carlos Belloso

Actor de reparto: Diego Ferrari y Gustavo Masó

PREMIOS MARÍA GUERRERO

Mejor Diseño de Títeres: Alejandro Mateo

+ Nominaciones María Guerrero

Dirección e iluminación: Luis Rivera López

Actuación protagónica y co-protagónica: Pablo Mariuzzi, Carlos Belloso

Actuación de reparto: Carolina Guevara

Escenografía y diseño espacial: Alejandro Mateo

Realización de títeres: Juan B Castillo, Diego Ferrari,

Melina Filossi, Andrés Manzoco, Blanca Vega, May Zanone.

Diseño de títeres: Alejandro Mateo

Música original: Daniel García

NOMINACIONES PREMIOS LUISA VEHIL

Actor protagónico: Pablo Mariuzzi

Actriz de reparto: Carolina Guevara

Actor de reparto: Gustavo Masó

Dirección: Luis Rivera López

Escenografía: Alejandro Mateo

Vestuario: Alejandro Mateo

PREMIOS JAVIER VILLAFAÑE

Puesta en Escena y Dirección: Luis Rivera López

Diseño y Realización Coreográfica: Marina Svartzman

PREMIOS TEATRO DEL MUNDO

Dirección: Luis Rivera López

Actor de Reparto: Carlos Belloso

Actor Protagónica: Pablo Mariuzzi

Iluminación: Luis Rivera López

Vestuario y escenografía y diseño de títeres: Alejandro Mateo

Realización de títeres: Diego Ferrari - Blanca Vega

Fotografía: Ana María Ferrari y Lucia Rivera López

Premio de las/los espectadores 2023 EEBA

MEJOR ACTOR: Pablo Mariuzzi